Quincy Delight Jones Jr. è deceduto il 3 novembre 2024 a Los Angeles alla veneranda età di 91 anni. Se ne va una delle personalità più decisive nella storia della musica, se non la più decisiva

Il senso del ritmo 

Il senso del ritmo ed il tempismo sono tutto, nella vita e soprattutto nella musica. Due delle tantissime qualità che hanno sempre contraddistinto Quincy Jones, per tutti il producer dell’album “Thriller” di Michael Jackson – per molte classifiche l’album più venduto della storia  – della canzone benefica “We Are The World” guidando da autentico venerabile maestro un all stars team composto tra gli altri da Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Diana Ross, Ray Charles, Tina Turner, Cyndi Lauper, Billy Joel, Bob Dylan, Bruce Springsteen e Dionne Warwick. Quincy Jones li accolse con un cartellone in studio di registrazione che recitava “Check Your Ego at the Door”. Nessuno osò contraddire questo suggerimento.

Senso del ritmo e tempismo non erano le uniche caratteristiche del produttore statunitense; un’altra regola aurea che ha sempre osservato? Uscire di scena al momento giusto, lasciare il palco – nel suo caso più il dietro le quinte – prima che te lo dicano gli altri. E che cosa c’è di meglio che lasciare il palcoscenico della vita poche ore prima delle elezioni presidenziali americane, destinate giocoforza a prendersi tutte le attenzioni, mediatiche e non, del mondo?

Una carriera irripetibile

Quincy Jones è stato davvero tutto: non soltanto produttore discografico, ma anche arrangiatore, direttore d’orchestra, compositore, trombettista. Ben 26 i Grammy Awards al suo attivo su 76 nomination, ai quali va aggiunto un Grammy Legend Award. Oltre a Michael Jackson, ha contribuito alle produzioni di Miles Davis, Frank Sinatra, Nana Mouskouri, Dinah Washington e The Weeknd, giusto per citare alcuni tra i nomi più rilevanti. Il suo capolavoro fu “Thriller” di Michael Jackson, la sua impresa più titanica fu “We Are The World”: in tutto quello che faceva metteva sempre il suo tocco da indiscusso fuoriclasse, grazie ad una conoscenza della musica maturata sino da giovanissimo – era ancora minorenne e già si esibiva con il suo grande amico di sempre, Ray Charles – e coltivata con uno sguardo sempre teso a cogliere quello che tutti gli altri non potevano nemmeno arrivare a concepire.

Il produttore perfetto

Che cosa distingue il produttore perfetto da tutti gli altri? Quali doti hanno sempre contraddistinto Quincy Jones? Carisma, leadership, pazienza, conoscenze musicali, personali e professionali e tanta, tanta passione. Dentro e fuori gli studi di registrazione. Quincy Jones era un attivista ed era inclusivo nei fatti e non a parole sin dagli cinquanta e sessanta, quando anche soltanto a pensarlo si richiava la pelle: Quincy Jones lo racconta e si racconta nel migliore dei modi in Q, la sua autobiografia uscita nel 2001. Se ne consiglia la lettura in lingua originale, insieme alla visione del documentario “Quincy”, disponibile su Netflix. Il suo lascito più importante? Averci ricordato che non si può vivere senza musica.

“To know where you came from makes it easier for you to get where you’re going”
(Quincy Jones, 1933-2024)

Quando si chiude un’epoca? Quando i suoi più grandi interpreti se vanno per sempre. Con la scomparsa di Tony Bennett – morto il 21 luglio 2023 a quasi 97 anni – l’epopea dei veri crooner appartiene definitivamente al passato

Frank Sinatra lo definì senza mezzi termini “the best singer in the business”. E potremmo anche fermarci qua. Come altrimenti definire una voce capace di stare ai vertici assoluti con una carriera di 70 anni (!!!), grazie ad una versatilità che gli ha permesso di fare la differenza in ogni genere musicale, dal jazz al pop, di duettare con il succitato Sinatra ma anche con Amy Winehouse e Lady Gaga, capace altresì di esporsi per iniziative sociali legate all’istruzione e ai diritti civili, palesando sempre un impegno civile ed umanitario.

The best singer in the business

Il tutto sempre con la sua innata classe, con uno stile che ci fa comprendere una volta di più che attualmente il concetto di eleganza non sia proprio quello che si intendeva negli anni ruggenti di Tony Bennett. Questa è la sua legacy definita, oltre ovviamente a tutte le sue inarrivabili interpretazioni che in questi giorni stanno realizzando milioni di visualizzazioni su YouTube. Per chi volesse farsi una cultura in merito, niente di meglio delle sue raccolte “Duets”, nelle quali ha cantato tra gli altri con Amy Winehouse, Aretha Franklin, Barbara Streisand, Billy Joel, Elvis Costello e Lady Gaga.

Il significato di “I Left My Heart In San Francisco”

Tony Bennett ha inciso più di 70 album, ma se si deve scegliere una sola canzone nel suo vastissimo repertorio, non ci si sbaglia se si punta su “I Left My Heart In San Francisco”, canzone scritta nel 1953 da George Cory e da Douglass Cross e resa immortale da Bennett con la sua interpretazione nel 1962; gli valse uno dei sui 20 Grammy Awards e fu sempre definita da lui stessola sua “signature song”, la sua canzone simbolo. Una lettera d’amore per San Francisco, al punto da essere diventata una sorta di suo inno non ufficiale, in quanto espressione di grande affetto per la città e per i ricordi che sa e può lasciare a chiunque ci viva o sia soltanto di passaggio, perché “Your golden sun will shine for me” per sempre, come per sempre splenderanno tutte le canzoni interpretate da Tony Bennett.

Il video di “I Left My Heart In San Francisco”

Il testo di “I Left My Heart In San Francisco”

The loveliness of Paris seems somehow sadly gay
The glory that was Rome is of another day
I’ve been terribly alone and forgotten in Manhattan
I’m going home to my city by the Bay
I left my heart in San Francisco
High on a hill, it calls to me
To be where little cable cars climb halfway to the stars

The morning fog may chill the air, I don’t care
My love waits there in San Francisco
Above the blue and windy sea
When I come home to you, San Francisco
Your golden sun will shine for me
When I come home to you, San Francisco
Your golden sun will shine for me

sito internet
www.tonybennett.com

Anche Tina Turner, autentica regina del rock’n roll, ci ha lasciato. Giovedì 24 maggio 2023 è passata come suol dirsi a miglior vita all’età di 83 anni. Con la sua scomparsa abbiamo perso un’altra fuoriclasse, di quelle come lei si è ormai perso lo stampino.

Ann Mae Bullock da Nutbush, Tennessee, nome d’arte Tina Turner, non è stata soltanto una delle più grandi performer che la musica ci abbia regalato. Basti ricordare che i Rolling Stone hanno più volte dichiarato di essersi sempre ispirati a lei, a come si muoveva sul palco, al suo mix inarrivabile di sensualità, carisma ed energia. Fuoriclasse nella musica anche validissima interprete anche al cinema, in particolare nel ruolo di Aunty Entity in “Mad Max oltre la sfera del tuono”, film fondamentale per la formazione e la mentalità dei millennial come pochi altri.

Fuoriclasse assoluta nell’affrontare la vita, resiliente nel senso più che mai letterale del termine, quanto quest’ultimo non infestava ogni conversazione e post sui social come ai giorni nostri, svuotandolo di fatto della sua essenza e del suo significato. Nessuna donna è mai stata più resiliente di Tina Turner, capace di rialzarsi e ripartire da sotto zero dopo che il marito Ike Turner l’aveva distrutta fisicamente e moralmente, così come ha saputo affrontare con grande coraggio ed altrettanta dignità la morte di due suoi figli. Come la Turner non ne nascono più, possiamo metterlo per iscritto.

 Il significato di “What’s Love Got To Do With It”

I successi di Tina Turner sono tantissimi, davvero difficile scegliere un’unica canzone per commemorarla. La nostra scelta non poteva però che cadere su “What’s Love Got To Do With It” del 1984, un brano che segnò la sua rinascita, capace di raggiungere il numero uno nelle classifiche di tutto il mondo, di vendere milioni di copie e portare in dote alla Turner ben tre Grammy Awards. Per un disco fattole cantare dopo che tantissime star lo avevano rifiutato, davvero niente male. È diventato poi anche il titolo del biopic a lei dedicato ed uscito nel 1993. Non proprio una pellicola memorabile, ad essere onesti: molto neglio il dccumentario “Tina” della HBO, trasmesso in Italia da Sky.

“What’s Love Got To Do With It” racconta l’eterno contrasto tra cuore e ragione, analizza la paura, il rischio e l’inutilità di lasciarsi andare a quello che non può che essere un’emozione di seconda mano (“a second-hand emotion”); del resto chi può aver bisogno del cuore quando il cuore può essere spezzato (“who needs a heart when a heart can be broken”)? Felicità e stabilità emotiva sono concetti astratti, che non molto spesso ineriscono ai rapporti di coppia.

Tina Turner canta e affronta l’amore con la stessa grinta con la quale ha sempre affrontato la vita: giocando all’attacco, mai in difesa. Consapevole dei rischi e soprattutto del fatto che in amore capiti più di soffrire che non di essere felici: si cade e ci si fa male, spesso. Non sempre, ma spesso. Basta saperlo, rialzarsi e avere lo sguardo ed il cuore sempre protesi in avanti.  Come Tina Turner ci ha sempre insegnato e dimostrato.

Il video di “What’s Love Got To To With It”

Il testo di “What’s Love Got To Do With It”

You must understand, oh, the touch of your hand
Makes my pulse react
That it’s only the thrill of boy meetin’ girl
Opposites attract

It’s physical
Only logical
You must try to ignore that it means more than that
Oh

What’s love got to do, got to do with it?
What’s love but a second-hand emotion?
What’s love got to do, got to do with it?
Who needs a heart when a heart can be broken?

It may seem to you that I’m acting confused
When you’re close to me
If I tend to look dazed, I’ve read it someplace
I’ve got cause to be

There’s a name for it
There’s a phrase that fits
But whatever the reason, you do it for me
Oh

What’s love got to do, got to do with it?
What’s love but a second-hand emotion?
What’s love got to do, got to do with it?
Who needs a heart when a heart can be broken?
Ooh

I’ve been takin’ on a new direction
But I have to say
I’ve been thinking about my own protection
It scares me to feel this way
Oh

What’s love got to do, got to do with it?
What’s love but a second-hand emotion?
What’s love got to do, got to do with it?
Who needs a heart when a heart can be broken?

(What’s love?)
Got to do, got to do with it
What’s love but a sweet old-fashioned notion?
What’s love got to do, got to do with it?
Who needs a heart when a heart can be broken?

(What’s love got to do?)
Ooh, got to do with it
(What’s love but a second-hand emotion?)
What’s love got to do, got to do with it?
Who needs a heart when a heart can be broken?

(What’s love?)
Ooh, ooh
(Got to do with it)
Got to do with it
(What’s love?)
But a second-hand emotion

sito internet

www.tinaturnerofficial.com

Chi è Beyoncé: a 40 anni è consapevole che il meglio debba ancora venire

NOME: Beyoncé Giselle Knowles
LUOGO NASCITA: Houston, Texas, Stati Uniti
DATA NASCITA: 4 settembre 1981
SETTORE: Musica, Cinema, Imprenditoria  
NAZIONALITÀ: Statunitense
MILLENNIAL FACTOR: Onnipotenza

Cantautrice, ballerina, attrice e imprenditrice statunitense: la neo quarantenne Beyoncé è tutto questo e molto di più, un’autentica macchina da guerra, una predestinata che ha saputo amplificare il suo talento ai massimi livelli grazie a una mentalità e a una forza di volontà ancora superiori alle doti avute in dono da madre natura.

Un prototipo reso ancora più invincibile dal sodalizio – personale, artistico e professionale  – con il marito Shawn Corey Carter meglio noto come Jay-Z. Basti pensare alla loro recentissima campagna promozionale per Tiffany, nella quale hanno posato davanti ad un’opera di Basquiat.

La sua carriera è da Guiness dei Primati: vincitrice di 28 Grammy Awards, artista più premiata di sempre dagli Oscar della Musica, oltre 60 milioni di dischi venduti con le Destiny’s Child e circa 120 da solista, un patrimonio di svariate centinaia di milioni di dollari sia da solista sia in coppia con il marito. Tantissime le sue hit, brani come “Crazy In Love”, “Single Ladies” e “Spirit”, quest’ultimo singolo d’apertura della colonna sonora di “The Lion King: The Gift”, film nel quale Beyoncé ha prestato la voce a Nala.

Per tacere di tutte le sue iniziative imprenditoriali e di beneficienza, senza per tutto questo trascurare la famiglia: Blue Ivy (9 anni) e i gemelli Rumi e Sir Carter (4 anni) i figli avuti con Jay-Z, con il quale non sono mancati i momenti di crisi e la canonica terapia di coppia, nel loro caso specifico tradottasi in produzioni discografiche di altissimo livello.

Queen B: regina non per caso

Il punto di forza – tra i tanti – di Beyoncé? Fare la differenza sempre e comunque con i fatti, con il carisma, con la capacità di non fermarsi mai davanti a nessun ostacolo; saper dare il buon esempio in diverse battaglie per questioni serissime come la parità di genere e Black Live Matter, il cui messaggio rischia sempre più di perdersi nel frastuono dei social e di chi sposa queste sacrosante cause soltanto perché sono trend topic ed è chic sostenerle, magari sorseggiando un centrifugato o degustando un cocktail di gamberetti.

Beyoncé la si può conoscere più da vicino nella sua recente intervista per Harper’s Baazar e soprattutto nel documentario “HΘMΣCΘMING”, uscito nel 2019 su Netflix e basato sulla performance di Beyoncé al festival Coachella del 2018. Quest’ultimo è un capolavoro al quale tanti altri ne seguiranno, anche perché, come per ogni millennial che si rispetti, il meglio deve ancora venire.

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Crediti foto di copertina: Kwaku Alston per Disney Studios

Anche quest’anno, anche nell’anno più complicato della loro storia, i Grammy Awards hanno dato spettacolo ed hanno indicato una volta di più come si debba organizzare uno show televisivo dedicato alla musica.

Un’edizione giocoforza condizionata dalla pandemia e relativi impedimenti, per quanto negli Stati Uniti le vaccinazioni stiano procedendo in maniera serrata; è stato così possibile organizzare gli Oscar della musica con parte degli artisti in presenza, per quanto distanziati e con mascherine d’ordinanza.

I Grammy 2021: lo spettacolo e le donne protagoniste

La cerimonia – 63esima edizione, 83 le categorie in gara, 5 artisti per ogni categoria in nomination – si è svolta allo Staples Center di Los Angeles, divisa in due parti: la prima con l’enunciazione di gran parte dei vincitori, la seconda con lo spettacolo vero e proprio.

Una cerimonia che ha premiato soprattutto le donne, la millennial Beyoncé (classe 1981, nella foto d’apertura) su tutte: con i quattro premi di quest’anno, Queen B è diventato l’artista con più vittorie in assoluto nella storia dei Grammy. Ben 28, il record precedente apparteneva alla violinista Alison Krauss. Grandi soddisfazioni per altre regine mondiali della musica, quali Dua Lipa (best vocal pop album), Taylor Swift (miglior album dell’anno) e Billie Eilish (miglior disco dell’anno). Italia a petto in fuori grazie al Maestro Riccardo Muti e alla Chicago Symphony Orchestra, vincitori nella categoria Best Engineered Album, Classical.

Per Sanremo è una partita persa in partenza

Premiazioni che fotografano come sempre al meglio lo stato della music industry da una prospettiva statunitense e una cerimonia dove tutto è calcolato con perfezione scientifica, trasmessa in prime time dagli Stati Uniti dalla CBS e che per l’ennesima volta è stata ignorata dalle tv italiane. Peccato che né Sky né Rai 4 ci abbiano pensato.

Peccato perché c’è sempre e soltanto da imparare da spettacoli di questo tipo, come già avevamo suggerito in un nostro precedente articolo dedicato al Festival di Sanremo. Sia chiaro, nessuna persona sana di mente oserebbe paragonare i Grammy a Sanremo, ma perché non provare a prendere spunti per svecchiare il Festival della Canzone Italiana? Se a Los Angeles sono riusciti a concentrare 83 nomination in poco tempo, perché i 34 concorrenti di Sanremo devo essere spalmati su così tante ore?

I monologhi ai Grammy: pochi e di qualità

Perché non provare a concentrarsi esclusivamente sulla musica invece di proporre un polpettone indigesto dove tutti devono giocare a fare i simpatici? Anche i monologhi… basta farne uno che lasci il segno invece che far svolgere il compitino a troppe persone. Un esempio su tutti? Il discorso di Ricky Gervais lo scorso anno ai Golden Globes, un capolavoro assoluto di scorrettezza politica del quale ancor oggi tutto il mondo si ricorda.

Certo, se poi per i media italiani gli outfit e il look delle star sul red carpet dei Grammy fanno più notizia della cerimonia in sé, è forse il caso di rassegnarsi? Mai! Questo articolo è una vera chiamata alle armi per tutti i millennial, prima che le future generazioni prendano definitivamente possesso del panorama musicale, lobotomizzati dalla trap in salsa italiana, con i loro improbabili personaggi che giocano a fare i gangsta fuori tempo massimo. Nella East e nella West Coast i gangsta erano qualcosa di anche sin troppo serio e alla fine degli anni novanta erano già passati di moda. 

La Venezi che ha fatto infuriare i puristi del politicamente corretto, il solito Codacons, Fiorello sbiadito. Rimane il rock molto annacquato dei Maneskin. Memo: salvare Dardust.

E anche ‘sto Sanremo ce lo siamo levati dalle palle, parafrasando la celeberrima battuta di Riccardo Garrone nel film “Vacanze di Natale”, una delle pellicole che i millennial potrebbero quasi recitare a memoria dalla prima all’ultima battuta.

Come sempre il Festival della Canzone Italiana ha fatto più parlare di sé e ha fatto più rumore sui social per i suoi contenuti extra-musicali; la vittoria è andata ai Måneskin e al loro rock (saranno anche bravi, ma il rock è un’altra cosa, please), davanti all’accoppiata composta da Michielin e Fedez; terzo posto per Ermal Meta.

Il vero vincitore? Dardust, suoi cinque pezzi presenti tra i finalisti. Un po’ come Charlie Charles nelle precedenti edizioni. Una ventata fresca che prova a spazzare via la polvere sulla credenza sanremese.

Esaurita la fredda cronaca, che cosa resta di questo festival? Il contorno, il rumore di sottofondo, lo starnazzare su Facebook. Gli highlights?

Lo sdegno dei radical chic perché Beatrice Venezi ha preteso di farsi chiamare direttore, altro uppercut al mento di chi sostiene la cancel culture, dopo quello assestato da Mario Draghi nel suo primo discorso al Parlamento («Il Presidente Casellati. Sì. Il Presidente»).

La consueta esternazione del Codacons, questa volta contro Chiara Ferragni “colpevole” di aver invitato i suoi milioni di seguaci a votare il marito (un buon motivo per votare la canzone di Fedez il più possibile), le critiche per i discorsi pseudo-motivazionali della giornalista Barbara Palombelli (il suo vero peccato per il “comitato” di cui sopra? Lavorare per una tv di Berlusconi).

E di Zlatan Ibrahimovic, ingaggiato quando probabilmente nemmeno lui pensava di poter ancora giocare a calcio; poi è intervenuto un infortunio ad evitargli la sovrapposizione di partite e festival, probabile sia stato un contrattempo della stessa matrice che quasi ogni anno colpisce il brasiliano Neymar Jr in prossimità del Carnevale.

Tutto questo fa più notizia perché Sanremo è ormai una sorta di reality show, dove la musica è l’ultima cosa che conta. Per una sorta di ecumenismo più o meno opportuno, negli anni si è scelto di allungare la lista dei finalisti e di infarcire la scaletta con una sorta di contenuti extra, portando la conclusione di ogni serata ben oltre le due di notte.

La qualità degli interpreti è quella che è, in pochi supererebbero l’esame della frontiera, già a Chiasso o a Mentone gran parte dei partecipanti risulterebbero illustri sconosciuti. Se poi a tutto questo si aggiunge che l’accoppiata formata dal “bravo presentatore” (Amadeus) e dall’“incursore” (Fiorello) ha ripetuto stancamante uno schema logoro, ecco spiegato il calo degli ascolti e anche di quello che negli anni sessanta e settanta i pubblicitari chiamavano “indice di gradimento”.

Con le attenuanti generiche del caso: la mancanza di pubblico in teatro, l’assenza di veri super-ospiti stranieri e il fatto che il pubblico sia chiuso in casa da un anno e alla sera cerca ormai altro che la prima serata in tv. Sanremo andava comunque fatto, pare sia sempre e comunque in grado di garantire robusti introiti sia alla Rai che al Comune ospitante, quindi va bene così, facciamocelo andar bene così.

E adesso? Amadeus e Fiorello si sono già sfilati da una loro possibile edizione-ter, Fiorello in particolare con l’ennesima battuta fuori registro di una performance nel complesso anonima («Vi deve andare malissimo l’anno prossimo. Vi diamo tutto ma vi deve andare male, ve lo auguro con tutto il cuore» Davvero l’ha detto?).

Rai e discografici devono valutare che cosa fare: se mantenere un prodotto televisivo per un’audience da terza età o provare a riformarlo e a renderlo davvero appetibile per più fasce anagrafiche e di mercato. Soprattutto sfruttando quell’autentico gioiello che può davvero diventare Raiplay, sia per la sua inestimabile library sia per la possibilità di creare interazione con il suo pubblico.

Sanremo è a un bivio: deve scegliere se tornare ad essere una kermesse musicale o un minestrone di troppi ingredienti che troppo spesso si mischiano male.

Essere meno provinciale nelle sue scelte musicali, allo stesso tempo senza troppi slanci giovanilistici, per quelli ci sono già i talent, che a loro volta hanno già mostrato sin troppo la corda.

L’idea migliore di questi anni è forse la serata del giovedì, dedicata alla cover, su quella magari meglio insistere con guest stranieri di livello, che storicamente in più fasi hanno saputo risollevare il festival.

Se si pensa che sul palco del Teatro Ariston si sono succeduti Louis Armstrong e Peter Gabriel, qualche speranza per Sanremo c’è ancora, al netto dell’interesse di superstar e relativi management per una promozione discografica in un mercato periferico come quello italiano.

Nel frattempo si può sempre studiare ed imparare dai migliori: nella notte tra domenica 14 e lunedì 15 marzo si svolgono a Los Angeles i Grammy Awards, gli oscar della musica. Peccato che nessuna tv italiana li trasmetta.   

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