Quando una band decide di rimettersi in pista – le chiamano reunion – i commenti e le critiche si sprecano e oggi più che mai vediamo questo tipo di situazione con la ricomparsa sul mercato musicale dei Gazosa.

I 4 ragazzini terribili che invasero il nuovo millennio

Jessica Morlacchi, Vincenzo Siani, Valentina e Federico Paciotti diventano, quasi in fasce, band nel 1998 per poi esplodere, grazie al loro ingresso nella squadra di Caterina Caselli, nel 2000 che li vede protagonisti al festival di Sanremo, tra le nuove proposte; per poi consolidarsi successivamente con quel tormentone di “www.mi piaci tu” che diventò anche colonna sonora di un operatore telefonico e i suoi spot pubblicitari facendo presagire per questi ragazzini un futuro luminoso.

Ma nella vita esistono sempre i ma, ecco lo scioglimento della band stessa nel 2003 a causa anche di una grave forma di “agorafobia” di Jessica, bassista e frontgirl del gruppo, causata, pare, proprio dallo stress dovuto agli impegni massacranti a cui erano sottoposti questi giovanissimi artisti.

Il ritorno vent’anni dopo

Il tempo passa, i meno datati anagraficamente forse non hanno mai sentito parlare di loro, ma sicuramente i millennial hanno fatto un salto sulla sedia, quantomeno per la curiosità, quando si è sparsa la voce di un ritorno degli ormai ex bambini prodigio, oggi adulti. Anche per questo evento si sono anche avvalsi di nomi importanti, per produzione ed arrangiamento, come quelli di Celso e Paolo Valli. Gli stessi millennial all’uscita del singolo avranno avuto qualche perplessità perché, in primis, i Gazosa non sono al completo, manca Jessica, e soprattutto perché il mood che hanno presentato è molto vicino a un rock parecchio aggressivo che si discosta tantissimo dal progetto originale.

cover del singolo l’Italiano

Le shitstorm feroci in rete

Partendo dal presupposto che il testo de “L’italiano”, questo è il titolo del singolo, resta comunque molto leggero senza la pretesa di affrontare i massimi sistemi. E ancora che i fratelli Paciotti assieme a Vincenzo Siani con uno strumento in mano hanno il loro perché, possiamo tranquillamente affermare di trovarci di fronte a una canzone suonata con una parte di batteria molto importante, con parti chitarristiche tutt’altro che banali pur non essendo di fronte a nulla di enorme, dal punto di vista artistico, e, scusate se è poco, in un panorama musicale attuale dove tutto è sequenze elettroniche, sample quasi tutti uguali e via dicendo, poter trovare qualcuno che muove le dita su strumenti musicali veri non è cosa da sottovalutare. Ma nonostante questo ecco scatenarsi, così come è successo poi per i “Maneskin”, un vero uragano di critiche feroci nei confronti di questi artisti. E, troppe volte, ciò che si legge soprattutto sui social lascia davvero basiti per aggressività e quasi cattiveria dei commenti.

Le analisi dei critici o pseudo tali

Un altro aspetto che colpisce è come le critiche di cui sopra vadano a imperniarsi prevalentemente sulla qualità del video, definito tante volte brutto, senza leggere un’analisi reale sulla canzone vera e propria a dimostrazione di come oggi ascoltare sia diventato un qualcosa di decisamente secondario e ci perdonerete se, visto che parliamo di musica, questo fattore ci fa un po’ rabbrividire e dimostra come questo mondo, quello delle sette note, abbia preso ormai una deriva sempre più mordi e fuggi e, forse, bisognerebbe tornare anche un pochino indietro e prendersi il tempo di godere qualche minuto nell’ascolto di una canzone.

Alla fine va bene così

Sia chiaro, sicuramente il ritorno dei Gazosa non resterà negli annali per una reunion storica, ma in un panorama musicale italiano dove l’appiattimento la fa da padrone ben vengano tre ex ragazzini che imbracciano strumenti veri e che, magari, riusciranno nell’impresa di accendere la scintilla della voglia di suonare in chi li ascolta perché, abbiate fede, c’è sempre più bisogno di musica suonata per scaldare gli animi di tutti noi. E, se volete un consiglio, prendersi 3 minuti ogni tanto per ascoltare, magari in cuffia tenendo il mondo fuori, non può che farci bene!

Video: L’Italiano (I Gazosa)

Foto in copertina: profilo Instagram dei Gazosa

Il virtuale lo sta facendo alienare, tutti sembrano vivere davanti a uno schermo, e il suo bisogno di contatto reale sta diventando prorompente.

Intenso, potente e decisamente calato nella realtà dei giorni nostri. Cyberia ReEvolution segna il ritorno sulla scena degli Hotel Monroe che, per l’occasione, riprendono un pezzo dei loro esordi e lo ridisegnano in maniera magistrale per andare a colpire al cuore chi li ascolta.

Quando la musica è passione e amicizia allora niente può fermarti. Il drumming è incalzante e potente. Il pulsare della cassa viene ulteriormente arricchito dal rullante secco e definito con i giochi di tom, nelle strofe, che aprono in maniera splendida lo spettro sonoro.

Il basso pulsa preciso sul battere e dona ulteriore profondità al sound. I suoni di synth, in stile analogico, tinteggiano sonorità prog unitamente a un bel mix di elettronica che va ad incastonarsi perfettamente nel mood della canzone stessa.

Riff di chitarra, rigorosamente in distorsione con quel filino di acido che non guasta, graffiano l’assieme per poi iniziare una bella cavalcata in power chord sul finale. Roberto si dimostra ancora una volta cantante dall’estensione importante e con una facilità di canto davvero non usuale.

Da gustare a volumi importanti!

Cyberia ReEvolution, Hotel Monroe

La storia di Cyberia ReEvolution degli Hotel Monroe

Gli Hotel Monroe tornano con un tuffo nel loro passato per guardare al futuro con Cyberia ReEvolution. A 10 anni dalla sua prima scrittura, la nuova versione del brano Cyberia è, come l’originale, una riflessione sulla condizione umana: un viaggio attraverso una società governata da edonismo e finzione, in cui le dolci, illusorie concessioni della tecnologia e dei social network hanno stregato le persone portando a un congelamento delle relazioni umane. Una visione estremizzata della società attraverso suoni forti e sintetizzati, esaltati dalle sonorità elettroniche.

Cyberia ReEvolution è una rivisitazione di un loro pezzo del 2015 che è stata riarrangiata grazie alla produzione artistica di Roberto Drovandi e con una nuova intensità del testo che si cala perfettamente in questo momento così particolare per la quotidianità di ognuno di noi.

Il significato di Cyberia ReEvolution degli Hotel Monroe

«Dopo il primo lockdown – raccontano gli Hotel Monroe – siamo tornati in sala prove, vogliosi di suonare assieme, senza un preciso obiettivo, e ricominciare a fare musica senza troppi schemi e progetti pianificati. Non è stato facile. E non lo è tuttora visto che la pandemia è tutto fuori che superata, ma ci siamo messi d’impegno. E, poco dopo lo stop globale, a inizio 2020, abbiamo iniziato a costruire il nostro nuovo studio/sala prove in cui abbiamo trovato nuove energie per ricominciare a scrivere, registrare e sperimentare».

«Proprio in questa nuova fase – proseguono – è lentamente maturata in noi l’esigenza di fare un passo indietro e tornare alle origini, dove tutto ebbe inizio con l’entusiasmo e la spontaneità di chi non sa esattamente cosa sta facendo ma lo fa con il cuore in mano. In modo un po’ ignorante e maldestro ma essenzialmente genuino. Da questo tuffo nel passato abbiamo riassaporato con piacere l’energia di Cyberia. Un brano che, da quando è stato scritto, ci ha accompagnato in tutti i nostri live. Ci siamo resi conto di quanto teniamo a questa canzone e di quanto ci rappresenta ancora oggi».

Cyberia ReEvolution colpisce dritto al cuore di chi ascolta e mette a nudo ciò che oggi è diventata la nostra giornata tipo. In buona sostanza, lancia un grido d’allarme che è anche un invito a non farsi prendere la mano da tutto questo “virtuale” che sembra esser diventato il mondo di oggi.

Leggi la storia di Cyberia ReEvolution degli Hotel Monroe

Lui passeggia per la stanza, la pressione della sua relazione lo sta stritolando, ma al contempo sa che senza non potrà mai stare. Ci sono giorni dove vorrebbe smettere poi quando sta con lei capisce che non sarebbe vita!

Intenso, potente ed evocativo. Se sono amori, singolo estratto dall’album di Alberto Bertoli, Stelle, tocca vette altissime. Che dire? Il detto “Buon sangue non mente” non fu mai più azzeccato.

Una linea ritmica di grande importanza rappresenta il cuore della canzone dove il drumming, potente e ricercato, regala momenti incalzanti alternati a stacchi intrigantissimi grazie alla presenza dei tom alternati a ghost davvero coinvolgenti.

Il basso, letteralmente al servizio dell’arrangiamento, da forza all’assieme restando pulsante e preciso sul battere non disdegnando frasi molto raffinate. Le parti di chitarra elettrica riempiono l’assieme grazie a riff quasi evocativi, alternati a pennate pulite, nelle strofe mentre nei ritornelli il graffio della distorsione tinteggia di energia tutto il brano.

Tappeti d’archi spruzzati qua e là colorano l’arrangiamento mentre Alberto regala una performance di livello assoluto che tocca vette notevolissime come sul finale dove il salto di mezzo tono a salire lo fa volare lassù dove “osano le aquile”. Da gustare a volumi imponenti e, magari, cantando a squarciagola.

La storia di Se sono amori di Alberto Bertioli

Se sono amori è una canzone che si distingue nel cd Stelle di Alberto Bertoli fin dal titolo che pone quasi una domanda all’ascoltatore staccandosi nettamente dal testo. Il brano è una sinergia di forze creative che si è unita per dare voce a qualcosa di volutamente fuori dal tempo dove l’amore è visto prima come idea intangibile, poi personificato diventa quasi un tormento, e alla fine arriva a essere parte di noi dopo avere graffiato la nostra anima.

La canzone idealmente potrebbe dividersi in tre movimenti che identificano anche 3 età differenti e vedono questa ambivalenza dell’Amore dove da una parte è passione e dall’altra tormento. Un Amore mai sazio che come una malattia cronica non ci abbandona mai ma che è anche il motore dei nostri istinti primordiali, che porta l’uomo ad arrivare all’estremo delle sue emozioni e pulsioni.

Leggi la storia di Alberto Bertoli

Stanno chiacchierando sotto il gazebo dello stabilimento balneare dove lui da ragazzino veniva con gli amici. Un mare di ricordi lo pervade e le racconta di come viveva quegli anni spensierati che ormai non possono più tornare.

Coloratissimo, carico di energia con uno sguardo alle sonorità pop/dance anni ’80!
Estate Spaziale è il nuovo singolo di Francesco Dal Poz che apre anche la strada al suo nuovo disco, “Zero”, dove il colore dei suoni sintetici ed un groove che strizza l’occhio alla musica dance degli anni ’80 fanno inevitabilmente alzare il volume.

Ripercorrere i propri ricordi diventa inevitabile quando si ascoltano canzoni come questa. Un bel bit, composto da una bella linea ritmica molto pompata, detta il timing alla canzone con il rinforzo del basso synth che regala una bella profondità al pezzo.

Un’apoteosi di sintetizzatori, tappeti d’archi e suoni di tastiere varie, colora nitidamente l’arrangiamento con la performance canora di Francesco che ci riporta alle estati di un periodo storico, gli ’80’s, che per molti può significare spensieratezza, i primi baci e l’emozione di arrivare sulla spiaggia per un tipo di divertimento che oggi sembra così lontano. Da gustare a volumi importanti!

La storia di Estate Spaziale di Francesco Dal Poz

Da venerdì 17 settembre è disponibile in digital download e sulle piattaforme streaming “Zero” (Be NEXT Music / Sony Music Italy), il nuovo disco del cantautore Francesco dal Poz. Dallo stesso giorno è disponibile in radio il singolo “Estate spaziale”

L’album “Zero” rappresenta una sorta di ripartenza, appunto, da zero per il cantautore veneto. I 12 brani contenuti nell’album vedono la stretta collaborazione con Roberto Visentin, produttore artistico, e con tre ospiti: Reinaldo Anastacio, cantautore e compositore brasiliano presente in “Rio”; Riccardo Rossi, batterista dei The Sun in “Adesso è qui” e Luca Donazzan, bassista dei Lost che ha eseguito una parte in “Tisana”.

Il singolo “Estate spaziale” terzo estratto dal disco e disponibile in radio sempre dal 17 settembre come racconta Francesco Dal Poz prende spunto dalla gioventù del cantautore: «I ricordi dell’adolescenza restano tra i più significativi. Oggi sono cresciuto e guardo quei momenti come qualcosa di sempre più lontano. È in questo brano che ho voluto raccontarli con la dovuta nostalgia, tenendo comunque bene a mente che sebbene i ricordi siano importanti, l’adesso è tutto quello che ho».

Il disco “Zero” è accompagnato anche da un Podcast disponibile qui:

Nel 2021, mentre l’uscita di “Zero” veniva procrastinata a causa della situazione generale, è nata l’idea del Pozcast, un podcast legato all’album. In questo periodo forzato di fermo e di chiusura, Francesco Dal Poz ha sentito la necessità di approfondire i temi presenti nelle 12 canzoni del disco e ha pensato di invitare degli ospiti, degli esperti e degli amici per fare una chiacchierata davanti ad un microfono e una telecamera. Sono nate così le 12 puntate del podcast con i 12 temi delle 12 canzoni dell’album “Zero”.

Tracklist

1. Tisana
2. Cerco casa
3. Pancake
4. Vivere d’istanti
5. Banale
6. Un sorriso alla volta
7. Rio
8. Novantanove
9. Estate spaziale
10. Adesso è qui
11. Bonsai
12. Non ho più nulla

Leggi la storia di Francesco Dal Poz

Video: Francesco Dal Poz, Estate Spaziale

L’ennesima vibrazione del suo smart la tormenta, un altro suo messaggio Whatsapp la martella, ma lei non ne può più, vuole il contatto delle mani, vuole vedere il suo sorriso, vuole il calore reale di un rapporto senza barriere virtuali a separarli.

Intenso, carico di emotività e con un’energia vera come caratteristica principale. A schermo spento, di Daniela Vicale, racconta una voglia di rapporti veri e tangibili con la bella musica a fare da cornice a concetti più che attuali. Bella voce, arrangiamenti sopraffini per trattare argomenti quanto mai reali.

Una splendida linea di batteria caratterizzata da un drumming ricercatissimo che gioca con controtempi, uso dei tom e spruzzi ghost davvero intriganti, viene sostenuta da una linea di basso mai banale ancorché sempre al servizio del pezzo con l’impreziosimento legato all’uso degli archi proprio in relazione alla ritmica stessa.

Un groove di chitarra acustica stoppata e apertissima sul left e sul right apre deliziosamente il suono pur restando quasi in secondo piano. Il pianoforte rappresenta la piccola giocata di classe a tinteggiare l’arrangiamento donandogli quello spruzzo di classico che va a incastonarsi perfettamente nel mood.

La seconda parte della canzone vede anche l’entrata in scena di riff di chitarra elettrica la quale, sempre senza mai diventare invadente, carica ulteriormente l’assieme di energia vera completando una produzione di livello assoluto.

Letteralmente spettacolare la performance di Daniela che si dimostra artista dalla facilità di canto impressionante e con un’estensione davvero importante. Da gustare con cuffie di qualità a volumi importanti.

La storia di A schermo spento di Daniela Vicale

«I social sono entrati prepotentemente nelle nostre vite riempiendole di tutto ciò che è apparenza, esteriorità, illusione e, a volte, spesso, inganno… Sottraendo adesse le meravigliose sfumature del reale e delle sue emozioni». Le parole della cantautrice Daniela Vicale sul suo brano A schermo spento.: una delicata ballad che sottolinea l’urgenza dell’allontanarsi dal mondo, sempre più asfissiante, dei social, per potersi riappropriare di quelli che sono i veri rapporti sociali, fatti di sguardi, di confronto vis a vis, di condivisione reale.

«Il brano è un invito a sottrarsi a questa forma di dipendenza dal virtuale, e per dipendenza intendo un utilizzo ossessivo della rete che va oltre il normale impiego di internet per situazioni lavorative, e non, che oramai non prescindono da esso. Credo che abbiamo tutti bisogno di riappropriarci di una vita che, nonostante tutto, conserva ancora colori, sapori, emozioni, che nessuna app potrà mai sostituire».

Scritta da Daniela Vicale su testo di Monia Ridolfi, A schermo spento sugella la collaborazione, avviata già da anni, che la cantautrice ha stabilito con l’arrangiatore Alessandro Galdieri, che si è occupato di tutte le fasi di produzione del brano.

«A schermo spento – spiega Daniela – è un grido accorato, nel voler a tutti i costi riprendere in mano la propria vita, quella vera, fatta di sguardi, contatti, confronti reali». Non a caso il brano inizia con i versi “Rivoglio indietro il mondo e il suo rumore, l’uso dei sensi, il cielo, lo stupore, il rumore inteso come il sentire la presenza delle persone nel vero senso del termine, lo stupirsi davanti al cielo terso o a un tramonto mozzafiato, non dietro una fotocamera del cellulare, guardarsi e perdersi negli occhi della persona amata”.

Come i precedenti video di Daniela Vicale, anche quello di A schermo spento è stato realizzato da CRE△TI▽E, marchio emergente di produzioni video di Alessandro Galdieri e Valentina Schiavo.

Leggi la storia di Daniela Vicale

Daniela Vicale, A schermo spento: video

Musica.

Nel mondo di quella italiana se di cognome fai Bertoli non puoi passare certamente inosservato e Alberto Bertoli, figlio di quel gigante del nostro cantautorato che era Pierangelo Bertoli, ricalca le orme del padre e con la sua musica tocca sempre argomenti di grande impatto grazie anche a un’energia e una capacità di scrittura davvero d’altri tempi.

Il 25 aprile scorso è uscito un nuovo singolo, Pane al pane attraverso il quale il cantautore sassuolese tocca argomenti decisamente attuali che non sono passati inosservati. Siamo andati a fare una chiacchierata con lui e abbiamo conosciuto un personaggio di una schiettezza unica con il quale davvero non ci si stanca mai di confrontarsi.

Alberto, la questione pandemica sembra darci un po’ di tregua e le possibilità di rivedere musica live possono un po’ sbloccarsi, qualche tuo collega, tipo Nek sostiene che si dovranno rivedere pretese e quant’altro, soprattutto per i nomi più importanti, cosa ne pensi?

Beh, direi che Filippo ha pienamente ragione e mi trova d’accordo. Quest’ultimo anno e mezzo ha letteralmente stravolto tutto il mondo, e il nostro più degli altri, quindi se si vuole riiniziare un percorso verso il ritorno alla socialità, anche dal punto di vista artistico, bisognerà rivedere la propria forma mentis ed il proprio ego.

A proposito di socialità, tu sei anche logopedista, a livello professionale, cosa ti sei trovato ad affrontare nel tuo lavoro con questa emergenza sanitaria?

Guarda, la situazione è davvero preoccupante, sai?

In che senso? Ci puoi fare qualche esempio?

Ovviamente la mia utenza è legata a bambini in età scolare e se tieni conto di come viaggi il tempo a quest’età puoi immaginare che, per scoperte, per energia e tanto altro, un anno vissuto da un bambino, che ne so, di dieci anni può esser paragonato ad almeno 5 anni di un adulto. Quindi prova a immaginare che buco emotivo può essersi creato in questo periodo e questa falla non si chiuderà quando tutto sarà rientrato, ma si ripercuoterà nelle generazioni future che faranno capo a questi bambini. Insomma, un casino esagerato, credimi.

Questa tua realtà professionale ti ha messo, quindi, di fronte alle criticità legate all’emergenza covid dal punto di vista sociale e umano unitamente, poi, a tutto ciò che riguarda l’ambito artistico dove sicuramente anche tu stai soffrendo parecchio.

Beh, non scopro di certo io che tutto il settore è alla canna del gas, se vogliamo usare un eufemismo. Pensa che io, per quanto riguarda il Sud Italia, avevo otto collaboratori coi quali mi rapportavo per organizzare i miei eventi e due di loro hanno dovuto lasciare per trovarsi un altro lavoro perché, bada bene, non riuscivano più nemmeno a fare la spesa. Ci rendiamo conto? Esistono realtà delle quali si parla davvero poco, ma ci sono drammi familiari reali perché proprio l’ambito artistico, quello musicale nello specifico, stanno vivendo veri e propri drammi e sentirne parlare così sui media non rende l’idea, credimi.

In tutto questo ginepraio, quindi, hai deciso di uscire con un nuovo singolo, Pane al pane per l’appunto, dove vai a toccare corde molto sensibili e argomenti molto scottanti, ci racconti qualcosa di questa canzone che lascia intuire come non sia solo un singolo, ma il bisogno di sfogarsi e di dire la tua?

È esattamente così. Il tutto nasce attorno al mese di gennaio, quando ci sono state quelle finestre dove un pochino eravamo riaperti, io e la mia compagna abbiamo invitato a casa un paio di amici dei quali uno sappiamo esser negazionista. Di solito, conoscendoci reciprocamente, evitiamo l’argomento, ma quella volta le cose sono andate diversamente e lui ha preso, diciamo così, una buccia di banana nei confronti della nonna della mia signora che era deceduta a causa del virus poco tempo prima.

Ahia! Quindi si è scatenato l’inferno?

Fortunatamente no, la mia compagna ha mantenuto il controllo e con grande signorilità ha gestito la cosa con grande equilibrio, ma a me sinceramente, un po’ il sangue ha iniziato a ribollire. Proprio questo evento ha dato il via alla nascita di Pane al pane. Il giorno dopo mi sono ritrovato con un’idea di canzone nella testa, stavo cercando di iniziare a scrivere un nuovo album, poi il caso ha voluto che Marco Baroni mi inviasse un demo. L’idea mi piacque, ho cambiato il testo, un po’ la musica ed ecco qui. Però poi, come spesso accade, la cosa è finita in un cassetto.

Però poi qualcosa è successo vero?

Ovviamente sì – sogghigna ndr – succede che faccio il vaccino anticovid e posto la foto sui miei social e, bada bene, non l’ho fatto per un mio tornaconto, bensì perché credo che personaggi con una certa visibilità debbano contribuire a sensibilizzare proprio per il ruolo che hanno. Non ti dico lo tzunami di insulti che ho ricevuto con riferimenti, per altro, veramente poco simpatici verso mio padre che, secondo questi signori, avrebbe dovuto rivoltarsi nella tomba. A questi signori faccio notare che mio padre ha passato la sua vita su una sedia a rotelle perché non c’era, ai tempi, il vaccino antipolio, ma vabbè, stendiamo un velo pietoso. Proprio in questo periodo, vedi le coincidenze, un imprenditore delle mie parti, Alessandro Simonazzi, mi contattò per chiedermi se avevo qualcosa per una compilation dove si voleva parlare di questa situazione.

Quindi cosa è successo?

Io ho detto che un pezzo nuovo lo avevo, ma che parlava di vaccini… Alessandro ha voluto sentirlo lo stesso, se ne è innamorato e quindi Pane al pane finirà in questa compilation che si chiamerà Collettivo Mario rossi. All’interno della quale saranno presenti anche altri artisti come Andrea Mingardi, Danilo Sacco, Luca Anceschi e tanti altri.

Il tuo pezzo sta andando benone vero?

Sì. Debbo dire che sono contento di come sta piacendo anche se, ovviamente, anche qui gli insulti non sono mancati, visto il tema.

Con Pane al pane hai detto la tua su no-vax e negazionismo quindi è un po’ successo ciò che ci hai raccontato in precedenza con quel post dopo aver fatto il vaccino?

Oh sì – ride ndr – anche se all’inizio, con stupore, avevo visto poco poi Stefano Bonacini ha condiviso il mio video sui suoi canali social e apriti cielo. L’ondata di odio e disagio si è scatenata anche se, debbo dirlo, alla fine ti ritrovi sempre gli stessi commenti copiati e incollati. Non capisco proprio questo modo di fare, ma tant’è, personalmente ho le mie idee, che peraltro tutti conoscono, e non saranno certo due o tre invasati a fermarmi. Perché, lo ripeto, questo è il mio modo di fare musica e se si conosce il percorso artistico di mio padre, colui che mi ha veramente insegnato il mestiere, non si può pensare che io agisca diversamente.

E cosa significa per Alberto portare un cognome così importante?

Per me è motivo di grande orgoglio, anche se in certi momenti è sicuramente impegnativo, ma, mi ripeto, questo lavoro, questa attività, mi è stata insegnata da un genitore che prima di tutto metteva la persona davanti a tutto e, nel mio piccolo, credo di ricalcare il suo modo di fare.

Come abbiamo accennato all’inizio di questa chiacchierata, sembra che la tenaglia pandemica stia allentando la sua morsa, tra stagionalità e crescita delle persone vaccinate, riusciremo a vederti di nuovo live su un palco?

Bah, premetto che il mio ambito è la piazza, di certo non gli stadi, e credo/spero che riusciremo di nuovo a calcare i palchi e se le cose procederanno al meglio. Diciamo che si inizia a poter tentare di programmare qualcosa. Speriamo davvero di ripartire perché di energia da consumare ce ne è davvero tanta.

Video: Pane al pane di Alberto Bertoli

La gente parla attorno a lui, frasi di circostanza, ma prevalentemente vuote, ha bisogno di semplicità e di pochi fronzoli perché questa è la vita e la gente che vuole.

Coloratissimo, con un groove incalzante e carico di contenuti importanti. Pollicino & cappellino è il nuovo singolo di un’icona della musica italiana, Andrea Innesto. E con questa canzone si mette in gioco sia come cantante che come songwriter e, direi, l’esperimento è riuscito alla grandissima. Se ti chiami Cucchia c’è poco da dire se non che la classe non è acqua.

Un set percussivo incalzante e coinvolgente caratterizza praticamente tutta la canzone per risolvere, nei ritornelli, in una linea ritmica più lineare, mentre un assieme di suoni di synth, tastiere e hammond creano il giusto supporto a tutta la canzone. Qualche spruzzo di sezione fiati colora l’arrangiamento e le incursioni degli archi drappeggiano eleganza attorno alla canzone.

Impressiona la performance canora di Andrea che si dimostra perfettamente a proprio agio anche in questa veste alternando momenti accattivanti ad altri più impegnativi dimostrando a chi ascolta di essere artista a tutto tondo. Da gustare con un buon drink a portata di mano!

La storia di Pollicino & Cappellino di Andrea Innesto

Nuova veste e luce per Andrea Innesto in qualità di cantante. Il brano Pollicino & Cappellino è scritto, composto, arrangiato, suonato e prodotto dal medesimo.

Tutto nasce dall’esigenza di comunicare in maniera leggera utilizzando la forza della musica in connubio con il linguaggio verbale, definito in parola.

Essendo nati in Italia abbiamo nel DNA del nostro linguaggio verbale l’influenza e la radice che deriva dal meraviglioso e arcaico linguaggio latino. Una materia didattica che una volta veniva insegnata già dalle scuole elementari. Il latino permette di scomporre ed analizzare qualsiasi termine o sinonimo, dando fluidità alla fantasia e spazio allo sviluppo e alla ricerca dell’origine del pensiero.

Per farvi un esempio prendiamo la parola equilibrio che deriva dal latino. Aequilibrium trasformandolo in italiano diventa equilibrio. Si può notare facilmente che all’interno dell’origine, si possono trovare vari sinonimi, come libra ovvero bilancia, in riferimento al contrappeso.

Ma in maniera fantasiosa interpretabile in tanti modi, mi vien da pensare al modo di essere equo, in armonia, il librare dell’anima soppesando il concetto di io, l’equità dell’io, essere bilanciati ed armonici, adesso nel famoso attimo fuggente. Si perché l’equilibrio cambia costantemente come d’altronde la realtà.

«La natura è per me la vera fonte di ispirazione in tutte le sue forme. Mutante, sovrastante ed avvolgente. Basta osservare. Lei fa pensare», dice Andrea Innesto.

Tornando al nostro racconto o meglio al testo musicale, l’autore ha preso ispirazione dalla favola di Pollicino e ha preso anche ispirazione dalla leggendaria battaglia di Davide e del gigante Golia.

Il significato di Pollicino & Cappellino di Andrea Innesto

Il personaggio di Cappellino è di pura invenzione e scelto semplicemente per un puro sillogismo di rima e di suono. Il personaggio Cappellino rappresenta il monello, quello che fa i dispetti, l’invidioso per eccellenza, la parte scura di ognuno di noi che va sempre tenuta a bada e sotto controllo per non incorrere nella parte malvagia.

Nelle prime righe del testo Cappellino segue Pollicino per vedere dove va. Successivamente gli ruba i sassi bianchi affinché Pollicino si smarrisca nella via del ritorno o nella via per la meta. Ma Pollicino, oltre ad avere una memoria fotografica è saggio, ed è guidato da un magico uccellino, che gli sorvola vicino durante il cammino, non curandosi più di quello strano e losco individuo.

Sintesi: l’uccellino è in gioco forma l’essenza di Gesù Bambino.

Leggi la storia di Andrea Innesto

L’energia che ha dentro la spinge sempre oltre, la voglia di esser sé stessa le dona forza e sensualità. Un angelo custode l’accompagna ogni giorno, un angelo chiamato volersi bene.

Intenso, sensuale e carico di soul. Con Angel, singolo di Vanessa Jay Mulder, ci troviamo ancora una volta di fronte a un vero capolavoro fatto di sensazioni molto intime, sonorità pazzesche ed emozioni uniche. Quando ci si trova di fronte ad una fuoriclasse ci si inchina e si gode.

Un bel drumm and bass va a costituire la spina dorsale del pezzo grazie ad una cassa rotonda e profonda, un rullante morbido e ben definito, riff delicati che lanciano i ritornelli con il charlie in 4 ad arricchire il tutto e questo mentre i fraseggi di basso disegnano arabeschi di grande eleganza.

Spruzzi di chitarra elettrica, rigorosamente in levare e tappeti di tastiere colorano meravigliosamente il mood mentre un gioco tra un Rhodes ed un piano classico creano atmosfere cristalline arricchendo, per altro, tutta la sezione ritmica.

Sempre fantastica la performance di Vanessa, ma d’altronde ci troviamo di fronte ad un’artista di caratura internazionale con tanto di quel talento da togliere il fiato. Da gustare ad occhi chiusi con cuffie od impianto di qualità.

La storia di Angel di Vanessa Jay Mulder

Ognuno di noi ha sognato di avere un angelo custode.
Chi dice che il sogno non possa combaciare con la realtà?
E se esistesse veramente?

Angel è un brano autobiografico che racconta l’artista e la sua autenticità senza veli nei confronti del pubblico. In un momento buio della sua vita Vanessa ha fatto un incontro speciale. Un angelo, un vero angelo, ha bussato alla sua porta, è apparso nella sua vita infondendo in lei emozioni come forza, sicurezza e fiducia: le ha permesso di guardarsi con altri occhi e scoprire una luce che era da sempre in lei ma che fino a quel momento non era stata in grado di riconoscere. Del resto, qual è il miglior angelo custode se non la fiducia in noi stessi?

Il brano è anche un videoclip, realizzato da Alessandro Carrieri è una allegoria moderna di urban life, in cui lo stile e l’eleganza di Vanessa svettano in maniera esemplare.
E c’è una nota finale romantica, da cui si evince che l’angelo può anche essere incarnato fisicamente da una persona reale, tangibile. Che sia esso il riflesso nello specchio, o persona altra, sta a noi trovarlo e riconoscerlo.

Leggi la storia di Vanessa  Jay Mulder

Apparentemente ha tutto, si guarda attorno nella sua bella casa, ma la solitudine si fa largo nel suo cuore… Ciò che conta non è quello che ha, ma con chi lo condivide.

Tosto, intenso e carico di significati. Ho tutto tranne te è il brano di una Rosmy che nemmeno il lockdown è riuscito a fermare e che, anzi, proprio da questo momento così duro per tutti ha trovato ispirazione per un pezzo davvero interessante.

Quando si ha qualcosa da dire le idee vengono sempre fuori. Il cuore pulsante del pezzo gira attorno a un drumming molto rotondo, con cassa molto presente e rullante un po’ effettato con fill essenziali a lanciare i ritornelli, e un giro di basso al servizio del pezzo che dona profondità all’arrangiamento.

Spruzzi di pianoforte, tappeti di tastiere e una chitarra elettrica, tenuta sapientemente in sottofondo, colorano splendidamente l’assieme regalando un mix di elettronica e di energia davvero azzeccati mentre il centro di tutto risulta, giustamente, la voce di una Rosmy sempre potente ed eclettica nelle sue performance e che, ancora una volta, ci fa vedere cosa significa aver qualcosa da raccontare.

Da gustare a volumi importanti!

La storia di “Ho tutto tranne te” di Rosmy

Scritto da Rosmy e prodotto da Cristian Milani e Michele Clivati, “Ho tutto tranne te” è un brano dalle sonorità pop rock con un arrangiamento caratterizzato da suoni elettronici. In un periodo di distanziamento fisico imposto dalle circostanze, Rosmy invita a non perdere mai di vista l’altro e mostrare supporto e vicinanza nei confronti di tutti, soprattutto dei più deboli.

«Potrai avere salute, soldi, o una bella casa ma non sarà mai abbastanza, se ti trovi a dover rinunciare ai valori della vita. La canzone – racconta Rosmy – è nata di getto, durante il lockdown, quello strano tempo sospeso, che ormai ci fa riflettere alla luce di una serie di notizie e immagini impresse nella memoria di tutti. In nome della prudenza, in questi giorni anomali, potrebbe sembrare giusto e normale, non soccorrere qualcuno che chiede aiuto, ma il distanziamento non può giustificare, diventando un alibi, quei valori che da sempre, hanno reso un essere umano tale. Solidarietà, amore, rispetto non possono essere dimenticati».

Il video di “Ho tutto tranne te”, dal forte messaggio sociale, vuole valorizzare lo straordinario impegno dei City Angels, associazione di volontariato nata a Milano nel 1994. Girato da Beppe Gallo il video mostra, inizialmente, una Milano vuota e desolata che tuttavia si rivela piena di gesti solidali. Protagonista del videoclip, infatti, è un senzatetto che trova aiuto e conforto nei volontari dell’associazione.

Le immagini sono state realizzate grazie alla Regione Lombardia e al sostegno di Ur U.I.L. Milano e Lombardia, sempre attenta ai lavoratori. Le immagini del video legate ai City Angels sono state inserite per gentile concessione di Robert Bosch S.p.A. e Don’t Movie Srl.

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Sognare a occhi aperti è una cosa che le capita spesso, ha tante idee per la testa e un cassetto pieno di progetti che non vuole lasciare chiuso.

Sensuale quanto basta, groovy al punto giusto e carico di sottintesi: Kill me è il singolo d’esordio per Lialai, all’anagrafe Caterina Lalli, che, con grande coraggio e forza nel suo esser artista, coinvolge nel videoclip del singolo un personaggio che non ha bisogno di presentazioni, Rocco Siffredi.

Il coraggio di credere nei propri sogni porta sempre a risultati tangibili e se hai anche un’anima soul ecco qui servito il singolone. Un bit profondo e pulsante viene arricchito da un basso synt in stile “walking bass” con spruzzi di tastiere che colorano leggermente il mood.

Riff di chitarra elettrica, con una distorsione lievemente acida, graffiano l’arrangiamento donandogli quell’energia che non guasta mai e creando le giuste fondamenta per la performance canora di Lialai che si fa conoscere per la sensualità e il calore della sua voce unita a una bella capacità espressiva. Da gustare in buona compagnia.

Rocco Siffredi e il video “Kill me” di Lialai, la storia

Tentare non nuoce. È stato così per Caterina Lalli, giovane artista che il giorno 26 febbraio 2021 ha lanciato ufficialmente il suo singolo: Kill Me.

In arte Lialai, qualche mese fa ha contattato con un messaggio privato su Instagram l’attore pornografico Rocco Siffredi, chiedendogli di realizzare il suo più grande sogno: averlo come protagonista nel suo videoclip. La risposta non è tardata ad arrivare e lui, uno degli uomini più desiderati del pianeta, ha deciso di aderire a questa inaspettata richiesta.

Rocco sul set del video, girato dal regista romagnolo Samuele Sbrighi, rappresenta un rapinatore, che insieme alla giovane Lialai mette a segno un colpo in banca indossando la maschera dell’ex presidente degli Stati Uniti, Donald Trump. Un gioco che si trasforma in una trappola per il rapinatore, il quale a seguito del colpo viene sedotto e poi abbandonato.

Caterina ha creato il personaggio di Lialai come trasposizione di una parte di se stessa che esiste, o forse vorrebbe esistere. Del resto, questo era il nome che i suoi genitori avevano inizialmente pensato di darle.

Kill Me, il brano di esordio di Lialai

Spiega l’artista a proposito del suo nuovo inedito: «Non riesco ancora a credere a quello che è accaduto. Sono da sempre una fan di Rocco. Ho provato per gioco a contattarlo su Instagram senza nessuna aspettativa, ma la sua risposta non è tardata ad arrivare. Interagire con lui sul set è stato molto semplice, è una persona estremamente sensibile, sa come metterti a tuo agio, ti dà carica e sicurezza. Mi piacerebbe essere un esempio per tutti i giovani: credete nei vostri sogni e fate di tutto per realizzarli».

Nel videoclip ufficiale Lialai si cala nei panni di una rapinatrice di soldi e di cuori, il suo vero unico amore è solo il denaro e la ricchezza a tal punto da rinunciare anche a una notte con Rocco Siffredi.

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Ha chiuso l’ennesima videochiamata con lei, ormai tutto ha preso una piega quasi surreale ed il contatto tra i loro corpi gli manca da morire.

Attuale più che mai, ironico ed irridente quanto basta. “Virtuale” segna il ritorno sulla scena musicale italiana di Nicolò Carnesi e ci ripropone uno dei cantautori più originali e prolifici della scena musicale italiana a dimostrazione di come la canzone d’autore sia tutt’altro che scomparsa. Saper usare le parole inserendole in prodotti musicali di qualità porta sempre a risultati d’eccellenza.

Il pezzo si snoda attorno ad un bel drumming dove la rotondità della cassa, la definizione del rullante e fill sempre azzeccati rendono molto coinvolgente l’incedere del pezzo grazie anche a un giro di basso molto elegante e sempre preciso sul battere.

Il pianoforte rotola con grande efficacia lungo tutta la durata del pezzo con sonorità quasi “honky tonk”. E colora a tinte vividissime l’assieme con spruzzi di tastiere e synth a tinteggiare arabeschi molto intriganti.

La chitarra acustica è molto aperta sul left e sul right. Mentre, sul finale, ecco un assolo di elettrica molto gustoso con una distorsione che ricorda le sonorità dei Commodore in “Easy like a sunday morning” che apre una parentesi quasi rockeggiante che non ti aspetti.

Nicolò si rivela ancora una volta autore di razza e perfettamente dentro al pezzo. A dimostrazione di come le belle canzoni esistano ancora e che è sufficiente andarle a cercare nei posti giusti. Da gustare con cuffie di qualità.

La storia di Virtuale di Nicolò Carnesi

È uscito il 26 febbraio. Tra le penne più ispirate della nuova scena cantautorale, Carnesi consegna ancora una volta un brano che fotografa la realtà attuale, le sue contraddizioni e i suoi perché, giocando proprio con la paradossalità del nostro presente.

La canzone, infatti, è stata anticipata lo scorso 23 febbraio dall’originale pubblicazione – qui – di un videogame che consentiva di ascoltare in anteprima il singolo esclusivamente attraverso il completamento del gioco ispirato al brano. Un’operazione inusuale che ha confermato l’originalità di questo artista.

“Virtuale” fa da apripista al prossimo lavoro di inediti dell’artista siciliano, che segue il precedente album “Ho bisogno di dirti domani” (2019), un disco che ha confermato Carnesi come uno degli autori più brillanti della propria generazione, grazie al suo talento compositivo e stilistico ormai riconoscibile.

«“Virtuale” – ha spiegato Nicolò – rappresenta una personale chiave di lettura del periodo di pandemia, quando la clausura forzata ci ha avulsi dalla realtà, rendendoci sempre più dipendenti dalle esperienze a distanza, virtuali per l’appunto. Considero la canzone uno sfogo, un modo per esorcizzare la nuova routine dei concerti in streaming, delle fake news, del cibo da asporto e dei continui numeri senza volto».

«Il nostro centro di gravità è diventato astratto, destabilizzato e periferico.
Così – racconta l’autore – il videogame in anteprima al brano, si propone come paradigma ironico di tutto questo, esaspera il concetto e lo rende ancor più chiaro, il mio alter ego virtuale prende vita in una sorta di paradosso tra le parti».

«La musica sta tra i due mondi, fa da collante: oggi suono sul palco di un videogame, sullo schermo di uno smartphone, ma – conclude – con la speranza di tornare presto sui palchi veri, abbandonando finzione e distanza».

CREDITS

• Scritto da: Nicolò Carnesi
• Prodotto da: Nicolò Carnesi e Donato di Trapani
• Registrazioni e mix: Francesco Vitaliti
• Voce e Chitarra: Nicolò Carnesi
• Pianoforte e Synth: Donato DI Trapani
• Basso: Carmelo Drago
• Batteria: Roberto Calabrese
• Registrato presso: Indigo
• Registrazioni addizionali: Cantieri 51
• Masterizzato: Analogcut Mastering

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Lei sta bevendo un drink in spiaggia, la brezza del tramonto le accarezza i capelli, ma la sua mente vola a quei momenti che ora non ci sono più, a quell’amore perduto che tanto le manca oggi.

Intenso, carico di calore latino e sensuale più che mai. “Mi perdido amor”, il singolo di un Andrea Dessì in grandissimo spolvero che, tra atmosfere gitane e spagnoleggianti, ritrova la classe cristallina dell’amico Max Tagliata e la sensualità e la poliedricità vocale di una Mietta sempre pronta a cimentarsi con produzioni di livello assoluto.

Semplicemente da ballare e da gustare fino all’ultima nota. Una ritmica in stile rumba detta il tempo di questo gioiello con incursioni di chitarra elettrica, lievemente distorta, che vanno a graffiare deliziosamente il mood mentre qua e là il pianoforte di Max Tagliata irrompe a tinteggiare arabeschi veramente spettacolari.

Una sezione fiati, doppiata dall’elettrica di cui sopra, rappresenta quell’atmosfera che ti resta in testa mentre la parte finale regala la maestria chitarristica di Andrea. Sfodera tutta la sua classe sulla chitarra classica toccando vette letteralmente pazzesche dimostrandosi musicista incredibile dalle capacità inarrivabili.

Sensuale, calda e con una capacità ed una versatilità vocale senza pari, c’è poco da aggiungere sulla performance di Mietta, artista capace di calarsi in tutte le situazioni artistiche che le vengono sottoposte, ma che in un mood come questo risalta in maniera netta. Da gustare con un buon drink ghiacciato a portata di mano.

La storia di “Mi perdido amor”

Scritto con forti influenze spagnole, di base è una rumba, tipica danza flamenco. Il sound generale è stato arricchito con suoni vicini alla latin music e al latin jazz grazie all’arrangiamento del polistrumentista Massimo Tagliata. Vi è una commistione vera e propria fra suoni acustici, elettrici ed elettronici.

Il testo in spagnolo esalta la sua origine iberica e la chitarra solista di Dessì evoca i grandi chitarristi flamenco del passato, come Paco De Lucia musicista flamenco che ha intriso di jazz la sua musica. Dessì, definito dalla stampa spagnola un “simpatizzante del Flamenco”, si potrebbe dire che ha intriso di flamenco il suo jazz.

Mietta dà ancora una volta conferma di grande vocalità ed espressività. Si conferma una delle migliori voci italiane, potendo spaziare in vari generi, dal pop al jazz. E si dimostra a suo agio nel cantare in spagnolo. Firma questo brano nella musica e nel testo per il suo indiscusso contributo artistico al brano e per la felice collaborazione con i Dessì Bros in atto da tempo.

La collaborazione di Mietta al progetto Jazz di Andrea Dessì e Massimo Tagliata risale al 2015 e ha ottenuto negli anni consensi dalla critica e dal pubblico jazz. Andrea Dessì aveva già scritto un altro brano sempre con testo di Michele Dessì, un tango-jazz dal nome “Semplice”, brano che è arrivato alla #1 nella classifica dei crossover jazz su iTunes. Anche in questa occasione Mietta ha dato prova di essere una cantante di grande spessore e talento con un’intensa e meravigliosa interpretazione.

«La contaminazione fra jazz e flamenco – commenta Andrea Dessì – ho iniziato a farla intorno al 2006 quando ancora non era così di moda… Per me è un fatto di gusti e di cultura. I ritmi spanish si baciano perfettamente con le armonie jazz ricche di colori. E penso che questo tipo di musica abbia ancora da dire. Può andare avanti crescere e rinnovarsi. Il jazz e il flamenco non dimentichiamo che agli esordi erano entrambi per il ballo e l’intrattenimento. Poi si sono evoluti anche per le sale da concerto».

Il testo di “Mi perdido amor”

Influenze gitane, pennellate da cantautorato. Il testo spagnolo sembra una fusione poetica di due parolieri come Joaquin Sabina e Vinicio Capossela. Uno profondamente madrilegno, l’altro esteta di un italiano visionario.

Il tema dell’amore perduto, della malinconia improvvisa, della delusione di scoprire il ricordo più forte delle distrazioni, prende via dai ricordi spagnoli di Michele Dessì, che ha vissuto sulla sua pelle la vida latina della “ruta del bacalao valenciana”.

L’autore del testo, il romanziere Michele Dessì, dice che di quegli anni ha «un ricordo vivido, brillante, gioioso, stupito. La fiesta è una dimensione dell’animo spagnolo, una parte centrale della loro epopea popolare moderna. Dal piccolo pueblo, al cuore del barrio centrale di una grande città, le anime perdute degli innamorati infranti nella perdizione diventano dei poeti interiori che gridano nel silenzio».

Il progetto artistico

Il progetto discografico che include questo brano è una sorte di raccolta ambiziosa con ospiti eccellenti, con i lavori più significativi di Andrea Dessì dal 2019. Fra gli ospiti: Fabrizio Bosso, Sherrita Duran, Mietta, Massimo Tagliata e altre partecipazioni di rilievo.

Ogni brano che farà parte del cd che uscirà nel 2021 verrà lanciato come singolo, a volte anche con video. Sono tre le uscite fatte col feat. di Fabrizio Bosso, fuoriclasse del jazz alla tromba, e di Massimo Tagliata, prezioso musicista eclettico e polistrumentista: “Tamba”, “On Groovy”, “Big”.

I tre brani portano influenze jazz, blues, progressive, fra anni ‘70 e suoni odierni. “Just You and I” con Sherrita Duran, invece, è un brano con forti influenze soul blues, scritto a tre mani. Parte da Raffaele Montanari anche arrangiatore, con linee melodiche di Andrea Dessì ed il testo della Duran.

Saranno pubblicati di seguito altri brani blues e altri brani latin-jazz per evidenziare i due aspetti fondamentali della musica di Andrea Dessì: da un lato le composizioni acustiche mediterranee, flamenco, latin jazz, dall’altro un sound elettrico fortemente blues, jazz, funky, soul.

L’album sarà diviso in due parti. I musicisti di riferimento sono per la parte jazz Kamasi Washington, Jimi Hendrix, Coltrane, Davis ed altri ancora. Per il latin jazz sono Paco De Lucia, Vicente Amigo e alcuni grandi compositori classici, Ravel, Debussy, Albeniz, Rodrigo ed altri ancora.

Andrea Dessì con questo progetto sfoggia la maturità musicale, compositiva e solistica raggiunta dopo oltre 20 anni di carriera. Si conferma uno dei chitarristi più virtuosi e versatili a livello internazionale.

La squadra di musicisti che segue, supporta e valorizza le composizioni di Andrea Dessì sono Massimo Tagliata, pianista e fisarmonicista apprezzato in tutta Italia. Michele Dessì, autore di testi e scrittore in ascesa. Ed il bravo Raffaele Montanari, produttore artistico che sa valorizzare e promuovere musica di qualità e artisti a cui sa dare il giusto valore, cosa non scontata di questi tempi.

Leggi la storia di Andrea

Leggi la storia di Mietta

Gli smartphone sparano notifiche su notizie disastrose da tutto il mondo… Le guerre vengono raccontate in ogni dove, ma lui non ha tempo per leggere, non ha tempo per fermarsi a riflettere mentre quei bambini, sparsi in tutto il mondo, soffrono e si spengono a causa della follia umana.

Potente, carico di energia e con una disamina impietosa raccontata nel testo, Il bambino di Aleppo racconta una storia fatta di superficialità e tanto dolore in salsa rock a suon di distorsione e tanto groove. Un singolo di grande impatto sonoro che racconta ciò che è la società di oggi di fronte alle brutture del mondo.

Il motore della canzone è rappresentato da un drumming veramente intenso e carico di energia con una cassa pulsante e un charlie abbastanza dritto che rafforza la cassa stessa. Poi arricchita dal rullante che entra nei ritornelli creando un groove davvero raffinato ancorché importante nella sua esecuzione.

Il basso è essenziale e viene suonato al servizio della canzone sostenendo la linea ritmica in maniera egregia mentre riff di chitarra pulita ruotano letteralmente attorno al pezzo con sfumature tra il rock e il blues davvero gustosi. Spruzzi di fiati e arpeggi di acustica, in sottofondo, tinteggiano i momenti più intensi della canzone regalando colore all’assieme.

Il testo, apparentemente scanzonato, rappresenta un cameo di assoluto valore e ci regala un Angelo in grande spolvero pronto a raccontare, a modo suo, storie anche poco leggere in maniera profonda ed intelligente. Da gustare in cuffia a volumi importanti!

Il bambino di Alepppo, la storia

Una denuncia senza sconti verso ciò che non vogliamo guardare. «In una mia vecchia canzone scrissi che siamo soltanto dei puntini in volo. Anche questo brano – commenta Angelo Iannelli – parla dell’eccessiva importanza che a volte ci diamo. Immersi e persi nelle nostre piccole e insignificanti attività quotidiane, spesso preferiamo non guardare ciò che accade realmente attorno a noi, forse perché non guardare è anche non sapere. E crediamo che sia meglio così».

«Questa riflessione e il fatto di aver vissuto in Siria per diversi mesi tra il 2008 e il 2011, fino a qualche settimana prima dell’inizio della guerra, mi hanno spinto a dedicarmi al Bambino di Aleppo», spiega l’artista.

Brano rock con chitarre distorte e il ritmo incalzante della batteria. Il bambino di Aleppo ha un testo caustico che non esita a mettere in luce i nostri volti che si girano davanti alle lacrime dei bambini che muoiono per le strade della Siria.

Il riff distorto della chitarra è un martello a tempo con la batteria. Ricorda i tasti di una vecchia macchina da scrivere che narra senza pietà le contrapposizioni dei nostri tempi.

Leggi la storia di Angelo