Mercoledì 9 aprile 2026 è morto all’età di 68 anni Lance Taylor, meglio per non dire esclusivamente noto come Afrika Bambaataa, tra gli indiscussi padri fondatori dell’hip-hop, capace come pochi altri di trasformare la musica in messaggio sociale e renderlo mainstream, anche e soprattutto per essere stato tra i primi a capire come l’elettronica e l’hip hop potessero capirsi e accompagnarsi e unire il mondo attraverso il ritmo. Tante le sue canzoni diventate autentici inni: “Planet Rock”, “Renegades Funk”, “Looking for the Perfect Beat”, così come “Reckless” insieme agli UB40 e “Unity” con James Brown furono anche autentiche hit planetarie. “Planet Rock” è la canzone che abbiamo scelto per commemorare Afrika Bambaataa come si deve.

L’eredità di Afrika Bambaataa

Parlare dell’eredità di Afrika Bambaataa significa raccontare un momento in cui tutto cambia direzione. All’inizio degli anni Ottanta, l’hip hop è ancora profondamente radicato nel funk, nel groove dei vinili e nella tradizione afroamericana. “Planet Rock” rompe questo equilibrio e introduce un elemento estraneo, quasi alieno: sintetizzatori, drum machine, strutture elettroniche ispirate alla musica europea, in particolare all’estetica dei Kraftwerk. Il risultato è rivoluzionario, tendente al futuro senza rinnegare il passato: Afrika Bambaataa lascia un’eredità culturale e sociale che va ben oltre la musica, il tutto reso meno lineare alle accuse di abusi sui minori che poi ne hanno inficiato la rispettabilità.

Il significato di Planet Rock

“Planet Rock” – uscita nel 1982 con il feature di The Soulsonic Forces – non segue le regole tradizionali della scrittura musicale. Non c’è una storia da seguire, non ci sono personaggi né uno sviluppo narrativo. Il testo è costruito come un flusso continuo, fatto di richiami, ripetizioni, slogan ritmici che funzionano più come strumenti sonori che come veicolo di significato. L’iconico incipit, “Party people” è l’esempio perfetto di questa dinamica. Non introduce un tema, non racconta nulla: chiama. È una formula di attivazione, un segnale che trasforma l’ascolto in partecipazione. Ed è proprio in questa capacità di creare connessione immediata che si trova il vero significato di “Planet Rock”.

Il video di Planet Rock

Il testo di Planet Rock

Party people, party people
Can y’all get funky?
Soulsonic Force, can y’all get funky?
The Zulu Nation, can y’all get funky?
Yeah! Just hit me
Just taste the funk and hit me
Just get on down and hit me
Bambaataa’s getting so funky, now, hit me
Yeah! Just hit me

It’s time to chase your dreams
Up out ya seats, make your body sway
Socialize, get down, let your soul lead the way
Shake it, now, go ladies, it’s a livin’ dream
Love, life, live!
Come play the game, our world is free
Do what you want but scream

We know a place where the nights are hot
It is a house of funk
Females and male
Both young and old, called the disco
The DJ plays your favorite blast
Takes you back to the past, music’s magic (puff)
Hump pump funk and bump with some class, people

Rock, rock to the Planet Rock, don’t stop
Rock, rock to the Planet Rock, don’t stop

The Soulsonic Force, Mr. Biggs, Pow Wow and M.C. Globe
We emphasize to show, we got ego
Make this your night, just slip it right and by day
As the people say, “Live it up, shucks”
No work or play, our world is free
Be what you be, be

Rock, rock to the Planet Rock, don’t stop
Rock, rock to the Planet Rock, don’t stop

You’re in a place where the night are hot
Where nature’s children dance and say the chants
On this Mother Earth, which is our rock
The time has come and work for soul, show you really got soul
Are you ready? Hump bump bump, get bump, now let’s go, house
Twist and turn, the you let your body slide
You got the body rock and pop, bounce and pounce

Everybody just rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop
Keep tickin’ and tockin’, work it all around the clock
Everybody keep rockin’ and clockin’ and shockin’ and rockin’, go house
Everybody say, “Rock it, don’t stop it!” (Rock it, don’t stop it!)
Well, hit me, Mr. Biggs! (Mr. Biggs!)
Pow Wow! (Pow Wow!)
G-L-O-B-E (G-L-O-B-E)
The Soul Sonic Force

You gotta rock it, pop it, ’cause it’d the century
There is such a place that creates such a melody
Our world is but a land of a master jam, get up and dance
It’s time to chase your dreams
Up out your seats, make your body sway
Socialize, get down, let your soul lead the way
Shake it now, go ladies, it’s a livin’ dream
Love, life, live!

Zih, zih, zih, zih, zih
Zih, zih, zih
Zih, zih, zih, zih, zih, zih
Zih, zih, zih
Zih, zih, zih, zih, zih, zih
Zih, zih, zih, zih, zih, zih

Everybody say, “Rock it, don’t stop it!” (Rock it, don’t stop it!)
Everybody say, “Shockin’ and clockin'” (shockin’ and clockin’!)
Everybody say, “Ichi, ni, san, shi” (ichi, ni, san, shi)
Say, “Planet Rock” (Planet Rock!)
It’s the sure shot (it’s the sure shot!)
Say, “Planet Rock” (Planet Rock!)

It’s the sure shot (it’s the sure shot!)

So twist and turn, then you let your glide
You got the body rock and pop, bounce and pounce
So hit me
Just taste the fuck and hit me
Just get on down and hit me
Bambaataa’s getting so funky, now hit me
Every piece of the world
Rate the message of our words

All men, women, boys and girls
Hey, our Plante Rock is superb, get on it
You got the groove, move
Feel the groove, feel it
Do what ya want but ya know ya got to be, cool and boogies
Out on the floor, go down
Bring it low
Close to the ground

Everybody just rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop
Keep tickin’ and tockin’, work it all around the clock
Everybody just rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop
Keep tickin’ and tockin’ work it all around the clock
Everybody, gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop it

Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop
Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop it
Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop

Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop it
Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop
Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop it
Gotta rock it, don’t stop it
You gotta rock it, don’t stop

pagina Instagram Afrika Bambaataa

Aprile e maggio 2026 si preannunciano come mesi eccellenti per gli amanti della musica elettronica. Con l’arrivo della primavera, la stagione dei festival entra nel vivo, offrendo un calendario ricchissimo di eventi nei quali dj e sonorità contemporanee sono assoluti protagonisti. Un viaggio globale che parte da scenari esotici e attraversa alcune delle capitali più conclamate della musica.

Il percorso inizia a Bali, in Indonesia, con Day Zero (14–19 aprile), un festival immerso nella natura che unisce musica e spiritualità. Con artisti come Damian Lazarus, Francis Mercier e John Summit, rappresenta un’apertura suggestiva e coinvolgente. Si prosegue poi verso la Scozia, a Edimburgo, con Terminal V (18–19 aprile), uno degli eventi più importanti della scena techno britannica. Qui si esibiscono nomi di rilievo come Clara Cuvé, Patrick Topping e Robert Hood.

La tappa successiva è Ibiza, cuore pulsante della club culture internazionale, con l’IMS, International Music Summit (22–24 aprile). Un evento che combina conferenze e performance, con artisti del calibro di Eliza Rose, Jazzy e Pete Tong.
L’Italia entra in scena con Aperyshow, a Treviso (24–26 aprile e 30 aprile–3 maggio), un festival che mescola musica elettronica e charity. In lineup troviamo Eiffel 65, Fedde Le Grand e Tujamo.

Contemporaneamente, Ultra South Africa (25–26 aprile) porta l’energia della dance a Johannesburg e Cape Town, con superstar come Afrojack, John Summit e Shimza. Con l’inizio di maggio, si torna in Italia, per la precisione all’ex Macello di Milano, che ospita Vision Open Air (1 e 16 maggio), un evento urbano che propone artisti come Ilario Alicante, Max Dean e Mochakk.

Nello stesso weekend, il teutonico Time Warp approda a San Paolo (1–2 maggio), portando in Brasile il meglio della techno e della house internazionale, con Charlotte de Witte, Enrico Sangiuliano e Richie Hawtin. Negli Stati Uniti, intanto Los Angeles accoglie CORE by Tomorrowland (2–3 maggio), un festival che unisce musica, arte ed esperienze immersive, con Dixon, Honey Dijon ed Eric Prydz.

A metà maggio si vola nei Paesi Bassi, dalle parti di Spaarnwoude, per Upclose (16–17 maggio), uno dei festival elettronici più attesi. A Houtrak si esibiscono artisti come Ellen Allien, Joris Voorn e Nina Kraviz. Il viaggio si conclude in Francia, in quel di Parigi con Cercle (22–24 maggio), celebre per le sue location spettacolari e la forte componente visiva. Con Adriatique, Michael Bibi e Vintage Culture, Cercle rappresenta una chiusura perfetta del nostro itinerario elettronico

Da Bali a Parigi, da Milano a Ibiza, passando per Sus Africa e Stati Uniti, questi festival raccontano la varietà e la vitalità della scena elettronica globale nel 2026. Che si tratti di techno underground o musica più mainstream, questi eventi sono un appuntamento imperdibile per vivere al massimo la primavera 2026.

foto d’apertura: Aperyshow

Difficile se non impossibile scegliere una canzone per onorare Gino Paoli, scomparso lo scorso martedì 24 marzo 2026 a 91 anni. Gino Paoli è stato una delle voci italiane più profonde e riconoscibili, capace di raccontare l’amore, la solitudine ed il tempo che passa con una sensibilità unica. Invece che puntare su brani immortali quali “Il cielo in una stanza”, “Sapore di sale”, “La gatta” e “Quattro amici al bar”, la nostra scelta è caduta su “Che cosa c’è”, una canzone forse meno celebrata rispetto ai suoi grandi successi, ma capace di racchiudere tutta la sua poetica: essenziale, malinconica, profondamente umana.

Un autentico prototipo

Nato a Monfalcone nel 1934 ma cresciuto a Genova, Gino Paoli è stato uno dei padri della cosiddetta “scuola genovese”, insieme a figure come Fabrizio De André, Luigi Tenco e Bruno Lauzi: negli anni ha saputo alternare momenti di grande popolarità a fasi più intime e sperimentali, senza mai perdere la sua identità artistica. La sua vita privata l’ha visto sempre a fianco di donne stupende – Stefania Sandrelli e Ornella Vanoni su tutte, insieme alle due mogli Anna Fabbri e Paola Penzo, quest’ultima sua compagna sino alla fine – così come è stata accompagnata negli ultimi 63 anni da una pallottola nel cuore, risultato di un tentativo di suicidio nel 1963. Figura centrale in SIAE, la Società Italiana degli Autori ed Editori, nel 1987 fu eletto in Parlamento, candidato nelle liste del Partito Comunista Italiano. Di sicuro Gino Paoli è stato un autentico prototipo in tutto e per tutto, di quelli che una volta fatti si è rotto per sempre lo stampino.

“Che cosa c’è”: significato e dedica

“Che cosa c’è” è una canzone che si muove sul filo dell’incertezza emotiva. Il testo è costruito come un dialogo sospeso, quasi una confessione a metà, in cui il protagonista cerca di capire che cosa resti di un sentimento. Il brano riflette uno dei temi più cari a Paoli: l’amore non idealizzato, ma fragile, fatto di silenzi e domande. Non c’è retorica, soltanto una verità emotiva nuda (“ora non mi importa niente, di tutta l’altra gente, che non sei tu”) e l’assenza di ogni alternativa (“io ora vivo bene, se solo stiamo insieme, se solo ti ho vicino”). La canzone viene spesso associata alle sue esperienze sentimentali vissute in quegli anni – uscì nel 1963, anno che abbiamo ricordato segnò Paoli per sempre – e fu lanciata e incisa da Ornella Vanoni, così come fu poi riproposta in duetto da entrambi a più riprese. Una canzone ed un testo dal valore universale, che lancia un messaggio incontestabile: l’amore vero si prova pochissime volte nella vita. E quando non è corrisposto non può essere sostituito da niente e da nessuno.

Il video di “Che cosa c’è” 

Il testo di “Che cosa c’è”

Che cosa c’è
C’è che mi sono innamorato di te
C’è che ora non mi importa niente
Di tutta l’altra gente
Di tutta quella gente che non sei tu

Che cosa c’è
C’è che mi sono innamorato di te
C’è che ti voglio tanto bene
Che il mondo mi appartiene
Il mondo mio che è fatto solo di te

Come ti amo
Non posso spiegarti
Non so cosa sento per te
Ma, ma se tu mi guardi
Negli occhi un momento
Puoi capire anche da te

Che cosa c’è
C’è che mi sono innamorato di te
C’è che io ora vivo bene
Se solo stiamo insieme
Se solo ti ho vicino

Ecco che c’è
Ecco che c’è
Ecco che c’è

Come ti amo
Non posso spiegarti
Non so cosa sento per te
Ma, ma se tu mi guardi
Negli occhi un momento
Puoi capire anche da te

Che cosa c’è
C’è che mi sono innamorato di te
C’è che io ora vivo bene
Se solo stiamo insieme
Se solo ti ho vicino

Ecco che c’è
Ecco che c’è
Ecco che c’è

canale YouTube Gino Paoli: @ginopaoliofficial

Poche voci hanno saputo incarnare il romanticismo popolare della canzone italiana come Tony Dallara, scomparso il 16 gennaio 2026 a Milano all’età di 89 anni. Interprete elegante e intenso, Dallara è stato uno dei protagonisti assoluti della musica leggera tra la fine degli anni ’50 e i primi anni ’70, un’epoca di grandi cambiamenti per il costume e per il gusto musicale del Paese. Tra i suoi successi più celebri, “Come prima” rimane il brano simbolo della sua carriera: una canzone che ha attraversato generazioni, portando la canzone italiana oltre i confini nazionali.

Una voce nuova per l’Italia che cambiava
Tony Dallara – nato Antonio Lardera a Campobasso nel 1936 – si impose all’attenzione del grande pubblico nel 1957 grazie a “Come prima” presentata al Festival di Sanremo. In un periodo in cui la canzone italiana era ancora legata a modelli tradizionali, Dallara portò una vocalità inedita: più potente, più drammatica, capace di salire di tono e di emozione con un’intensità quasi “americana”. Quel modo di cantare, che gli valse l’etichetta di primo vero “urlatore” italiano, segnò una rottura stilistica e aprì la strada a una nuova generazione di interpreti. “Come prima” non fu solo un successo discografico clamoroso, ma un vero fenomeno culturale, capace di raccontare il sentimento amoroso con una passione diretta, senza filtri, profondamente moderna per l’epoca.

Il significato di “Come prima”

Pubblicata nel 1957, “Come prima” è una canzone d’amore assoluto e senza compromessi. Il testo racconta il desiderio di tornare a un sentimento originario, puro, totale: amare “come prima, più di prima”. Non c’è ironia né distanza emotiva, ma una dichiarazione intensa e quasi disperata, affidata a una melodia che cresce progressivamente, fino all’esplosione finale. È proprio questa costruzione emotiva a rendere il brano universale: “Come prima” parla di un amore che vuole resistere al tempo, alle ferite, ai cambiamenti. Non a caso la canzone ha avuto una diffusione internazionale straordinaria, con versioni in diverse lingue e interpretazioni di artisti, Dalida su tutte. Un classico che ha definito un’epoca e che ancora oggi conserva una forza emotiva intatta.

Il video di “Come prima”

Il testo di “Come prima”

ome prima, più di prima, t’amerò
Per la vita, la mia vita ti darò
Sembra un sogno rivederti, accarezzarti
Le tue mani fra le mani stringere ancor

I-Il mio mondo, tutto il mondo sei per me
A nessuna voglio bene come a te
Ogni giorno, ogni istante dolcemente ti dirò:
Come prima, più di prima, t’amerò

Come prima, più di prima t’amerò
Per la vita, la mia vita ti darò
Sembra un sogno rivederti, accarezzarti
Le tue mani fra le mani stringere ancor’

I-Il mio mondo, tutto il mondo sei per me
A nessuna voglio bene come a te
Ogni giorno, ogni istante dolcemente ti dirò:
Come prima, più di prima, t’amerò

Sito internet
www.gajamusic.it/catalogo/artisti/tony-dallara

Claudio Rispoli, universalmente riconosciuto come Dj Mozart, è stato uno dei padri fondatori del clubbing italiano. Scomparso il 4 dicembre 2025 a 67 anni, Mozart è stato un visionario che ha saputo fondere talento naturale, formazione classica e una sensibilità fuori dal comune, in un’epoca in cui fare il dj non era ancora un mestiere codificato, anzi. La sua figura rimane tuttora un punto cardinale per chiunque abbia messo le mani sui piatti con ambizione artistica.

un soprannome che racconta tutto

Il nome “Mozart” gli viene attribuito giovanissimo. Non è un vezzo da dj, ma un tributo alla sua abilità musicale innata. Rispoli, infatti, cresce studiando pianoforte al Conservatorio Rossini di Pesaro, un ambiente in cui sviluppa non solo padronanza tecnica, ma anche un gusto melodico ricercato. Il suo maestro, colpito dalla sua musicalità e dalla sua figura minuta, lo battezza “Mozart”: un soprannome affettuoso che diventerà, negli anni, un marchio di eleganza.

dj quando i dj ancora non esistevano

La sua vita dietro la consolle iniziò a metà anni ’70, quando essere un dj significava soprattutto saper ascoltare, intuire e sperimentare. Le tecnologie erano rudimentali e il concetto di “professionista della notte” non aveva né forma né identità definite. Rispoli, ancora adolescente, animava le serate di locali come il Paradiso di Rimini e il New Jimmy di Riccione. Il vero salto arrivò però nel 1977, alla Baia degli Angeli di Gabicce, poi divenuta Baia Imperiale. Qui Rispoli contribuì a definire un linguaggio sonoro nuovo: un intreccio sofisticato di funk, soul, rock, elettronica e suggestioni globali. La sua selezione non fu mai casuale: tutto era cucito con precisione, respiro e una capacità sorprendente di anticipare gli umori della pista. Era un artista che dirigeva la notte, più che semplicemente farla ballare. Insieme a lui, altri autentici pioneri come Daniele Baldelli, L’Ebreo e TBC hanno davvero dato vita prima di tutti gli altri in Italia alla figura del deejay da club.

le produzioni: quando il talento diventò linguaggio

Negli anni successivi la sua vocazione creativa fu declinata anche in studio di registrazione. Rispoli diventa produttore, arrangiatore, musicista. Partecipò a diversi progetti di rilievo, tra i quali Double Dee — con il celebre singolo “Found Love” — e soprattutto Jestofunk, trio che segnerà un’epoca nel panorama italiano e internazionale. Con Jestofunk, Rispoli portò nel mondo un sound inedito: una miscela di acid jazz, funk e dance che conquistò club, radio e appassionati grazie a groove eleganti e costruzioni sonore ricche di sfumature. La sua mano si riconosceva sempre: precisione, armonia, pulizia del suono, un lirismo che tradiva la formazione classica ma parla la lingua della pista.

una legacy che risuonerà per sempre 

Dj Mozart ha lasciato in eredità molto più di dischi e serate memorabili. Ha trasmesso un modo nuovo di intendere la figura del dj: un artigiano del ritmo, un narratore musicale, un regista delle emozioni. Per molti colleghi è stato una guida, un modello, una fonte di ispirazione costante. Le sue selezioni, i suoi arrangiamenti, la sua meticolosa attenzione ai dettagli continuano a essere citati e studiati da generazioni di dj e produttori. La sua presenza ha segnato profondamente la cultura della notte italiana. Ha aperto strade, creato estetiche, dato dignità a un mestiere che oggi è riconosciuto come forma d’arte contemporanea. E la sua eredità — fatta di stile, competenza e sensibilità — resterà per sempre intatta.

Dicembre 2025 si prepara a diventare uno dei mesi più intensi e sorprendenti per gli appassionati di musica elettronica. Un periodo dell’anno che solitamente profuma di bilanci, chiusure e riflessioni si trasforma invece in una maratona globale fatta di palchi spettacolari, headliner internazionali e destinazioni da sogno. Una vera e propria “stagione alta” per i festival, talmente densa che molti appuntamenti si spingono ben oltre la fine dell’anno, accompagnando il pubblico fino ai primi giorni del 2026.

Il viaggio comincia negli Stati Uniti, dove Miami ospita Factory Basel (3–7 dicembre, headliner: Richie Hawtin, Solomun, Tiësto), un evento che ogni anno riesce a superare sè stesso tra stage futuristici e line-up esplosive. Da lì si vola in Sudamerica, dove Resistance (5-7 dicembre, headliner: Adam Beyer, Korolova, Nicole Moudaber) porta il suo inconfondibile marchio techno tra Lima, Santiago e Buenos Aires: tre città, tre pubblici diversi, un’unica energia pulsante. È il preludio perfetto alla fase europea del mese, che fa tappa sulle Alpi francesi con Rise (6–13 dicembre, headliner: Kettama, Overmodo, Wildish), il festival che unisce musica e sport invernali in un’esperienza sempre più amata.

Dall’alta quota si passa al deserto saudita con Soundstorm (11–13 dicembre, headliner: Calvin Harris, Cardi B, Swedish House Mafia), probabilmente uno degli appuntamenti più spettacolari dell’anno, un luogo dove la produzione raggiunge livelli cinematografici. Per chi preferisce atmosfere più alpine, Rave On Snow (11–14 dicembre, headliner: Anna Tur, Sam Paganini, Tube&Berger) in Austria rimane una certezza, una celebrazione della club culture incastonata tra montagne innevate.

La seconda metà del mese conduce invece verso scenari esotici: Mumbai accende Sunburn (19–21 dicembre, headliner: Above&Beyond, David Guetta, Layla Benitez), una delle più grandi realtà asiatiche del panorama elettronico, mentre in Australia si prepara Beyond The Valley (28 dicembre–1° gennaio, headliner: Addison Rae, Dom Dolla, Kid Cudi), l’evento che da anni chiude simbolicamente l’anno tra arte, natura e performance immersive.

In Europa, Amsterdam accoglie come da tradizione Awakenings (30–31 dicembre 2025, headliner: Joseph Capriati, Joris Voorn, Pan-Pot) con la sua potenza techno, mentre Los Angeles propone Proper (31 dicembre 2025 – 1° gennaio 2026, headliner: Chase&Status, Four Tet, Skrillex) per chi preferisce salutare l’anno in stile nordamericano.

Infine, il cerchio si chiude in Messico, nella giungla di Tulum, con Zamna Experience (31 dicembre 2025 – 2 gennaio 2026, headliner: Justice, Keinemusik, RÜFÜS DU SOL): un festival che è diventato un vero rito di passaggio per iniziare il nuovo anno tra vibrazioni rituali, scenografie surreali e alcuni dei nomi più influenti della scena mondiale.

Guardare il calendario di dicembre 2025 significa osservare una mappa del mondo che pulsa al ritmo della musica elettronica. Ogni tappa è un invito a partire, a scoprire nuovi paesaggi sonori e a lasciarsi trasportare dalla comunità globale dei clubber, dei dj e dei festival-goers. Se il modo migliore per salutare l’anno è farlo ballando, allora il 2025 offre l’occasione perfetta: un viaggio senza confini che unisce culture, generi e passioni attraverso un’unica, grandissima cassa comune.

foto d’apertura: Soundstorm

Poche voci hanno saputo raccontare lo spirito del reggae con la stessa limpidezza di Jimmy Cliff, scomparso lunedì 24 novembre 2025 nella sua Giamaica ad 81 anni. Artista globale, uomo di frontiera culturale, Cliff è stato uno dei protagonisti assoluti della musica giamaicana e uno dei primi a esportarla fuori dall’isola. Tra i suoi successi più celebri, “Reggae Night” rimane il brano che, più di tutti, ha portato la sua energia nelle piste di mezzo mondo: luminoso, trascinante, irresistibile.

Una voce riconoscibilissima ed identitaria

Jimmy Cliff – nato James Chambers a St. Catherine nel 1944 – è stato fin da giovanissimo una delle voci più riconoscibili del reggae. Negli anni ’60 ottenne i suoi primi successi, ma è negli anni ’70 che diventò un ambasciatore culturale grazie al film “The Harder They Come”, in cui fu protagonista e autore della colonna sonora. Quel film è spesso considerato il momento in cui il reggae entrò davvero nel panorama internazionale. Cliff, insieme a Bob Marley, è stato una delle figure fondamentali per la diffusione mondiale della musica giamaicana: più pop, più melodico, più aperto alla contaminazione. La sua voce pulita e magnetica, unita a testi sempre positivi e pieni di speranza, lo hanno reso un artista trasversale che parlava a generazioni diverse, senza tempo e senza confini.

Il significato di “Reggae Night”

Uscito nel 1983, “Reggae Night” è una celebrazione pura: una notte dedicata alla musica, alla danza, alla condivisione. Il testo è un invito a mollare i pensieri, ritrovarsi insieme e lasciarsi portare dal ritmo. La canzone non ha la spiritualità più introspettiva del roots reggae: qui domina la leggerezza, l’apertura, il reggae come festa collettiva:“We come together when the feeling right / And we’ll be jammin’ till the morning light”. “Reggae Night” è diventato un inno internazionale proprio per questo: un brano capace di portare chiunque, ovunque, dentro una notte giamaicana fatta di luci, suoni e libertà. È uno dei pezzi più ballati di Jimmy Cliff, una hit che ha definito un’epoca e che ancora oggi appare nelle playlist e nei dj-set: un autentico inno, un autentico evergreen.

Il video di “Reggae Night”

Il testo di “Reggae Night”

Yeah, man, reggae night
You live and you love
So turn on your light, make it shine bright
And listen to this, jam it reggae night
We come together when the feeling right

Reggae night
And we’ll be jammin’ till the morning light
Oh penny Reel just called
Got to get my things, got to catch this ride
Gotta look my best
Because I know there’ll be
Mashin’ it up tonight, oh reggae night
We come together when the feeling right

Reggae night
And we’ll be jammin’ till the morning light
Oh you will find it happens only once a year
So don’t miss out on this session here, oh
There’ll be people comin’
From the North and South and East and West
So you better look your best, man
Now, lightnin’ strikes at eight
So you better not be late
For this rub-a-dubbin’, rockin’, jammin’
Fun, fun, lovin’, yeah reggae night
We come together when the feeling right, oh

Reggae night
And we’ll be jammin’ till the morning light
You will find it happens only once a year
So take advantage of this festive cheer
Make we bring we family and
Let’s tell some friends
And everyone will have a jam, jam session

Ohh, reggae night ohh, reggae night
Ohh, reggae night ohh, reggae night
Ohh, reggae night ohh, keep on rockin’, now
Ohh, reggae night ohh, reggae night

Reggae night
We come together when the feeling right, oh

Reggae night
And we’ll be jammin’ till the morning light
Oh reggae night
We come together when the feeling right, oh
Reggae night
And we’ll be jammin’ till the morning light

Oh ohh, reggae night
Ohh, reggae night ohh, reggae night
Ohh, reggae night ohh ohh ohh

sito internet 
jimmycliff.com

La notizia della scomparsa di Ornella Vanoni, avvenuta il 21 novembre 2025 a Milano, ha riempito di commozione il mondo della musica italiana. All’età di 91 anni, con una carriera che ha attraversato sette decenni, Vanoni lascia un’eredità artistica straordinaria: una voce elegante, profonda, capace di raccontare l’amore, la nostalgia e la vita con una sincerità disarmante. È stata una delle grandi signore della canzone italiana, un’artista camaleontica che sapeva muoversi tra jazz, pop, bossa nova e melodie d’autore, sempre con un’identità forte e inconfondibile.

Una vita e una carriera irripetibili

Ornella Vanoni iniziò a teatro, studiando al Piccolo Teatro di Milano sotto la guida di Giorgio Strehler. Ben presto entrò nel mondo della musica leggera, con i celebri brani delle “canzoni della mala”: canzoni popolari milanesi che raccontavano il sottobosco urbano più o meno romanzato. Nel corso degli anni ’60 e ’70 collezionò successi in serie, partecipando più volte al Festival di Sanremo (con “Casa Bianca”, “Io ti darò di più” e altri), e collaborando con grandi autori come Gino Paoli. La versatilità fu uno dei sui tratti distintivi: alternava brani pop a momenti di jazz, duetta con artisti brasiliani come Toquinho e Vinicius de Moraes, esplorò la bossa nova. Con una discografia ricchissima, Vanoni ha lasciato un segno indelebile nella canzone italiana, diventando un punto di riferimento anche per le nuove generazioni, ammaliate dal suo fare disincantato che sino all’ultima l’ha resa protagonista ovunque si palesasse.

Il significato de “L’appuntamento”

“L’appuntamento” è uno dei brani più emblematici di Ornella Vanoni: si tratta della versione italiana di una canzone brasiliana, “Sentado à Beira do Caminho”, scritta da Roberto Carlos ed Erasmo Carlos, con il testo italiano adattato da Bruno Lauzi. Nel testo, la protagonista vive un’attesa struggente: ha commesso errori, sa che rischia di sbagliare ancora, ma accetta quello “strano appuntamento” perché è pronta a sperare, nonostante tutto. C’è una tensione emotiva fortissima: l’amore che non arriva, la nostalgia, la paura di non esistere se l’altro non si presenta. È un’invocazione, un desiderio, ma anche una resa: “Amore, fai presto, io non resisto / se tu non arrivi non esisto”
Questa attesa non è solo romantica: diventa simbolo di speranza e fragilità, ma anche di coraggio nel rischiare di nuovo, nell’aprirsi nonostante il dolore.

Il video de “L’appuntamento”

Il testo de “L’appuntamento”

Ho sbagliato tante volte ormai che lo so già
Che oggi quasi certamente
Sto sbagliando su di te
Ma una volta in più che cosa può cambiare
Nella vita mia
Accettare questo strano appuntamento
È stata una pazzia

Sono triste tra la gente che
Mi sta passando accanto
Ma la nostalgia di rivedere te
È forte più del pianto
Questo sole accende sul mio volto
Un segno di speranza
Sto aspettando quando ad un tratto
Ti vedrò spuntare in lontananza

Amore, fai presto, io non resisto
Se tu non arrivi, non esisto
Non esisto, non esisto

È cambiato il tempo, sta piovendo
Ma resto ad aspettare
Non m’importa cosa il mondo può pensare
Io non me ne voglio andare
Io mi guardo dentro e mi domando
Ma non sento niente
Sono solo un resto di speranza
Perduta tra la gente

Amore è già tardi e non resisto
Se tu non arrivi non esisto
Non esisto, non esisto

Luci, macchine, vetrine, strade, tutto quanto
Si confonde nella mente
La mia ombra si è stancata di seguirmi
Il giorno muore lentamente
Non mi resta che tornare a casa mia
Alla mia triste vita
Questa vita che volevo dare a te
L’hai sbriciolata tra le dita

Amore perdono, ma non resisto
Adesso per sempre non esisto
Non esisto, non esisto

Canale YouTube (non ufficiale) 
ornellavanoni7795

Giovedì 17 ottobre 2025 a causa di un’emorragia celebrare è mancato a 74 anni Paul Daniel Frehley, detto Ace, chitarrista, cantante e fondatore dei KISS, simbolo del rock americano più esplosivo e spettacolare. Figura carismatica e ribelle, Frehley ha incarnato l’anima elettrica della band, portando nei suoi assoli la miscela perfetta di tecnica, ironia e puro istinto rock. La sua morte lascia un vuoto nel mondo della musica, ma anche un’eredità fatta di riff immortali e di un’attitudine che ha ispirato generazioni di chitarristi. Il soprannome Ace era dovuto alla acclarata abilità con le donne.

Dalle origini ai fasti dei KISS

Nato nel Bronx nel 1951, Paul Daniel “Ace” Frehley iniziò a suonare la chitarra da adolescente, attratto dai suoni distorti di Jimy Hendrix e Jimmy Page. Nel 1973 incontrò Gene Simmons e Paul Stanley, unendosi a Peter Criss per fondare i KISS, una delle band più iconiche della storia del rock. Con il suo trucco da “Spaceman”, Frehley divenne presto una figura di culto, autore di alcuni dei riff più celebri del gruppo e simbolo di quella fusione tra teatro, energia e potenza sonora che fece dei KISS un fenomeno planetario. Dopo la separazione dal gruppo alla fine degli anni ’80, Ace intraprese una carriera solista di successo, rimanendo sempre fedele al suo stile diretto e inconfondibile.

L’importanza musicale di Ace Frehley e dei KISS

I KISS rivoluzionarono il concetto di spettacolo rock, unendo fiamme, trucco e costumi a una musica che sapeva essere immediata e travolgente. Frehley fu la scintilla chitarristica del gruppo, capace di coniugare blues, hard rock e una dose di fantascienza sonora che rese i KISS riconoscibili fin dal primo accordo. Il suo suono graffiante e i suoi assoli – spesso accompagnati da effetti pirotecnici e fumo che usciva letteralmente dalla chitarra – incarnavano il sogno elettrico degli anni ’70. Brani come “Shock Me”, “New York Groove” e soprattutto “Cold Gin” rivelarono il lato più crudo e autentico del suo talento: quello di un musicista che sapeva far vibrare la chitarra come se fosse un’estensione della propria anima.

Il significato di Cold Gin

Pubblicata nel 1974 nel disco d’esordio dei KISS, “Cold Gin” è una delle prime canzoni scritte da Ace Frehley, che però non la cantò per timidezza, lasciando la voce a Gene Simmons. Il brano racconta con ironia e amarezza la difficoltà di vivere senza conforto, trovando rifugio nell’alcol come unico rimedio al gelo della solitudine urbana (“I need some fuel to build a fire”). Il riff iniziale, secco e trascinante, è diventato un classico dell’hard rock: una dichiarazione di libertà e disillusione. Frehley dipinge un’America notturna, dove la “cold gin” non è solo una bevanda, ma una metafora dell’energia che serve per sopravvivere, per rimanere accesi anche quando tutto intorno si spegne (“You know it’s the only thing /That keeps us together”).

Il video di Cold Gin

Il testo di Cold Gin

Woo, alright

My heater’s broke and I’m so tired
I need some fuel to build a fire
The girl next door, her lights are out, yeah, ooh
The landlord’s gone, I’m down and out

Ooh, it’s cold gin time again
You know it’ll always win
Cold gin time again
You know it’s the only thing
That keeps us together, ow

It’s time to leave and get another quart
Around the corner at the liquor store
Ah ha, the cheapest stuff is a all I need
To get me back on my feet again

Ooh, it’s cold gin time again
You know it’ll always win
It’s cold gin time again
You know it’s the only thing
That keeps us together, ow

Whoa, yeah

Ooh, it’s cold gin time again
You know it’ll always win
It’s cold gin time again
You know it’s the only thing
That keeps us together, ow

sito ufficiale kiss
kissonline.com 

Sabato 12 ottobre 2025 a causa di un tumore si è spento a 51 anni D’Angelo (all’anagrafe Michael Eugene Archer), cantautore, produttore e icona del neo soul americano. Considerato uno degli artisti più innovativi e influenti degli anni ’90 e 2000, D’Angelo ha ridefinito i confini tra R&B, funk e soul con la sua voce calda e spirituale e con dischi che hanno lasciato un segno profondo nella musica contemporanea. La sua scomparsa segna la fine di un’epoca in cui sensualità, groove e introspezione potevano convivere con autenticità e grazia.

Gli inizi e l’ascesa nel panorama soul

D’Angelo nacque a Richmond, Virginia, nel 1974, figlio di un predicatore pentecostale. Cresciuto tra gospel e jazz, iniziò a suonare il piano in chiesa e da adolescente mostrò un talento precoce per la composizione. Dopo aver vinto un concorso di talenti all’Apollo Theater di Harlem, si trasferì a New York per inseguire il suo sogno musicale. Nel 1995 pubblicò il suo primo album, Brown Sugar, che raggiunse rapidamente il disco di platino e lo consacrò come nuova voce del soul. Lì dove la scena R&B tendeva verso suoni sintetici e commerciali, D’Angelo propose un ritorno all’organico: strumenti veri, groove sinuosi, testi introspettivi. Con lui, artisti come Erykah Badu, Maxwell e Lauryn Hill inaugurarono quella corrente che sarebbe poi diventata il neo-soul, un ponte tra tradizione e modernità.

Il valore musicale di D’Angelo

D’Angelo ha saputo combinare il calore del soul classico con l’energia del funk e la libertà improvvisativa del jazz. Le sue canzoni si muovono tra sensualità e coscienza sociale, in un continuo equilibrio tra corpo e spirito. Il suo modo di cantare, spesso sussurrato e stratificato, ha influenzato intere generazioni di artisti R&B contemporanei, da Frank Ocean a H.E.R. Nei suoi lavori successivi, come Voodoo (2000) e Black Messiah (2014), ha continuato a esplorare temi di identità, spiritualità e libertà artistica, dimostrando di essere non solo un cantante, ma anche un musicista completo e un innovatore.

Il significato di “Brown Sugar”

Pubblicata nel 1995 come singolo d’esordio, Brown Sugar è una dichiarazione d’amore velata da doppi sensi e metafore. Ufficialmente racconta la passione per una donna, ma sotto la superficie si cela anche un riferimento simbolico alla marijuana, tema ricorrente nel linguaggio soul e funk. Il brano si apre con un groove caldo e rotondo, guidato dal basso e dalla batteria, su cui D’Angelo intreccia una voce morbida e avvolgente.

“I want some of your Brown Sugar…”

La canzone è un inno alla dolcezza, al desiderio e alla libertà del sentire. D’Angelo canta con eleganza il legame tra corpo e spirito, tra piacere e connessione emotiva. Brown Sugar  diventa così una metafora del soul stesso: profondo, avvolgente, sensuale, ma sempre autentico.

Il video di Brown Sugar

Il testo di Brown Sugar

 Let me tell you ’bout this girl, maybe I shouldn’t
I met her in Philly and her name was Brown Sugar
See we be makin’ love constantly
That’s why my eyes are a shade, blood burgundy
The way that we kiss is unlike any other way that I be kissin’
What I’m kissin’, what I’m missin’, won’t you listen
Brown Sugar, babe

I gets high off your love, I don’t know how to behave
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)

Oh, sugar, when you’re close to me
You love me right down to my knees
And whenever you let me hit it
Sweet like honey when it comes to me
Skin is caramel with the coco eyes
Even got a big sister by the name of Chocolate Ty

Brown Sugar, babe
I gets high off your love, don’t know how to behave

I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)

Now that be how the story goes
Brown Sugar got me open now I want some more
Always down for a ménage à trois
But I think I’ma hit it solo, hope my don’t mind
Stick out my tongue
And I’m ’bout ready to hit this gritty pretty bitty with my sisters
(Yo, I don’t think y’all hear me)

Brown Sugar, babe
I gets high off your love, don’t know how to behave

I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)

I want some of your brown sugar (sugar)
(Gimme some of your brown sugar, babe)

I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)
I want some of your brown sugar (sugar)

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Lunedì 8 settembre 2025 Rick Davies, cofondatore, compositore voce e tastierista dei Supertramp è morto all’età di 81 anni, a causa di un tumore sanguigno diagnosticato nel 2015. È stato un artefice di un rock-pop elegante e universale

Inizi precoci e fama sempiterna con i Supertramp

Rick Davies nacque a Swindon (Gran Bretagna) nel 1944 ed iniziò giovanissimo a suonare il pianoforte, sviluppando un forte legame con il rhythm & blues. Nel 1969 fondò i Supertramp, gruppo che troverà una formazione stabile a metà anni ’70 e che con album come “Crime of the Century” (1974) e “Breakfast in America” (1979) raggiunsero fama mondiale, intrecciando melodie pop e raffinatezza progressiva. Dopo l’uscita del co-leader Roger Hodgson nel 1983, Davies portò avanti i Supertramp mantenendo lo spirito originario, pur con fortune alterne. Negli anni Duemila iniziò a combattere con i suoi problemi di salute ma restò comunque punto di riferimento: la sua visione musicale e il suo timbro vocale ruvido resteranno sempre marchi inconfondibili.

L’importanza musicale dei Supertramp

I Supertramp seppero coniugare l’intimismo del cantautorato con l’ampiezza del rock progressivo e l’accessibilità del pop radiofonico. L’uso caratteristico del pianoforte elettrico Wurlitzer, unito agli arrangiamenti orchestrali ed a testi dal tono ironico o introspettivo, diede vita a un linguaggio musicale unico, facilmente riconoscibile. Brani come “The Logical Song”, “Dreamer” e “Goodbye Stranger” riuscirono a parlare a milioni di ascoltatori senza rinunciare alla complessità armonica. In un’epoca segnata dalla discomusic e dall’hard rock, i Supertramp furono capaci di costruire un ponte: la loro musica rimane un esempio raro di equilibrio tra sofisticazione artistica e successo commerciale globale.

Il significato di “Goodbye Stranger”

Pubblicata nel 1979 nell’album “Breakfast in America”, “Goodbye Stranger”  riflette sul tema della libertà individuale e del rifiuto dei legami troppo stretti. Rick Davies canta con tono disincantato il destino del viaggiatore che non si ferma: “It was an early morning yesterday / I was up before the dawn”: un inizio che introduce il tema del costante andare. Il ritornello ribadisce la scelta di restare fedele solo a sè stessi: “Goodbye stranger, it’s been nice / Hope you find your paradise”. La canzone diventa così un inno alla vita nomade, al non lasciarsi imprigionare da relazioni o luoghi, mantenendo sempre viva la propria identità. E lasciando un buon ricordo a chi abbia fatto insieme un pezzo di strada.

Il video di “Goodbye Stranger”

Il testo di “Goodbye Stranger”

It was an early morning yesterday
I was up before the dawn
And I really have enjoyed my stay
But I must be moving on

Like a king without a castle
Like a queen without a throne
I’m an early morning lover
And I must be moving on

Now I believe in what you say
Is the undisputed truth
But I have to have things my own way
To keep me in my youth

Like a ship without an anchor
Like a slave without a chain
Just the thought of those sweet ladies
Sends a shiver through my veins

And I will go on shining
Shining like brand new
I’ll never look behind me
My troubles will be few

Goodbye stranger it’s been nice
Hope you find your paradise
Tried to see your point of view
Hope your dreams will all come true

Goodbye Mary, goodbye Jane
Will we ever meet again
Feel no sorrow, feel no shame
Come tomorrow, feel no pain

Sweet devotion (Goodby Mary)
It’s not for me (Goodbye Jane)
Just give me motion (Will we ever)
To set me free (Meet again)
In the land and the ocean (Feel no sorrow)
Far away (Feel no shame)
It’s the life I’ve chosen (Come tomorrow)
Every day (Feel no pain)

So goodbye Mary (Goodbye, Mary)
So goodbye Jane (Goodbye, Jane)
Will we ever (Will we ever)
Meet again (Meet again)

Now some they do and some they don’t
And some you just can’t tell
And some they will and some they won’t
With some it’s just as well

You can laugh at my behaviour
And that’ll never bother me
Say the devil is my saviour
But I don’t pay no heed

And I will go on shining
Shining like brand new
I’ll never look behind me
My troubles will be few

Goodbye, stranger, it’s been nice
Hope you find your paradise
Tried to see your point of view
Hope your dreams will all come true

Goodbye Mary, goodbye Jane
Will we ever meet again
Feel no sorrow, feel no shame
Come tomorrow, feel no pain

Sweet devotion (Goodbye, Mary)
It’s not for me (Goodbye, Jane)
Just give me motion (Will we ever)
To set me free (Meet again)
In the land and the ocean (Feel no sorrow)
Far away (Feel no shame)
It’s the life I’ve chosen (Come tomorrow)
Every day (Feel no pain)

So now I’m leaving (Goodbye, Mary)
Got to go (Goodbye, Jane)
Hit the road (Will we ever)
I’ll say it once again (Meet again)
Oh, yes, I’m leaving (Feel so sorrow)
Got to go (Feel no shame)
Got to go (Come tomorrow)
I’m sorry, I must dash (Feel no pain)

So goodbye Mary (Goodbye, Mary)
So goodbye Jane (Goodbye, Jane)
Will we ever (Will we ever)
Meet again? (Meet again)

Go and believe it

I’ve got to go

 sito internet

supertramp.com

L’estate sta volgendo al termine, ma il calendario globale dei festival non conosce soste e continua a regalare appuntamenti imperdibili in ogni angolo del mondo. Dai grattacieli di Tokyo fino alle spiagge brasiliane, passando per l’Europa, gli Stati Uniti e il Nord Africa, le prossime settimane offriranno un itinerario sonoro ricchissimo, capace di soddisfare tutti i gusti e tutte le generazioni.

Il viaggio parte dal Giappone con ULTRA JAPAN, in programma a Tokyo il 13 e 14 settembre. Una lineup stellare con Calvin Harris, DJ Snake e Martin Garrix promette due giorni di pura energia elettronica. Subito dopo, dal 18 al 20 settembre, ci si sposta in Svizzera per SUNICE, ad Ascona, dove HUGEL, Lilly Palmer e WhoMadeWho guideranno tre giorni di musica immersi in un contesto unico tra montagne e lago.

Attraversando l’Atlantico, gli Stati Uniti ospitano diversi eventi di rilievo: a Las Vegas arriva UNITY, con appuntamenti scaglionati tra settembre e ottobre che vedranno protagonisti Chase & Status, Eli Brown e Kaskade (19-20, 26-27 settembre, 17-18 ottobre). Poco dopo, sarà San Diego ad accogliere il CRSSD Festival (27-28 settembre), con artisti come Ben Böhmer, John Summit e Purple Disco Machine.

Non mancano le tappe mediterranee: a Limassol, Cipro, dal 18 al 21 settembre andrà in scena BEONIX, con nomi del calibro di Armin van Buuren, Boris Brejcha e Maceo Plex. In Italia, Milano diventa protagonista con VISION OPEN AIR (25-27 settembre), dove PAWSA, Peggy Gou e Solomun accenderanno il capoluogo lombardo. Nel frattempo, Londra si prepara a ospitare RESISTANCE (26-27 settembre), con Adam Beyer, ARTBAT e MATHMA.

Il percorso musicale continua in Marocco, a Essaouira, con il MOGA Festival (1-5 ottobre), caratterizzato da sonorità che uniscono modernità e influenze locali grazie a Bedouin, DJ Tennis e Moblack. Subito dopo, Madrid sarà teatro di TIME WARP (10-11 ottobre), che vedrà salire in console leggende della techno come Charlotte de Witte, Jamie Jones e Richie Hawtin.

Infine, il gran finale oltreoceano: TOMORROWLAND BRASIL, in programma dal 10 al 12 ottobre a San Paolo. Una line-up di altissimo livello con ANNA, David Guetta e Reinier Zonneveld chiuderà con spettacolarità un viaggio musicale che attraversa continenti e culture.

foto d’apertura: SunIce Festival – crediti: Nico Favero

Ad agosto, l’Italia diventa un unico, lunghissimo dancefloor. Dalle spiagge assolate della Puglia alle luci cangianti del Tirreno e dell’Adriatico sino a spingersi sino al Friuli, la settimana di Ferragosto è il momento in cui la musica elettronica scandisce le notti d’estate.

Il nostro tour dal tacco dello Stivale, a Gallipoli, dove il Vega Discoteque apre le danze con Jimmy Sax e Andrea Damante il 13 agosto, per poi passare a Capoplaza la sera del 14. Il culmine arriva sabato 16 con Gabry Ponte, leggenda della dance italiana, che nel 2025 non solo firma la sigla del Festival di Sanremo ma si prepara anche a rappresentare San Marino all’Eurovision, dopo aver fatto la storia a giugno con un San Siro tutto per sé e 56mila persone sotto il palco.

Da lì, risalendo verso il Veneto, ci si ferma a Jesolo. Il King’s Club, reduce dall’organizzazione del festival Solid Grooves in riva al mare, il 16 ospita i fratelli Mathame: nati artisticamente alle pendici dell’Etna, hanno trasformato i loro live in esperienze audiovisive che hanno conquistato Tomorrowland e Amnesia Ibiza. Il 23 la consolle passerà a Davide Squillace, Twenty Six e Calvin Clarke, per un altro capitolo ad alto volume.

In Toscana, la festa ha il sapore di casa per Ilario Alicante, che giovedì 14 torna al Tinì Soundgarden di Cecina con un set esteso. Livornese doc, ha iniziato giovanissimo a girare il mondo con brani come “Vacaciones En Chile” e oggi colleziona presenze nei più grandi festival internazionali. Due giorni dopo, sarà la volta di Fatima Hajji e Lee Ann Roberts, protagoniste di una serata tutta al femminile, mentre il 23 agosto arriverà il gran finale di stagione con Da Vid e Leon.

La Riviera Romagnola, invece, non perde il passo, anzi spesso e volentieri continua a dettare la linea: alla Villa delle Rose di Misano Adriatico il 14 agosto sale in consolle James Hype, che dopo le sue residency a Ibiza torna per il terzo anno consecutivo. Da lì in avanti, un calendario serrato: Il Pagante il 15, Prospa e DJ Protein il 16, Bob Sinclar il 22 e Themba il 30, per chiudere l’estate con stile.

E infine, la rotta porta in Friuli Venezia Giulia, a Lignano Sabbiadoro, dove il Ca’ Margherita apre le porte a un maestro della house: David Morales. Dal Paradise Garage di New York ai Grammy Awards, dalle collaborazioni con Madonna e Mariah Carey alla sua etichetta DIRIDIM, Morales sarà il protagonista del 14 agosto. Il weekend proseguirà con il Trapstar Festival il 15 e con DJ Tatanka il 16, per salutare Ferragosto con l’energia delle grandi notti estive.

Quest’anno, più che mai, l’Italia non si limita a festeggiare il Ferragosto: lo trasforma in una maratona di musica e luci, per un vero e proprio itinerario sonoro che attraversa l’intero stivale, dal tacco alla punta e viceversa.

foto d'apertura: Ca' Margherita di Lignano Sabbiadoro

Ozzy Osbourne, indiscusso padrino dell’heavy metal – anche se lui amava definirsi fratello maggiore – è deceduto martedì 22 luglio 2025 a 76 anni. Se ne va un artista irripetibile

Un autentico predestinato

Inglese nato nel Warwickshire nel 1948, cresciuto a Birmingham, John Michael Osbourne divenne Ozzy in quanto così il suo cognome usciva più o meno così dalla sua bocca, causa dislessia che – unita a deficit cognitivi e di attenzione – non faceva certo presagire nulla di buono: la sua adolescenza fu molto turbolenta, poi nel 1969 mise insieme un gruppo composto sul quale nessuno avrebbe scommesso un penny: il gruppo decise di chiamarsi Black Sabbath, prendendo spunto dal nome con il quale fu distribuito nel mondo il film di Lamberto Bava “I tre volti della paura” del 1963. L’album omonimo di debutto fu registrato nel 1969, uscì l’anno dopo e divenne una pietra miliare, se non il principio cominciante dell’heavy metal. Da allora Ozzy Osbourne vendette – con vari gruppi e da solita – circa 100 milioni di album.

Rockstar in tutto e per tutto

Ozzy Osbourne seppe essere rockstar in tutto e per tutto, nel bene e nel male. Nel bene grazie ad una voce e ad uno stile unico, in quanto pioniere dell’heavy metal, per il suo carisma e ovviamente per una carriera leggendaria. Seppe essere unico anche in tv, con la serie The Osbournes, che si portò a casa anche un Emmy Award, gli oscar della televisione. Come per ogni rockstar esplosa tra gli anni sessanta e settanta, anche per Osbourne ci furono tanti momenti oscuri: usi e abusi di droghe ed alcool, un’infinità di comportamenti senza senso – uno su tutti il celeberrimo morso del pipistrello durante un concerto pensando fosse di gomma – il tentato omicidio della moglie, l’uccisione di diciassette gatti e la decisamente insana abitudine di sniffare formiche. A pensarci bene è un miracolo sia arrivato a 76 anni. E soprattutto si sia potuto concedere un epico concerto d’addio pochi giorni prima di morire.

Il significato di “Black Sabbath”

La canzone “Black Sabbath” (Sabba Nero, una sorta di raduno di streghe) è il brano d’apertura del succitato album di debutto del gruppo britannico. Un pezzo oscuro, quasi minaccioso, decisamente cupo e le parole non sono da meno.  Il testo racconta l’esperienza di un uomo che si sveglia e si trova di fronte ad una figura demoniaca, descritta come una “Black shape with eyes of fire” (figura nera con occhi di fuoco). Il protagonista è terrorizzato e si chiede che cosa succeda, che cosa abbia di fronte: il diavolo, paranoie, l’inferno o addirittura la morte? Pensieri e angosce che ognuno affronta come crede e come può: Ozzy Osbourne li ha saputi esorcizzare tutti quante in vita, non sempre scegliendo la via migliore. Chissà come le starà approcciando adesso. Probabile li stia prendendo a morsi come quel povero pipistrello.

Il video di “Black Sabbath”

Il testo di “Black Sabbath”

What is this that stands before me?
Figure in black which points at me
Turn around quick, and start to run
Find out I’m the chosen one

Oh nooo!

Big black shape with eyes of fire
Telling people their desire
Satan’s sitting there, he’s smiling
Watches those flames get higher and higher

Oh no, no, please God help me!

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@ozzyosbourne

Lo statunitense Sylvester Stewart alias Sly Stone è deceduto lunedì 9 giugno 2025 ad 82 anni. Pochi artisti hanno avuto un impatto così fondamentale nella storia della musica.

Un autentico rivoluzionario

Con la sua band, Sly and the Family Stone, Sly Stone ha saputo unire prima di chiunque altro funk, rock, soul, psichedelia e R&B: prima e dopo di lui nessuno c’è mai riuscito e nemmeno ha provato ad avvicinarsi ad esperimenti sonori di questo livello. Esperimenti riuscitissimi in quanto perfettamente spontanei e naturali. Con la sua band, Sly and the Family Stone, ha creato un sound innovativo che univa come un unicum funk, soul, rock, psichedelia e R&B. Questo approccio senza catene né barriere ha posto le basi per generi futuri quali in primis funk moderno e hip-hop: Michael Jackson, George Clinton e Lenny Kravitz lo hanno sempre considerato il loro indiscusso maestro, così come tanti brani urban hanno preso tantissimo spunto dai loro brani, ergo hanno campionato i suoi dischi come se non ci fosse un domani.

Un avanguardista allo stato puro

La legacy di Sly Stone va oltre l’ambito musicale: ha infatti saputo dare voce e vetrina e ribalta ad una società in fermento. Negli anni sessanta gli Stati Uniti erano spaccati in due da tensioni razziali e sociali: Sly and the Family Stone fu uno dei primi gruppi ad essere inclusivo nei fatti, non a parole, non sventolando bandiere a casaccio, lanciando messaggi melliflui o partecipando a carnevalate spacciate per cortei umanitari. Fu infatti una delle prime band ad essere formati da musicisti neri e bianchi, da uomini e donne: la via maestra per unità, uguaglianza e cambiamento veniva finalmente intrapresa.

Una canzone manifesto

Difficile scegliere un’unica canzone nel vastissimo repertorio di Sly Stone, valga per tutte “Everyday People”, uscita nel 1968, nello stesso anno dell’assassinio di Martin Luther King, dei movimenti civili che si compattarono contro la guerra in Vietnam e delle mai sopite tensioni razziali. “Everyday People” seppe lanciare un semplice ma allo stesso tempo potentissimo: tutti siamo uguali, nonostante le nostre differenze. La frase chiave di questa canzone è senza dubbio “different strokes for different folks”, che si può tradurre “ognuno è fatto a modo suo” e che negli anni è diventa un mantra, un aforisma, un inno alla libertà individuale, a non farsi trascinare dai pregiudizi ma soprattutto dai luoghi comuni, questi ultimi ai giorni nostri molto più pericolosi dei pregiudizi stessi.

Il video di “Everyday People”

Il testo di “Everyday People”

Sometimes I’m right, I can be wrong.
My own beliefs are in my song.
A butcher, a banker, a drummer, and then
makes no difference what group I’m in.

I am everyday people! (yeah yeah)

There is a blue one who can’t accept the green one
for living with the black one trying to be a skinny one
Different strokes, for different folks!
And so on, and so on, and scooby-dooby-doo. (oooh, sha sha!)

We’ve got to live together!
I am no better, and neither are you.
We are the same whatever we do.
You love me, you hate me, you know me and then,
you can’t figure out the bag I’m in.

I am everyday people! (yeah yeah)

There is a long hair who doesn’t like the short hair
for being such a rich one that will not help the poor one.
Different strokes, for different folks!
And so on, and so on, and scooby-dooby-doo. (oooh, sha sha!)

We got to live together!
There is a yellow one who won’t accept the black one
who won’t accept the red one who won’t accept the white one.
Different strokes, for different folks!
And so on, and so on, and scooby-dooby-doo. (oooh, sha sha!)
I am everyday people!

sito internet
sly stone music

Se il pugilato fu definito the noble art, merito è anche e soprattutto di pugili come Nino Benvenuti, classe 1938, passato come suol dirsi a miglior vita il 20 maggio 2025

Un uomo di frontiera

Giovanni Benvenuti detto Nino è stato un uomo di frontiera sin dalla sua nascita, avvenuta in quel di Isola, comune ed area che – per limitarci soltanto agli ultimi 100 anni – fu prima territorio austriaco, poi italiano, poi jugoslavo ed infine sloveno, passaggi per Isola tutt’altro che indolori, anche e soprattutto per le foibe nell’immediato dopoguerra. Nino Benvenuti si appassionò da subito al pugilato, sulle orme del padre: da adolescente iniziò ad allenarsi all’Accademia Pugilistica di Trieste, percorrendo ogni volta il tragitto da casa alla palestra – quasi 90 chilometri tra andata e ritorno – sempre in bicicletta.

Record su record

Dopo diversi titoli nazionali, nel 1960 la prima consacrazione: la medaglia d’oro alle Olimpiadi di Roma nella categoria pesi welter, battendo in finale il sovietico Jurij Radonjak; si aggiudicò addirittura il titolo di pugile tecnicamente migliore del torneo, davanti persino a Cassius Clay. Fu poi Campione mondiale dei superwelter tra il 1965 e il 1966, europeo dei medi tra il 1965 e il 1967, e iridato dei medi tra il 1967 e il 1970. Passate alla storia la sua rivalità con Sandro Mazzinghi e soprattutto i match con lo statunitense Emile Griffith, questi ultimi rubricati come una autentica trilogia. Si ritirò nel 1971 con un 82 vittorie, 35 per KO, soltanto 7 sconfitte e 1 pareggio. Il più grande pugile italiano di sempre? Probabilmente sì, anche e soprattutto perché ai suoi tempi il pugilato era uno sport di altissimo livello, con una concorrenza spaventosa, non come adesso che è uno sport abbastanza sparito dai radar principali. Gli incontri di Benvenuti furono in grado di radunare 40mila persone allo stadio di San Siro in Milano e 18 milioni davanti alla tv per una diretta notturna da New York.

Campione dentro e fuori dal campo

Nino Benvenuti era il pugile gentiluomo, capace di colpire senza infierire e di vincere senza umiliare. La sua eleganza si estese ben oltre il ring. Attore, volto televisivo, commentatore: Benvenuti fu un personaggio completo, portando il pugilato nella cultura popolare italiana con uno stile sobrio e autentico. Anche dopo la fine della carriera, seppe restare protagonista, diventando ambasciatore dello sport e modello di etica sportiva. Sempre con il suo stile, identico dentro e fuori dal ring, prima, durante e dopo la sua carriera: questo distingue le icone dai fuoriclasse e dai campioni. Le icone sanno sempre come comportarsi e che cosa dire e soprattutto non dire dopo il ritiro dalle competizioni. In questo Nino Benvenuti non aveva rivali, abile a muoversi con la stessa eleganza sul ring e fuori dal ring. Perché i rivali – così come le proprie paure, i propri demoni e le proprie ossessioni – non sempre si battono con i guantoni da boxeur.

Non sono pochi i calciatori e gli allenatori argentini meritevoli dell’appellativo di “El Loco”, ma due se lo sono conquistato a pieno titolo: l’allenatore Marcelo Bielsa e il portiere Hugo Orlando Gatti, morto domenica 20 aprile 2025. Ad agosto avrebbe compiuto 81 anni. Non proprio l’argentino più celebre deceduto in questo fine settimana pasquale ma tant’è.

Una grande carriera

Capelli lunghi sulle spalle come imponeva la moda degli anni settanta, fascetta da tennista sempre ben assisa in testa, tratti somatici da indio dei quali andava giustamente fierissimo, Hugo Gatti iniziò la sua carriera nel 1962 e si ritirò nel 1989 a 44 anni. Capace di giocare sia nel River Plate sia nel Boca Juniors – come se un politico si fosse schierato sia con il PCI sia con l’MSI per rendere l’idea – di lui si accorse il mondo intero nel 1977, quando con il Boca si aggiudicò Coppa Libertadores, la Champions League del Sud America, e Coppa Intercontinentale, che decretava di fatto la miglior squadra del mondo.

Tutto sembrava apparecchiato per il posto da titolare nella nazionale argentina che nel 1978 avrebbe ospitato e vinto la Coppa del Mondo ma quando l’allenatore dell’albiceleste César Luis Menotti gli fece capire che avrebbe preferito il portiere del River Ubaldo Filliol, Hugo Gatti fece il gran rifiuto, non accettò il probabile ruolo di riserva e a quei mondiali non ci andò. In merito a questa sua assenza si favoleggiò e nacquero diverse leggende metropolitane, mai quanto quelle che riguardarono El Trinche; e nemmeno Maradona (classe 1960) fu convocato perché ritenuto troppo giovane.

El loco e Maradona

E proprio a Maradona va ascritto uno degli aneddoti più memorabili che riguardano Hugo Gatti: nel 1980 prima di affrontare l’Argentinos Juniors di Diego Armando Maradona, El Loco lo provocò pesantemente, dandogli del grassone e dicendosi sicuro che non gli avrebbe mai segnato. El Diez gli fece quattro gol in pochi minuti: da allora divennero amici per la pelle e guai se qualcuno osava paragonargli altri giocatori a Maradona. Del resto Gatti era sempre pronto ad esternare invettive al curaro, le stesse che nel post carriera ha dispensato nel suo ruolo di opinionista a El Chiringuito, trasmissione televisiva spagnola che da sempre regala grandi gioie a chi cerca le chiacchiere da bar migliori di quelle che ci vengono dispensate in Italia.

Un portiere avanguardista

Da qualche anno i portieri devono anche saper giocare con i piedi, fare lanci lunghi e precisi per gli attaccanti, se serve ricorrere a qualche dribbling e soprattutto dare il via all’impostazione dal basso, filosofia calcistica che ha fatto più danni che altro ma dalla quale ormai pare non si possa tornare più indietro. Ecco, quando si vedono in azione i vari Neuer, Szczęsny, ter Stegen e via elencando, ci si ricordi che tutto questo faceva parte del repertorio di Hugo Gatti sin dagli anni sessanta, anzi si può e si deve dire che Hugo Gatti ne sia stato l’assoluto precursore, con quel pizzico di follia che forse soltanto René Higuita con la mossa dello scorpione ha saputo se non eguagliare quantomeno omaggiare.

Un attaccante che giocava in porta

Di sicuro non vedremo mai più un portiere durante una partita sedersi sopra la traversa della sua porta perché si stava annoiando, tenersi una borraccia con la vodka vicino ai pali per farsi un goccetto per non sentire il freddo, giocare una partita d’addio di una gloria colombiana indossando la maglia della squadra rivale dove stava per essere tesserato e facendo stracciare così un contratto praticamente già firmato. Nel frattempo resta suo il primato delle partite più giocate nei campionati argentini – qualcuno dice 817, altri 755, altri ancora 787, vexata quaestio, visto che in Argentina ogni anno si giocano di fatto due campionati – e dei rigori parati, ben 26. Primato che condivide con Filliol, con il quale avrebbe potuto alzare la Coppa del Mondo nel 1978 ma El Loco decise che non era cosa. Non sarebbe stata una mossa “da attaccante che gioca in porta” come amava definirsi Hugo Orlando Gatti.

Aprile 2025: il calendario dei club e dei festival con protagonista la musica elettronica si infittisce sempre più, complici – in Italia – tre prefestivi (quasi) consecutivi, così come le alternative all’estero non mancano di certo. Ecco la nostra guida a prova di millennial

In Italia

Sabato 19 aprile le Sisters Cap suonano a La Villa del Colle di Colle Salvetti, in provincia di Livorno. Per le sorelle Capriati doveroso ricordare la recente soddisfazione di aver visto il loro brano “Save My Life” selezionato per la colonna sonora di “One Year”, il film che racconta il 2024 dell’epico festival Tomorrowland. Domenica 20 al Ca’ Margherita di Lignano Sabbiadoro (Udine) accoppiata urban e techno con Icy Subzero e Ingrid: una serata che è una vera e propria anteprima della stagione estiva del club di Lignano e che fotografa bene le tendenze attuali del clubbing italiano, dove il pubblico preferisce questi due generi musicali rispetto a tanti altri.

Pasqua elettronica

Sempre domenica 20 al King’s di Jesolo (Venezia) arriva il dj e producer greco ARGY, capace di ispirarsi alla saga cinematografica di Matrix per comporre il suo ultimo album e da anni presente negli eventi elettronici che contano, non ultimo gli show di ANYMA alla Sphere di Las Vegas; al Peter Pan Club di Misano Adriatico (Rimini) arriva in console il dj svizzero-cileno Lucien Nicolet meglio noto come Luciano (si pronuncia all’ispanica, Lusiano), protagonista a Ibiza di serate rimaste nell’immaginifico popolare come Vagabundos, un deejay che quando suona sa sempre trasmettere felicità. Restiamo in Romagna per segnalare l’Afroraduno alla Baia Imperiale di Gabicce (Pesaro-Urbino) con l’inossidabile trio composto da Daniele Baldelli, Mozart e L’Ebreo, assoluti pionieri del djing in Italia e che hanno fatto danzare almeno tre generazioni, se non quattro, di irriducibili clubbers. Chiudiamo la carrellata con il ritorno del format A Spirit of Trance, al Gatto & La Volpe di Ferrara con gli egiziani Vini Vici, 27esimi nella Top 100 DJs Poll 2024 della rivista inglese DJ Mag.

Coachella e dintorni

Anche durante il lungo week-end di Pasqua non mancano di certo i festival. Si staglia ovviamente su tutti il secondo ed ultimo fine settimana del Coachella, in programma in California da venerdì 18 a domenica 20 aprile, mai come quest’anno con tantissimi artisti elettronici, ben un terzo del totale, con nomi quali Above & Beyond, Amelie Lens, Keinemusik, Kraftwerk, Indira Paganotto e Sara Landry; tornando in Europa, spiccano SunIce in Svizzera dal 17 al 20 e Terminal V in Scozia il 19 ed il 20. Il calendario mondiale dei festival non si ferma davvero mai, a prescindere da festivi e prefestivi: sempre ad aprile menzione d’obbligo per Ultra Buenos Aires in Argentina venerdì 18 e sabato 19 aprile, A Thousand And One a Riad in Arabia Saudita il 24 ed il 25 , EDC Korea a Seoul in Corea del Sud venerdì 25 e sabato 26,  per Zamna Egypt ad Il Cairo (Egitto), sempre il 25 ed il 26.

Ibiza, Aperyshow, ex Macello

Dopo aver ricordato che dal 23 al 28 aprile Ibiza celebra le aperture di quasi tutti i suoi locali – Chinois, DC-10, Hï, Pacha, Ushuaïa, in rigoroso ordine alfabetico – ed uno dei più importanti momenti di ritrovo per gli addetti ai lavori come l’International Music Summit, il nostro excursus è in pratica arrivato a fine aprile. Spazio ordunque a due segnalazioni più che doverose: Aperyshow Charity Event, il primo Charity Festival italiano in programma ad Arsego (Padova) dal 24 al 27 aprile, il 30 aprile ed il 1° maggio con oltre 300 artisti e Vision Open Air all’ex Macello di Milano, in calendario mercoledì 30 aprile con Ilario Alicante e la prima mondiale del suo nuovo format LINK. Parafrasando Franco Battiato, vogliamo vedervi danzare, Millennial e non.

foto d’apertura: Pacha di Ibiza 

Gianni Pettenati è deceduto il 22 febbraio 2025 dopo una lunga malattia. Avrebbe compiuto 80 anni ad ottobre. La sua canzone “Bandiera Gialla” è stata molto di più di un inno generazionale

Da una cover all’altra

Cantante e critico musicale, originario di Piacenza, Gianni Pettenati ebbe una più che solida formazione accademica, arrivando a recitare in teatro le opere di Pirandello. A 20 anni vinse il festival musicale di Bellaria – dove nel frattempo cresceva una certa Raffaella Carrà – nel 1966 incise il suo primo disco a 45 giri, una cover di “Like A Rolling Stone” di Bob Dylan. Negli anni sessanta era prassi incidere versioni italiane dei grandi successi mondiali, l’inglese non è mai stata una lingua molto praticata nel nostro paese. Non lo è adesso, figuriamoci negli anni sessanta. Sempre nel 1966 Pettenati incise “Bandiera Gialla”, cover di “Thie Pied Piper” del cantante inglese Crispian St. Peters. Sempre nello stesso anno anche Patty Pravo ne fece una cover, come lato B del singolo “Ragazzo Triste”. Per dire il livello, per dire bei tempi. Davvero.

Un inno generazionale

Sono rarissimi i casi delle cover che hanno superato il successo degli originali. “Bandiera Gialla”, incisa da Gianni Pettenati sempre nel 1966, rientra appieno in questa casistica. Il suo merito fu quello che si è soliti descrivere come “zeitgeist”, ergo lo spirito del tempo: i giovani di allora erano nati durante la Seconda Guerra Mondiale o subito dopo, iniziava il boom economico, al cinema le commedie all’italiana spopolavano, c’era voglia di leggerezza, c’era voglia di andare a ballare ed il beat – italiano e straniero – stava iniziando a farla da padrone.

In radio, in discoteca, ovunque

“Bandiera Gialla” era il termine che si utilizzava in radio per segnalare i dischi da ballare: il successo della cover di Pettenati fu clamoroso e andò ben oltre un titolo azzeccato ed un testo ed una melodia molto efficaci. “Bandiera Gialla” fu il titolo del memorabile programma radiofonico di Renzo Arbore e Gianni Boncompagni, trasmesso dalla Rai dal 1965 al 1970; nel 1983 divenne il nome di una discoteca sui colli di Covignano a Rimini, poi chiusa e riaperta a più riprese dopo aver rappresentato al meglio la voglia di ballare e divertirsi senza troppi pensieri e senza sentirsi demonizzare chi non ama – eufemismo – le discoteche, soprattutto se si è passati l’età dell’innocenza. Tutto questo perché “quelli che non ci voglion bene / è perché non si ricordano / di esser stati ragazzi giovani / e di aver avuto già la nostra età”. Gianni Pettenati aveva davvero capito tutto. Più di tanti moralisti e sociologi un tanto al chilo.

Il video di “Bandiera Gialla”

Il testo di “Bandiera Gialla”

 Sì, questa sera è festa grande
Noi scendiamo in pista subito
E se vuoi divertirti vieni qua
Ti terremo fra di noi e ballerai

Finché vedrai
Sventolar bandiera gialla
Tu saprai che qui si balla
Ed il tempo volerà

Saprai
Quando c’è bandiera gialla
Che la gioventù è bella
E il tuo cuore batterà

Sai, quelli che non ci voglion bene
È perché non si ricordano
Di esser stati ragazzi giovani
E di aver avuto già la nostra età

Finché vedrai
Sventolar bandiera gialla
Tu saprai che qui si balla
Ed il tempo volerà

Saprai
Quando c’è bandiera gialla
Che la gioventù è bella
E il tuo cuore batterà

Finché vedrai
Sventolar bandiera gialla
Tu saprai che qui si balla
Ed il tempo volerà

Saprai
Quando c’è bandiera gialla
Che la gioventù è bella
E il tuo cuore batterà

Siamo noi
Siamo noi
Bandiera gialla
Vieni qui
Che qui si balla
E il tuo cuore batterà

Siamo noi
Siamo noi
Bandiera gialla
Vieni qui
Che qui si balla
E il tuo cuore batterà

Pagina Wikipedia

gianni pettenati

La serata del festival di Sanremo dedicata alle cover è da sempre quella più interessante, quella nella quale la musica – almeno per una serata – non è l’ultima cosa che conta

Non se ne può più

Non se ne può più. Non se ne può più del Festival della Canzone Italiana, per tutti il Festival di Sanremo, che quest’anno dall’11 al 15 febbraio 2025 celebra la sua 75esima edizione. Non se ne può più non del Festival in quanto tale, ma di tutto quello che gli gira intorno. In ordine sparso: le domande totalmente ipocrite e retoriche in conferenza stampa sui baci da mandare alla Presidente del Consiglio o se ci si senta antifascisti, dei presentatori da pre e dopo-festival, che non hanno ancora capito che fare il verso a David Letterman, Jimmy Fallon e Ricky Gervais equivale a bestemmiare in chiesa, a porsi come un giocatore del Real Madrid quando non si nemmeno come sia fatto un pallone, non se può più del gossip di quart’ordine e dei retroscena sulla collana di Tony Effe, dei dissing di Fedez, dei giornalisti accreditati che vanno a caccia di selfie con chiunque ostentando il pass come se fosse un passaporto diplomatico e di tutto il resto. Perfetto e impeccabile in tutto questo caos a tenere il punto Carlo Conti, nel ruolo del bravo presentatore di Arboriana memoria, chirurgico nei suoi interventi, preciso come un cronografo svizzero, senza alcuna concessione alla retorica e con un tono di voce da medico condotto che è il tono più adatto per uno spettacolo televisivo come il Festival.

Viva le cover

Sanremo è un prodotto ad uso e consumo della tivù – della Rai in particolare – ma sa riflettere alla perfezione lo stato attuale della discografia italiana, in un mercato molto locale dove dominano gli evergreen, i trapper ed i reduci dai talent show e ovviamente il numero dei follower sui social: in quest’ottica il cast dei 29 partecipanti all’edizione di quest’anno è stato calibrato come era fisiologico accadesse. Altrettanti salti mortali sono stati fatti per la serata di venerdì 14 febbraio, quella dedicata ai duetti ed alle cover, dove non tutti hanno saputo fare la scelta giusta, anche perché prima di avventurarsi nell’eseguire brani di Simon & Garfunkel e Alicia Keys sarebbe stato meglio pensarci non una ma dieci se non 100 volte. Clara e Serena Brancale, la prossima volta meglio volare un po’ più basso.

Se per alcune esibizioni il destino era già scritto, altre invece hanno saputo guardagnarsi una sufficienza più che piena, al netto delle tifoserie presenti al Festival e che applaudivano a prescindere. Chi si sarebbe aspettato ad esempio una performance molto pulita da parte di Tony Effe, che insieme a Noemi – entrambi in gara – hanno cantato “Tutto il resto è noia” di Franco Califano. Bravo Tony Effe a stare nel suo, anche nel look da Tony Montana in Scarface, quasi a rappare il testo, a non avventurarsi nel canto, compito quest’ultimo lasciato a Noemi. Oltre a “Sesso e Samba” c’è davvero di più in Tony Effe e ci fa hanno piacere scoprilo nella serata delle cover.

Molto bravo anche Lucio Corsi – a parte insistere in un make-up da Marylin Manson de noantri – nell’atipico duetto con Topo Gigio dedicato a “Nel blu dipinto di blu”: l’artista c’è tutto, uno dei pochi che dà tutto sé stesso sul palco e non necessita di altro. A Gaia con Toquinho va il voto più alto, per quanto ci riguarda: la loro esecuzione di “La voglia, la pazzia” di Ornella Vanoni è stata un manifesto di come si dovrebbe cantare una cover: omaggiando l’orginale, eseguendola con una perfezione assoluta, ma aggiungendo quel tocco in più che se non si ha, non ce lo si può dare. Se poi si è affiancati per non dire accompagnati da un maestro come Toquinho, la direzione che si prende è da subito quella giusta. Molto bene davvero.

Chiudiamo con le ultime due esibizioni che abbiamo seguito: Giorgia e Annalisa c’hanno provato e si sono anche impegnate – soprattutto Giorgia – con “Skyfall”, ma competere con la voce originale di Adele è una mission impossible per chiunque al mondo o comunque accessibile soltanto per un’elitè ristrettissima che non abbiamo visto a Sanremo, né stasera né quasi mai. Altrettanto ardita la missione intrapresa da Simone Cristicchi e la sua compagna Amara con “La Cura” di Franco Battiato: in questo caso prova ampiamente superata, grazie anche al prezioso contributo di Amara che ha aperto il pezzo cantando in aramaico, grazie ad un duetto finalmente ben coordinato ed affiatato e all’accompagnamento dell’orchestra, capace di stare al suo posto come non sempre questa sera ha saputo non ha voluto fare. Anche loro va il nostro sentito plauso. Tutto questo accadeva sino alle 23.30 di venerdì 14 febbraio 2025. Anche per quest’anno può bastare così, prima di dover sentire l’ennesima battuta di Geppi Cucciari che non avrà fatto ridere nemmeno stavolta e di vedere un Johnson Righeira in stato di grazia – autentico Johnny Rotten italiano –  trascinare letteralmente di peso i Coma Cose mentre provavano a cantare “L’estate sta finendo”.

foto d’apertura: Gaia – crediti: Michele Perna
foto di chiusura: Cristicchi e Amara – crediti: Giorgio Amendola

 Dražen Dalipagić, per tutti Praja Dalipagić, è deceduto il 25 gennaio 2025 dopo una lunga malattia. Con la nazionale jugoslava di pallacanestro ha vinto tutto quello che c’era da vincere e va considerato il migliore tiratore europeo della storia.

 Gli Jugoslavi nello sport sono sempre stati eccezionali: nel calcio erano soprannominati i brasiliani d’Europa, per il loro estro e la loro tecnica senza eguali. La sua nazionale di basket tra gli anni settanta e ottanta ha vinto tutto quello che c’era da vincere: Olimpiadi (1980), Mondiali (1978) ed Europei (1973, 1975, 1977), giusto per citare gli allori colti con Dražen Dalipagić in campo. La Jugoslavia avrebbe poi vinto gli Europei nel 1989, i Mondiali nel 1990, di nuovo gli Europei nel 1991, prima di dissolversi come nazione nel 1992 e quindi sparire anche nelle varie competizioni sportive, cedendo il passo – certo non in maniera indolore, anzi, e con almeno un paio di episodi sportivi ad altissimi tasso di drammaticità  – a Croazia, Serbia, Slovenia ed altre nazioni. Il resto è davvero storia.

Un autentico fuoriclasse

Dalipagić era alto 1 metro e 97 centimetri, il suo ruolo era quello di ala piccola e giocò per molto tempo in Italia a Venezia, Udine e a Verona. Il 25 gennaio 1987 – sì proprio il 25 gennaio di 38 anni fa – stabilì il record personale con 70 punti nella partita Giomo Venezia-Dietor Bologna. Coach Dan Peterson l’ha descritto meglio di tutti: “tiro micidiale, grande elevazione, intelligenza cestistica, super freddezza in campo”. Quando tirava in sospensione (saltando, per i non adepti della pallacanestro) era una sentenza: quasi impossibile sbagliasse, davvero non è retorica considerarlo uno dei più grandi tiratori di tutti i tempi. Il tutto frutto di un grande talento ma anche di tantissimo lavoro in palestra. Per lui l’allenamento iniziava dopo l’allenamento di squadra: ogni volta tirava da ogni posizione almeno 200 volte, ogni giorno che Dio mandava in terra. Talvolta anche dopo le partite. I Millennial conoscono benissimo Stephen Curry, il giocatore dei Golden State Warriors, capace di segnare da metà campo con la stessa facilità con la quale noi apriamo e chiudiamo il frigorifero. Ecco, Dalipagić era la stessa cosa: le sue statistiche non gli rendono del tutto giustizia, perché ha giocato dal 1970 al 1991 ma il tiro da tre punti è stato introdotto soltanto nel 1984. Nella Hall of Fame è stato eletto nel 2004, peccato non averlo mai visto giocare nella NBA.

Quando lo sport era propaganda di stato

Riavvolgiamo il nastro: anni settanta, cortina di ferro, lo sport per le nazioni del patto di Varsavia era la migliore propaganda e per un atleta appartenente al blocco comunista era di fatto impossibile andare a giocare all’estero da professionista se non fuggendo e chiedendo asilo politico. Fece così ad esempio nel 1975 la tennista cecoslovacca Martina Navratilova, che pagò questa scelta vivendo cinque anni da apolide. Sempre a metà degli anni settanta Dalipagić sostenne più di un provino per i Boston Celtics, che erano rimasti impressionati dal talento di questo giocatore jugoslavo.

Quei provini per i Boston Celtics

All’epoca NBA non era quel mastodonte che adesso conosciamo, ma la differenza tra il basket statunitense ed il resto del mondo era ancora più abissale di adesso. Dalipagić sarebbe potuto diventare senza alcuna difficoltà un giocatore NBA ma avrebbe dovuto rinunciare per sempre alla nazionale jugoslava, in quanto avrebbe acquisito lo status di professionista e per giocare nelle nazionali ed andare alle Olimpiadi si doveva restare dilettanti. Situazioni che adesso fanno sorridere ma all’epoca rappresentavano regole inderogabili, impossibili da scavalcare come e più del Muro di Berlino. E tra una carriera negli Stati Uniti e indossare la maglia della Jugoslavia la scelta per Dalipagić non poteva che essere una sola: una scelta ha contributo a renderlo la più grande macchina da canestri europei mai esistita.

Salvatore Tommasi, per tutti Rino Tommasi, è deceduto l’8 gennaio 2025. A febbraio avrebbe compiuto 91 anni. Un giornalista, un conduttore ed un telecronista come ce ne sono stati pochissimi al mondo

La grandezza di un giornalista e di ognuno di noi si misura nell’eredità che si lascia nelle menti, nelle anime e nei cuori altrui. L’eredità che Rino Tommasi lascia a chi l’ha seguito nelle sue telecronache – da solo o in coppia con Gianni Clerici, altro fuoriclasse assoluto – va ben oltre le sue più celebri espressioni quali “circoletto rosso” per sottolineare un punto a tennis da ricordare o “il mio personalissimo cartellino” per giudicare un incontro di boxe. Rino Tommasi era Wikipedia, era gli expected goals, era le statistiche applicate con metodo prima che tutto questo diventasse  sistema, stumento imprescindibile di lavoro, chiacchiere da bar e da social.  “È possibile essere obiettivi, impossibile essere neutrali” una delle sue massime più celebri. Sette parole per descrivere che cosa dovrebbe essere il giornalismo, quasi meglio del più noto assioma “i fatti separati dalle opinioni”.

Una carriera da circoletto rosso
Rino Tommasi ha avuto una discreta carriera tennistica, è stato tra i più grandi organizzatori di incontri di pugilato, per poi dedicarsi a tempo pieno all’attività giornalistica, firma di punta de La Gazzetta dello Sport, direttore dei servizi sportivi di Tele+, autore di libri quali “La grande boxe – 30 anni a bordo ring” e “Da Kinshasa a Las Vegas via Wimbledon. Forse ho visto troppo sport”, che andrebbero studiati e mandati a memoria da chi voglia capire che cosa sia lo sport professionistico o da chi voglia provare a diventare un giornalista, non soltanto un giornalista sportivo. Soprattutto Tommasi ha inventato insieme al già citato Gianni Clerici le telecronache a due voci, merito di una competenza, una cultura e saper cogliere l’attimo e interpretarlo che è prerogativa soltanto dei grandissimi.

Un’eredità senza eredi?
Per i millennial che non hanno avuto modo di ascoltare e leggere con regolarità Rino Tommasi, urge subito un corso accelerato su YouTube. Partendo da quella che è forse la telecronaca migliore di tutti i tempi, in grado ancora di mettere i brividi ogni volta che la si riascolta: la telecronaca del sesto round dell’incontro di boxe tra Marvin Hagler e John Mugabi (“incredibile battaglia”) del 10 maggio 1986 per il titolo mondiale unificato dei pesi medi. Poesia, epica, ma nessuna retorica, qualcosa di unico, da mettere in bacheca insieme al racconto di Victor Hugo Morales del gol di Maradona all’Inghilterra nel mondiale guarda caso sempre nel 1986.

L’unico rischio che si corre dopo aver ascoltato o riascoltato Tommasi & Clerici? Sarà quasi obbligatorio togliere il sonoro ogni volta che capiterà di vedere un incontro di calcio con una telecronaca a due voci. Non sarà un rischio, sarà un sollievo per le nostre orecchie risparmiarsi le urla sguaiate di personaggi per i quali vale sempre quanto disse Dino Risi a Nanni Moretti: “scansati e fammi vedere il film”. In ogni telecronaca Tommasi era lo sceneggiatore e il regista . Tommasi era semplicemente tutto.

Alfredo Fiorito, meglio conosciuto come Dj Alfredo, è deceduto il 24 dicembre 2024 a Ibiza all’età di 71 anni. È stato un pioniere, un visionario, un avanguardista.

Alfredo Fiorito, per tutti Dj Alfredo, era nato a Rosario, in Argentina; la stessa città che ha dato i cosiddetti natali a Lionel Messi, ad Ernesto Che Guevara e a Tomas Felipe Carlovich detto “El Trinche”, calciatore leggendario come soltanto i calciatori argentini sanno essere e del quale abbiamo già avuto modo di raccontare le sue gesta. Alfredo Fiorito divenne Dj Alfredo una volta trasferitosi a Ibiza, dove è morto la vigilia di Natale del 2024. Nel 2021 era stato colpito da ictus ed in seguito era stata lanciata una raccolta fondi per aiutarlo a curarsi.

Amnesia, Balearic Beat, Ibiza, Summer of Love

Quattro sono i punti cardinali per inquadrare il perimetro infinito nel quale si è mosso Dj Alfredo. Amnesia, Balearic Beat, Ibiza, Summer of Love. Amnesia perché è il club dove Dj Alfredo iniziò a suonare nel 1982: la isla era molto diversa rispetto a come la si conosce adesso, era davvero una terra di nessuno, dove c’erano anche le discoteche – niente a che vedere con le astronavi di adesso – ma a maggior ragione era il luogo migliore dove poter sperimentare. Dj Alfredo diede vita a quello che ancora non esisteva: set di ore ed ore nei quali si alternavano pop, soul, funk, jazz, quella che poi sarebbe diventata l’house music e tantissimo altro ancora: nacque così il Balearic Beat. Viaggi sonori allo stato puro.

Balearic beat divenne un genere che non era un genere, molto più di uno stile musicale, un’autentica filosofia di vita che avrebbe permesso ad Ibiza di diventare la isola dance per antonomasia, dove adesso da aprile ad ottobre si concentra il meglio del meglio dei club, delle serate, dei dj. Tutto questo esplose in maniera definitiva nel 1987, quando dj inglesi di assoluto riferimento quali Danny Rampling, Paul Oakenfold e Nicky Holloway conobbero Dj Alfredo ed i suoi set e ne divennero i migliori e più efficaci ambasciatori in tutto il mondo. Da allora la musica dance non sarebbe davvero stata più la stessa. Il tutto raccontato a suo tempo con la sua consueta maestria dal giornalista Fabio de Luca per Rolling Stone, che ben pensato di ripostare il testo del suo articolo con un post sulla pagina Facebook. Non serve davvero aggiungere altro.

Una legacy davvero unica

Dj Alfredo è stato quello che Frankie Knuckles è stato per la House Music e Claudio Coccoluto per la club culture italiana: lascia davvero un vuoto incolmabile ma la stesso tempo una legacy unica, come si evince da quello che per una volta non è retorica definire cordoglio unanime.

L’Amnesia di Ibiza, la sua Amnesia ha voluto ricordarlo su Instagram così: “thank you for the nights and beats we shared together. Your music and vision shaped the sound of Balearic Beat and the soul of Amnesia. So many memories were made through your energy, your legacy will live on our dancefloor forever”.

Il miglior epitaffio è stato però vergato dallo scrittore Irvine Welsh: “a god of dance has left us. If you don’t know who Alfredo is, he’s the reason you got on that Easy Jet or Ryanair to Ibiza”.

 Se qualcuno ha indicato ad Ibiza che direzione prendere, se qualcuno ha fatto sì che il deejay diventasse qualcosa a metà tra uno sciamano ed un direttore d’orchestra, quel qualcuno è stato Alfredo Fiorito, per tutti Dj Alfredo.

foto d'apertura: Dj Alfredo, pagina Instagram Amnesia Ibiza

Le alpi come sfondo e sottofondo, location atipiche e non: da tempo la musica elettronica ed i dj hanno preso possesso in Italia e all’estero delle montagne e tutto quelle che vi gravita intorno. Ecco dove, con il prezioso aiuto di un paio di autorevoli esperti in materia

APRÈS SKI
Après ski: lo dice la parola, anzi le parole: dopo sci, ovvero che cosa fare dopo aver sciato. E che cosa c’è di meglio che ballare su tavoli in legno e darsi alla pazza gioia mentre un dj suona come se non ci fosse un domani? Organizzazioni che non si limitano ai set in rifugi e dintorni ma anche in altre location, come la crew di Lab Apres Ski di Madonna di Campiglio, che a fine novembre ha organizzato un festival con J-AX, Ludwig e DJ Matrix e a Capodanno si trasferisce al Palasport di Carisolo con il format Malachica e la voce di Jeanine; è un autentico pool di après ski invece quello allestito dal team di Super G, presente a Courmayeur, Cervinia e Madonna di Campiglio, con le sue feste White Party e F**K Summer, con ospiti quali Anna, Guè, Tony Effe, nomi che sono soliti riempire club e palazzetti con migliaia e migliaia di persone. A Selva di Valgardena spadroneggia lo Snowbar Ruacia, che ogni giorno propone dj set e musica dal vivo.

l’Hexen Klub di Canazei in Val di Fassa

E quale musica si suona negli après ski? La parola all’esperto.
L’après-ski rappresenta la massima applicazione della regola ‘conta più il brano giusto al momento giusto che il brano rilasciato ieri’ – spiega il dj e producer milanese Sandro Bani, in console tra fine e inizio anno allo Snowbar Ruacia – Con un pubblico sempre diverso giorno per giorno e proveniente da svariati paesi come Italia, Francia, Germania, Austria, Svizzera e Olanda è bellissimo proporre i brani più divertenti degli ultimi vent’anni! Si può suonare un singolo del Il Pagante, così come Disco Pogo dei Die Atzen ma anche un brano di CamelPhat o perché no It’s My Life di Bon Jovi; leggendo la pista a cuor leggero e con cognizione di causa, il risultato è meraviglioso! Provare per credere!”.

Sandro Bani dj

DISCOTECHE
In alta quota non mancano le discoteche, che aprono quasi tutte durante il fine settimana di Sant’Ambrogio, propongono il meglio della loro programmazione durante le festività di fine e inizio anno, qualche locale omaggia come merita il Carnevale, i più ardimentosi si spingono sino alla fine stagione sciistica se non addirittura sino a Pasqua, anche quest’anno quando cade il più tardi possibile, ovvero domenica 20 aprile 2025. Qualche esempio? A Canazei l’Hexen Klub, a Cortina Bilbò e Hierbas, a Courmauyer Repvblic e The Club, a Madonna di Campiglio il Des Alpes, al Sestriere il Tabata.

Organizzare un party in alta quota richiede regole ed un approccio differenti rispetto alle feste al livello del mare? Anche in questo caso parola all’esperto.
“Servono poche regole, ma molto chiare – spiega Alessandro Imarisio meglio noto nel settore come Ale Big Mama, consulente per il gruppo Repvblic, locale ubicato sia a Milano sia a Courmayeur – Internazionalità, ovvero sapersi rivolgersi ad un target eterogeneo e ad un dancefloor che è un mix tra Saint Tropez e Milano, tra Roma e Londra. Versatilità: mescolare stili, linguaggi ed atmosfere, in quanto in alta quota il pubblico cambia ogni settimana, se non ogni week-end”.

Ale Big Mama

Aggiungiamo esperienza e adattabilità?
“Esattamente. L’altitudine regala un panorama mozzafiato, si balla in un contesto rustico e goliardico, dove l’hype si crea in cima alla seggiovia e la fatica cede il passo a ritmi contagiosi. Il tutto tenendo ben presente che in alta quota si deve sempre essere pronti a fronteggiare il tempo instabile, servono quindi piani B, C e D e pertanto i rigidi schematismi del clubbing cittadino devono cedere il passo a maggiore elasticità in modo che ognuno trovi il suo posto al sole, anzi sulla neve!”.

FESTIVAL
Da anni il fascino della montagna ha fatto breccia anche nel mercato dei festival che abbiano come protagonista la musica elettronica. Lo dimostra la presenza in calendario di appuntamenti di primissima fascia, in calendario in particolare in Austria, in Francia, in Svizzera e in quel di Andorra.

elrow snowrow

Da sabato 15 a sabato 22 marzo è in programma all’Alpe d’Huez (Francia) Tomorrowland Winter, l’edizione invernale dell’epico festival belga, che proporrà oltre 150 artisti, quali Amelie Lens, Meduza e Nina Kraviz; doppio week-end a Crans Montana (Svizzera) per il festival Caprices, in calendario da venerdì 4 a domenica 6 e da venerdì 11 a domenica 13 aprile 2025 con Black Coffee, Ben Klock e Luciano; da venerdì 4 a lunedì 7 ad Andorra elrow snowrow con Adam Beyer, Guti e Marco Carola; da lunedì 7 a sabato 12 torna a Mayrhofen (Austria) Snowbombing, con Armand van Helden, The Prodigy e TSHA.

Si fa davvero festa in alta quota, la si fa sempre di più, la si fa sempre meglio.

foto d'apertura: Tomorrowland Winter

La gara per il miglior spot natalizio del 2024 ha già un vincitore: Amazon, con “L’Opera di Mezzanotte”, che vede protagonista uno delle tante sublimi canzoni dell’inarrivabile Burt Bacharach. Un capolavoro

Lo spot natalizio di Amazon si intitola “L’Opera di Mezzanotte” (Midnight Opus) e racconta di un addetto alle pulizie impegnato nella sua routine quotidiana e che svolge il suo lavoro cantando. Cantando così bene che tutti i suoi colleghi non possono non accorgersene: con un passaparola – che si snoda anche attraverso l’acquisto via Amazon Prime di una giacca da smoking – gli organizzano il palco, la regia ed un sottofondo strumentale per farlo esibire: la canzone che il protagonista dello spot prima canticchia tra sé e sé e poi sul palco davanti ai colleghi, tutti uno più commosso dell’altro, è “What the World Needs Now is Love”, brano del 1965, testo di Hal David e musica dell’immenso Burt Bacharach, cantata in origine da Jackie DeShannon e reinterpretata tra gli altri da Dionne Warkwick, Tom Jones, Tony Bennett e – attenzione – presente nella colonna sonora di Joker 2, nel medley cantato da Nick Cave; “Slap Slap That Bass” e “Get Happy” le altre due canzoni di questo medley. In Joker 2 compare un altro evergreen di Bacharach, “(They Long to Be) Close to You”, che abbiamo già raccontato in un nostro precedente articolo.

il significato di “What the World Needs Now is Love”

Lo spot di Amazon non poteva scegliere canzone migliore per celebrare il Natale con questo autentico capolavoro: “What the World Needs Now is Love” ci ricorda che basta davvero poco per rendere felici gli altri: un sorriso, saper dire grazie, saper chiedere scusa, saper ascoltare, cedere il passo o non affrettarlo se chi ci sta vicino non riesce a sostenere i nostri ritmi, dare senza chiedere per forza qualcosa in cambio. Altre regole che i tempi moderni sembrano aver dimenticato? Saper dire la parola giusta al momento giusto o meglio ancora capire quando tacere e mettersi di lato se non da parte, alzare lo sguardo verso l’interlocutore invece di rivolgerlo sempre al proprio telefono, salvo brandirlo per chiedere un selfie o usarlo per fotografare o filmare un concerto o un dj set dalla prima all’ultima canzone. Basta davvero poco per non fare agli altri quello che non vorresti mai fosse mai fatto a te, per regalare un’emozione, per non smettere di vivere i propri sogni e soprattutto per aiutare gli altri a viverli. Anche soltanto per pochi attimi, attimi che valgono una vita.

Il video di “What the World Needs Now is Love”

Il testo di “What the World Needs Now is Love”

What the world needs now is love, sweet love
It’s the only thing that there’s just too little of
What the world needs now is love, sweet love
No not just for some but for everyone

Lord, we don’t need another mountain
There are mountains and hillsides enough to climb
There are oceans and rivers enough to cross
Enough to last till the end of time

What the world needs now is love, sweet love
It’s the only thing that there’s just too little of
What the world needs now is love, sweet love
No, not just for some but for everyone

Lord, we don’t need another meadow
There are cornfields and wheat fields enough to grow
There are sunbeams and moonbeams enough to shine
Oh listen, Lord, if you want to know

What the world needs now is love, sweet love
It’s the only thing that there’s just too little of
What the world needs now is love, sweet love
No, not just for some but for everyone

No, not just for some, oh, but just for everyone

sito internet
amazon.com

Quincy Delight Jones Jr. è deceduto il 3 novembre 2024 a Los Angeles alla veneranda età di 91 anni. Se ne va una delle personalità più decisive nella storia della musica, se non la più decisiva

Il senso del ritmo 

Il senso del ritmo ed il tempismo sono tutto, nella vita e soprattutto nella musica. Due delle tantissime qualità che hanno sempre contraddistinto Quincy Jones, per tutti il producer dell’album “Thriller” di Michael Jackson – per molte classifiche l’album più venduto della storia  – della canzone benefica “We Are The World” guidando da autentico venerabile maestro un all stars team composto tra gli altri da Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Diana Ross, Ray Charles, Tina Turner, Cyndi Lauper, Billy Joel, Bob Dylan, Bruce Springsteen e Dionne Warwick. Quincy Jones li accolse con un cartellone in studio di registrazione che recitava “Check Your Ego at the Door”. Nessuno osò contraddire questo suggerimento.

Senso del ritmo e tempismo non erano le uniche caratteristiche del produttore statunitense; un’altra regola aurea che ha sempre osservato? Uscire di scena al momento giusto, lasciare il palco – nel suo caso più il dietro le quinte – prima che te lo dicano gli altri. E che cosa c’è di meglio che lasciare il palcoscenico della vita poche ore prima delle elezioni presidenziali americane, destinate giocoforza a prendersi tutte le attenzioni, mediatiche e non, del mondo?

Una carriera irripetibile

Quincy Jones è stato davvero tutto: non soltanto produttore discografico, ma anche arrangiatore, direttore d’orchestra, compositore, trombettista. Ben 26 i Grammy Awards al suo attivo su 76 nomination, ai quali va aggiunto un Grammy Legend Award. Oltre a Michael Jackson, ha contribuito alle produzioni di Miles Davis, Frank Sinatra, Nana Mouskouri, Dinah Washington e The Weeknd, giusto per citare alcuni tra i nomi più rilevanti. Il suo capolavoro fu “Thriller” di Michael Jackson, la sua impresa più titanica fu “We Are The World”: in tutto quello che faceva metteva sempre il suo tocco da indiscusso fuoriclasse, grazie ad una conoscenza della musica maturata sino da giovanissimo – era ancora minorenne e già si esibiva con il suo grande amico di sempre, Ray Charles – e coltivata con uno sguardo sempre teso a cogliere quello che tutti gli altri non potevano nemmeno arrivare a concepire.

Il produttore perfetto

Che cosa distingue il produttore perfetto da tutti gli altri? Quali doti hanno sempre contraddistinto Quincy Jones? Carisma, leadership, pazienza, conoscenze musicali, personali e professionali e tanta, tanta passione. Dentro e fuori gli studi di registrazione. Quincy Jones era un attivista ed era inclusivo nei fatti e non a parole sin dagli cinquanta e sessanta, quando anche soltanto a pensarlo si richiava la pelle: Quincy Jones lo racconta e si racconta nel migliore dei modi in Q, la sua autobiografia uscita nel 2001. Se ne consiglia la lettura in lingua originale, insieme alla visione del documentario “Quincy”, disponibile su Netflix. Il suo lascito più importante? Averci ricordato che non si può vivere senza musica.

“To know where you came from makes it easier for you to get where you’re going”
(Quincy Jones, 1933-2024)

Sono tanti i motivi che nel corso degli anni hanno reso Halloween una delle ricorrenze più ricche di appuntamenti che abbiano come protagonista la musica elettronica. Ecco dieci appuntamenti in Italia ed all’estero, assolutamente da non perdere.

In Italia…

Festival
C2C – Con Halloween in quanto tale il festival torinese C2C ha in comune soltanto la data di svolgimento, o meglio una delle sue date di svolgimento, visto che è in programma in diverse location di Torino da giovedì 31 ottobre a domenica 3 novembre. La sua line-up ha sempre come linea guida il concetto di avant-pop e anche quest’anno lo si evince analiticamente e concettualmente. In cartellone nomi quali Arca, Bicep e Nicolas Jaar (questa volta con la band Darkside).

Monsterland Halloween Festival – il più importante festival italiano di Halloween, nonché uno dei più importanti a livello europeo, torna a Ferrara da giovedì 31 ottobre a sabato 2 novembre. Si inizia giovedì 31 a Ferrara Fiere con sette palchi interni e cinque esterni e la musica tra gli altri di 999999999, Gigi d’Agostino e Rose Villain, si prosegue al Castello di Ferrara venerdì 1° con Ralf e Ruben Mandolini, sabato 2 si torna a Ferrara Fiere con Amelie Lens, Giorgia Angiuli e Renè Zonneveld.

Club
Amnesia Milano – Le tradizioni – datate e recenti – vanno sempre rispettate ed onorate. E due sono le tradizioni e le consuetudini che da sempre uniscono Amnesia Milano e Halloween: l’essere svincolati da maschere, travestimenti, dolcetti o scherzetti e l’extended set di Leon, che giovedì 31 ottobre 2024 stabilirà il record degli undici anni consecutivi di presenza all’Amnesia Milano. Leon è resident da sempre di Music On, con un sound in costante evoluzione.

Matis Club Bologna – Il Matis di Bologna è sempre più al centro della scena del clubbing italiano, grazie ad un’organizzazione alla quale fanno riferimento altri due locali di livello quali il Peter Pan e la Villa delle Rose, entrambi di Misano Adriatico. Al Matis per Halloween torna il format A-Live, che propone a rotazione i miglior italian act della scena urban e pop; giovedì 31 ottobre special guest il poliedrico Guè, personaggio da sempre di spicco nella scena hip-hop tricolore.

Spazio Novecento – Giovedì 31 ottobre nella venue romana ospite speciale il dj e producer italiano Luca Agnelli, artista come pochissimi in costante evoluzione, capace di portare il suo sound sempre ogni limite, così come è stato uno dei primi in tempi non sospetti a sposare la causa della hard techno. E proprio con la sua hard techno ha remixato “Brujera”, il brano di Salmo e Noyz, portando a 155 BPM un brano rap, autentico esempio di musica senza barriere.

All’estero

Assai variegata la scena elettronica all’estero, prima, durante e dopo Halloween. Procedendo in ordine cronologico, segnaliamo a Live Oak, Florida (Stati Uniti) Hullaween con 33 Below, Gudfella e Will Clarke (da giovedì 24 a domenica 27 ottobre 2024), al Maimarkt di Mannheim (Germania) Time Warp con Sven Väth, Adam Beyer e Indira Paganotto ed Escape Halloween a San Bernardino, California (Stati Uniti) con Deadmau5, Nina Kraviz e PAWSA (entrambi venerdì 25 e sabato 26 ottobre); al Drumsheds di Londra (Gran Bretagna) elrow con Eats Everything, KiNK e Syreeta (sabato 26 e domenica 27 ottobre); al Teksupport di Brooklyn, New York (Stati Uniti) tre date targate CircoLoco con &ME vs Rampa, Jamie Jones, Joseph Capriati (venerdì 25 e sabato 26 ottobre, venerdì 1° novembre).

foto d'apertura: Escape Hallowen - credits: Keiki-Lani Knudsen

Johan Neeskens, uno dei simboli assoluti del calcio totale olandese degli anni settanta, è morto improvvisamente ad inizio ottobre 2024, otto anni dopo il suo sodale Johan Cruijff, deceduto nel 2016.

Non è un periodo dei più felici per le icone del calcio. Nel giro di poche settimane sono morti Sven-Göran Eriksson, poi Totò Schillaci. Adesso è toccato all’olandese Johan Neeskens, scomparso all’età di 73 anni domenica 6 ottobre 2024 in Algeria dove stava seguendo per la Federazione Olandese un progetto per l’UNICEF. Se ne va otto anni dopo Johan Cruijff, deceduto nel 2016. Il calcio e tutti gli sportivi piangono un altro fuoriclasse assoluto, sempre volutamente dietro le quinte, sempre volutamente un passo indietro rispetto a Cruijff, ma altrettanto decisivo nel dare vita alla più bella squadra che si sia mai vista su un campo di calcio, l’Olanda del calcio totale degli anni settanta allenata da Rinus Michels.

Paragoni senza senso

Quando un calciatore diventa un fuoriclasse, paragonarlo a qualcuno del passato o del presente – per non dire del futuro – diventa un inutile esercizio di stile. Johan Neeskens è stato forse il primo centrocampista totale dell’era moderna, capace di fare tutto, dal terzino all’attaccante: capace di mandare in fuorigioco l’intero attacco avversario, di recuperare il pallone quasi sempre grazie ad un innato senso della posizione, dettare il passaggio e poi trovarsi davanti al portiere e fare gol. Tutti sapevano fare tutto nell’Ajax degli anni settanta che vinse tre Coppe dei Campioni dal 1971 al 1973 e nell’Olanda due volte consecutive finalista in Coppa del Mondo, sconfitta in entrambi i casi dalla nazionale ospitante, nel 1974 dalla Germania Ovest e nel 1978 dall’Argentina. Nel 1974 fu proprio Neeskens a trasformare il calcio di rigore del provvisorio vantaggio degli olandesi, al termine di un’azione tra le più eleganti e funzionali che si siano mai viste durante una partita di calcio. Nel complesso, due Coppe del Mondo nelle quali quasi ci si ricorda più dei finalisti che non dei vincitori.

Un’eredità destinata a durare in eterno

Johan Neeskens è stato tra i principali interpreti di un’autentica rivoluzione, che ha cambiato il calcio come prima non era mai accaduto e come non accadrà mai più. Concetti – spesso più citati che applicati – come il pressing alto, la tattica del fuorigioco, l’interscambiabilità dei ruoli e il muoversi come un blocco unico per occupare al meglio gli spazi del terreno di gioco grazie all’Ajax e all’Olanda si elevarono a sistema, come una sinfonia, un’opera d’arte, un unicum. Anche il dress code di queste squadre fu a suo modo rivoluzionario: capelli lunghi, basettoni, maglietta preferibilmente fuori dai pantaloncini. In tutto questo Neeskens volutamente seppe sempre fare un passo indietro o meglio ancora di lato, una scelta di vita che replicò nella sua carriera di allenatore, che lo vide ottimo secondo non soltanto dell’Olanda ma anche di Australia e Barcellona, con la consapevolezza e con la fierezza di chi comunque era consapevole di essere entrato nella storia del calcio mondiale dalla porta principale.

Lea Pericoli, la signora del tennis italiano, è morta all’età di 89 anni. Maestra d’elegenza in ogni suo gesto, dentro e fuori dal campo.

Con Lea Pericoli se ne va – per sempre – un mondo che non ormai non esiste più, un mondo fatto di educazione, stile ed eleganza, che nel tennis si identificava nei gesti bianchi così meravigliosamente raccontati dallo scrittore e giornalista Gianni Clerici. Nata a Milano nel 1935, trascorse l’infanzia ad Addis Abeba, in Etopia, studiò in Kenia ed in giro per il mondo per scoprire a 17 anni in Versilia che il tennis sarebbe stata la sua vita. E che vita.

Una carriera esemplare

Classe e stile hanno caratterizzato tutta la sua storia da record – si legge sul sito della Federazione Italiana Tennis e Padel – 27 titoli all’attivo nei campionati nazionali in singolare, doppio e doppio misto. Nei tornei del Grand Slam, ha raggiunto quattro volte gli ottavi al Roland Garros (1955, 1960, 1964 e 1971) e tre volte sull’erba di Wimbledon (1965, 1967 e 1970). Numero 1 d’Italia per 14 anni tra il 1959 e il 1976, record assoluto, e per altre quattro volte numero 2 (1960, 1961, 1962 e 1973). Ha giocato 29 incontri in nazionale, con un record di otto vittorie in singolare e sei in doppio. Nel circuito internazionale ha vinto a Crans Montana nel 1954, Istanbul nel 1958, Bastad e Lesa nel 1960, Santa Fè nel 1961, Palermo e Lesa nel 1962, Genova nel 1968, Cairo nel 1969 e Roma Canottieri nel 1970. In doppio i suoi maggiori successi sono le vittorie riportate a Montecarlo nel 1964, 1965 e 1966, Bastad nel 1960, Gstaad nel 1974 e 1975. Una signora carriera, una carriera da signora.

Uno stile unico

Il lascito di Lea Pericoli va oltre la sua carriera sui court di tutto il mondo, i suoi articoli per Il Giornale di Indro Montanelli, e soprattutto oltre anche l’essere diventata la prima donna testimonial per la lotta contro i tumori, dopo averne affrontato e sconfitto uno maligno tra il 1972 ed il 1973. Lea Pericoli rivoluzionò stili ed usanze – adesso si direbbe il dress code – delle giocatrici di tennis, grazie all’incontro con lo stilista britannico Ted Tinling, che a Wimbledon nel 1955 la fece giocare con culotte e sottoveste rosa quando ancora le tenniste indossavano completi bianchi con le gonne lunghe sino alle ginocchia, per poi arrivare a disegnare per lei un gonnellino di visone, un abito di petali di rose ed altri completi sicuramente audaci ma sempre indossati con grande eleganza. Adesso questi completi sono esposti nientemeno nel Victoria & Albert Museum di Londra. Ecco perché il succitato Gianni Clerici la definì La Divina, appellativo prima di lei conferito soltanto alla francese Suzanne Lenglen, forse – anzi senza il forse – la più grande tennista di ogni epoca.

Sempre dalla parte delle donne

“Ho cominciato a vestirmi così perché mi divertiva – dichiarò in un’intervista a Gianni Mura de La Repubblica – l’ho fatto perché in Italia era molto diffusa l’idea che lo sport trasformasse le donne in muscolose virago senza grazia. Ho fatto una scelta dalla parte delle donne”.

La Pericoli ha insegnato tanto al tennis, così come il tennis ha insegnato tanto a lei, anche e soprattutto quella che nello sport viene definita la cultura della sconfitta. Quando si è sconfitti – sul campo e nella vita – bisogna accettarlo, non ci si deve nascondere. Si deve voltare pagina, guardare avanti, perché c’è sempre per tutti la possibilità di una rivincita, da affrontare sempre con stile ed eleganza. Non come Lea Pericoli – sarebbe impossibile anche provare ad avvicinarsi ad un tale esempio – ma sicuramente prendendo spunto ed ispirazione. Anche e sopratutto nei gesti di tutti i giorni, dentro e fuori dal proprio terreno di gioco.

Sedici i brani presenti nella colonna sonora di “Joker: Folie à Deux”, in tutti i cinema dal 2 ottobre 2024. Quattordici cover e due inediti.

Il film “Joker: Folie à Deux” è un sequel di Joker è assolutamente all’altezza dell’originale. Sceneggiato, prodotto e diretto da Todd Phillips ha come protagonisti principali Joaquin Phoenix nel suo doppio ruolo da Oscar®, di Arthur Fleck/Joker, al fianco della vincitrice del Premio Oscar® Lady Gaga (“A Star Is Born”). La musica è grandissima protagonista di questo sequel, con tanti duetti dei due protagonisti e di conseguenza la colonna sonora non può che essere di altissimo livello: include i brani presenti nel film interpretati da Joaquin Phoenix, Lady Gaga e Nick Cave e contiene le cover di classici americani come “For Once In My Life”, “If My Friends Could See Me Now”, “That’s Entertainment”, “That’s Life”, “When You’re Smiling (The Whole World Smiles With You)”, “(They Long to Be) Close to You”, oltre al brano originale “Folie à Deux”, scritto, prodotto e cantato da Lady Gaga. La colonna sonora è disponibile su tutte le piattaforme digitali e in formato fisico e in esclusiva sullo store di Universal Music Italia in formato LP colorato e CD. Difficile sceglierne una per questa nostra rubrica: alla fine abbiamo optato per “(They Long to Be) Close to You”, un brano dalle tante vite, proprio come il Joker.

Il desiderio di essere vicini

“(They Long to Be) Close to You” è un brano scritto da Burt Bacharach ed Hal David, uscito nel 1963 cantata da Richard Chamberlain e nel 1964 da Dionne Warwich, ma soltanto nel 1970 divenne una hit internazionale grazie alla cover dei The Carpernters, i fratelli Richard and Karen Carpenter, che valse loro un Grammy. Un brano senza tempo e senza età, grazie agli arrangiamenti come sempre sublimi di Bacharach e che negli anni è stata interpretata da tantissimi altri artisti quali Paul Weller, Mario Biondi, Dusty Springfield, persino da Frank Sinatra; soprattutto è una canzone che nella serie tv I Simpson, dove è spesso utilizzata durante i momenti di commozione tra Homer e Marge Simpson nel corso della serie. Adesso gode di nuova linfa grazie al duetto di Joaquin Phoenix e Lady Gaga in Joker 2.

Il significato di “(They Long to Be) Close to You”

Come descrivere in musica un amore profondo e sincero? Che cosa si prova, che cosa succede quando appare la propria dolce metà? Perché gli uccelli appaiono ogni volta che è nei dintorni (“why do birds suddenly appear, every time you are near?”), perché le stelle cadono ogni volta che cammina (“Why do stars fall down from the sky, every time you walk by?”). Molto semplice: perchè desiderano esserle vicini. Frasi e metafore che descrivono il fascino, il carisma che questa persona esercita, ma che soprattutto descrivono il desiderio di starle vicino, perché la sua presenza rende tutto più magico, più unico. Ognuno di noi possiede questa energia e siamo attratti da chi ne possegga altrettanta e ci possa consentire di brillare di una luce unica. Anche se tante volte si è spenta, c’è sempre la speranza si possa riaccendere. Anche nel Joker, anche se il villain per eccellenza dell’universo DC Comics ci ricorderebbe subito che in fondo la speranza non è altro che un dolore che non si arrende.

Il video di “(They Long to Be) Close to You”

Il testo di “(They Long to Be) Close to You”

Why do birds suddenly appear
Every time you are near?
Just like me, they long to be
Close to you

Why do stars fall down from the sky
Every time you walk by?
Just like me, they long to be
Close to you

On the day that you were born the angels got together
And decided to create a dream come true
So they sprinkled moon dust in your hair of gold
And starlight in your eyes of blue

That is why all the girls in town
Follow you all around
Just like me, they long to be
Close to you

On the day that you were born the angels got together
And decided to create a dream come true
So they sprinkled moon dust in your hair of gold
And starlight in your eyes of blue

That is why all the girls in town
Follow you all around
Just like me, they long to be
Close to you

Just like me, they long to be
Close to you

Wa, close to you
Wa, close to you
Ha, close to you
La, close to you

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Photo Credit: Niko Tavernise
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Addio al giocatore simbolo dei Mondiali di Italia ’90, addio al simbolo di un calcio che non esiste più

Estate 1990: Silvio Berlusconi era ancora soltanto un imprenditore e con il suo Milan aveva appena vinto la sua seconda Coppa dei Campioni consecutiva. Quell’anno i mondiali di calcio si giocavano in Italia, la cui serie A era all’epoca  il campionato più bello del mondo e dove il centravanti siciliano Salvatore Schillaci detto Totò – alla sua prima stagione nella massima divisione – aveva segnato 15 gol e vinto con la Juventus Coppa Italia e Coppa Uefa, quest’ultima l’attuale Conference League. Fu convocato ai Mondiali, che l’Italia giocava e in casa da grande favorita. Non si può che partire da qua per ricordare Totò Schillaci, morto mercoledì 18 settembre 2024 a 59 anni stroncato da un tumore.

Italia 90

I Mondiali di Italia ’90 furono i Mondiali delle Notti Magiche, come tutti ancora chiamano la canzone “Un’Estate Italiana”, inno ufficiale della manifestazione composto da Giorgio Moroder e cantato da Gianna Nannini ed Edoardo Bennato. Quel Mondiale fu vinto dalla Germania, che battè in finale l’Argentina di Maradona che aveva a sua volta eliminato l’Italia in semifinale. Prima della finalissima, l’inno argentino fu sonoramente fischiato e Maradona reagì scandendo il labiale “Hijo de puta” visto e sentito in Mondovisione. Un Mondiale che si giocò in stadi nuovi o ristrutturati e che già sembrarono antiquati allora, figuriamoci adesso, quando in gran parte sono ancora gli stessi.

La favola di Totò

Italia ’90 fu un Mondiale nato male e proseguito peggio, ma lo si ricorda con nostalgia per le notti magiche di Baggio e Schillaci, entrambi all’inizio della competizione riserve e poi promossi a titolari. Baggio sarebbe poi diventato il giocatore italiano più forte di sempre – si apra il dibattito, millennial e non – Schillaci ballò soltanto quell’estate, ma come e quanto ballò. Fu capocannoniere dei Mondiali con 6 gol, a fine anno fu secondo nel Pallone d’Oro e in quel mese dei Mondiali visse in totale trance agonistica, in una sorta di tempesta perfetta: ogni volta che arrivava sul pallone lo sbatteva in porta. Puro istinto più che tecnica, quell’istinto del gol che ha consegnato alla storia Paolo Rossi e alla cronaca Pippo Inzaghi, quella capacità innata di sapere prima di tutti dove finirà il pallone, con la consapevolezza che una volta calciato non potrà che finire in porta. Schillaci aggiunse a tutto ciò uno sguardo luciferino, spiritato, quasi belluino al quale ci saremmo tutti affezionati e non avremmo mai più scordato.

Un eroe non per caso

Schillaci apparteneva a quella stirpe di calciatori che ormai non esistono più, che imparavano a calciare e a stoppare un pallone in mezzo ad una strada piena di buche, un pallone nella migliore delle ipotesi mezzo sgonfio o duro come il marmo e usando scarpe a volte tenute insieme non si sa come; se si imparava a dominare un sfera del genere – ammesso ne avesse ancora le forme – giocare su un campo in erba diventava un gioco da ragazzi. Per questo Schillaci seppe farsi strada dai campi polverosi di Palermo per arrivare a giocare negli stadi più importanti del mondo, decidendo di chiudere la carriera in Giappone per poi dedicarsi tra le tante altre cose alle scuole calcio, perché chi viene dalla strada o meglio da campetti sa che deve restituire qualcosa a quella strada e a quei campetti.

Con Italia ’90 Schillaci ha saputo unire tutta la nazione come pochi altri calciatori sono stati capaci. Schillaci a suo modo è stato un eroe e non è stato un eroe per caso.

Da martedì 17 a domenica 23 settembre 2024 torna a Milano la Fashion Week con tanti party ed il meglio del djing mondiale. Ecco alcune segnalazioni da millennial

Mercoledì 18
Al RedRoom party in collaborazione con GOSPËL, hub newyorkese ubicato in quel di Soho e che ospita eventi di qualità non soltanto musicali; in console Guy Gerber e Ariel Vromen. Guy Gerber è un dj ed un producer tra i più apprezzati al mondo, in primis ad Ibiza, dove il suo party Rumors ha da sempre un grande seguito. I suoi set sono autentici viaggi, sempre alla ricerca di quello che il dancefloor desidera ma che non sa ancora di volere davvero. Sempre al Red Room, venerdì 20, ospite speciale Sonja Moonear.

Giovedì 19
All’Ex Macello in console Black Coffee, Shoba e Valerie Fox. Black Coffee è una vera e propria icona mondiale; primo resident nella storia dell’Hï Ibiza, club numero uno al mondo secondo la Top 100 Clubs della rivista DJ Mag, vanta collaborazioni con Drake, Alicia Keys, Beyoncé e P. Diddy; nel 2022 ha ulteriormente consolidato la sua fama vincendo un Grammy Award – gli Oscar della Musica – nella categoria Dance Electronic Album. Sempre all’Ex Macello venerdì 20 party No Art con ANOTR (nella foto d’apertura), Damian Lazarus, Prospa, Silvie Loto e Toman.

Venerdì 20
Al Fabrique primo appuntamento stagionale con Vision, la one-night prodotta da Amnesia Milano, con The Martinez Brothers, Blackchild e Blacksun. Chris e Stevie Jr Martinez (The Martinez Brothers) si sono avvicinati e appassionati all’elettronica grazie al padre, assiduo frequentatore di locali di culto newyorkesi quali il Paradise Garage: autentici predestinati, i Martinez sono capaci di creare musiche insieme a Nile Rodgers e colonne sonore per le sfilate di Givenchy, anche questa estate sono resident all’Hï Ibiza.

Sabato 21
All’Amnesia Milano in console Victoria e Richey V. Regina del basso con i Måneskin, indiscussa icona per sex appeal, libertà e fluidità, Victoria  ha saputo conquistare i fan in tutto il mondo con il suo talento e le sue performance sui palchi di ogni dove. Passando con grande naturalezza dal rock alla techno, Victoria sta confermando il suo eclettismo e la sua versatilità con il suo primo tour mondiale da dj, scoprendo l’intrinseca connessione che lega il groove del suo basso alla cassa che spadroneggia nei club.

The best of the rest
Carl Cox all’Alcatraz, Kobosil al Volt e Vertere Berlin al Tempio del Futuro Perduto (giovedì 19), Andrea Oliva al Justme, Ellen Alien al Circolo Magnolia, Glitterbox Party al Gate (venerdì 20); all’Ippodromo SNAI di San Siro Afterlife Milano con con Tale of Us, Mind Against, Massano, Olympe e ANYMA e ANYMA presents Genesys e MRAK presents We Don’t Follow, i rispettivi progetti solisti di Matteo Milleri e Carmine Conte, i fondatori del duo Tale of Us. A seguire afterparty al Fabrique (sabato 21). Buona Fashion Week a tutti, millennial e non!

Adesso è proprio ufficiale: la reunion degli Oasis s’ha da fare. A fine agosto in vendita i biglietti delle loro date nel Regno Unito e in Irlanda. Ne varrà la pena?

“The guns have fallen silent.
The stars have aligned.
The great wait is over.
Come see.
It will not be televised.”

Così i fratelli Liam e Noel Gallagher hanno annunciato sul web il ritorno degli Oasis, band millennial se ce n’è una, che tra luglio ed agosto del 2025 terranno 14 concerti del loro tour; biglietti in vendita dalle 8 di mattina sabato 31 agosto. Sarà una delle poche volte che il termine sold out avrà davvero un senso, ma c’è un ma. Anzi, più d’uno.

I Gallagher ce la faranno?

I Gallagher ce la faranno? Ce la farammo ad arrivare alle prove, al tour, a portare a termine tutte le date? Sappiamo che nel 2009 la loro tournée si interruppe bruscamente durante le prove della data di Parigi: se si siano riappacificati o se il tour è frutto del sapiente lavoro di avvocati, discografici, manager e promoter non è ancora dato sapere. Fin troppo facile penare che la reunion – come tutte le reunion – avvenga quasi esclusivamente per un motivo: i soldi. Stime piuttosto attendibili segnalano che questo tour potrebbe rendere almeno 250/300 milioni di sterline, se poi sarà affiancato da merchandising, ristampe degli album già usciti, dischi inediti e l’immancabile docuserie su Netflix le cifre potrebbero anche raddoppiarsi se non triplicarsi. Sempre che i fratelli arrivino in fondo e non sfascino tutto quanto quando si ritroveranno per le prove.

Precedenti poco incoraggianti

Le reunion non hanno mai avuto alcunché di romantico e tanti sono i precedenti poco incoraggianti, uno su tutti quello dei Pink Floyd per il Live 8 nel 2005, così come è doveroso registrare – soprattutto nel rock – che siano ancora gli over 70 o giù di lì a farla da padroni. Se le band fanno le reunion per soldi, i loro fan le seguono messianicamente per andare alla ricerca del tempo perduto, per sentirsi almeno per una sera ancora giovani, facendosi cullare dall’effetto nostalgia e auto-convincersi che si stava meglio dieci, venti, trent’anni addietro. Le stesse motivazioni che spingono tanti dj ad organizzare le cosiddette serate remember. In realtà non si stava necessariamente meglio: avevamo dieci, vent’anni, trent’anni di meno: è il tempo che passa e non torna più che ci manca. Tutto qua.

Ben lieti di essere smentiti

Starà agli Oasis smentirci, ricreando l’atmosfera e la magia dei concerti di Knewborth e farci vedere e sentire che hanno qualcosa da raccontare, magari innovando e rinfrescando il concetto ed il significato di Brit Pop, al quale seppero indicare una vera e propria terza via come Tony Blair avrebbe fatto sempre in quegli anni in politica. C’è un Wonderwall da abbattere e da superare, più che da ricostruire.

foto d’apertura: crediti di Simon Emmett

Come si riconosce un bravo allenatore? Dalle sue vittorie da underdog, ovvero da sfavorito, dalla crescita dei suoi giocatori, dalla capacità di lasciare un’eredità dentro e fuori dal campo.

Caratteristiche che facevano tutte parte dello svedese Sven-Göran Eriksson, allenatore giramondo, morto lunedì 26 agosto 2024 all’età di 76 anni, stroncato da un tumore al pancreas.

“Non dispiacetevi, piuttosto sorridete e pensate ai momenti belli. Grazie a tutti, giocatori, colleghi, presidenti, tifosi. Prendetevi cura della vostra vita, e vivetela fino in fondo”: questo l’epitaffio con il quale Eriksson ha voluto congedarsi pochi giorni prima della sua dipartita, parole contenute nella docuserie che gli ha appena dedicato Prime.

“Ho avuto una bella vita, sì – ha ammesso Eriksson nella docuserie – Tutti noi abbiamo paura del giorno in cui moriremo, ma la vita riguarda anche la morte. Va accettato, per quello che è. Speriamo che alla fine la gente dica: ‘Sì, era un brav’uomo’. Ma non tutti lo diranno. Spero che mi ricorderanno come un uomo positivo”.

Sven-Göran Eriksson è stato un gentiluomo dentro e fuori dal campo, nel 1982 capace di vincere una Coppa UEFA (l’attuale Europa League) con l’IFK Goteborg, unica squadra scandinava in grado di aggiudicarsi una coppa europea, di diventare il primo allenatore straniero ad allenare la nazionale inglese e di aggiudicarsi trofei in tutto il mondo, Italia inclusa, dove ha allenato Roma, Fiorentina, Sampdoria e Lazio dal 1984 al 1989 e dal 1992 al 2001, in piena era millennial.

Non si è mai atteggiato a profeta, non hai mai messo in mezzo polemiche per giustificare le sconfitte, è stato sicuramente uno dei più bravi allenatori nell’imporre il pressing e puntare tanto sul gioco sulle fasce, o se si preferisce sugli esterni, come si dice adesso. La sua eredità è attualissima e si vede nei tanti sui ex calciatori diventati allenatori: Ancelotti, Conceição, Inzaghi, Mancini, Mihajlović e Simeone, giusto per citare i più famosi.

Con Eriksson se ne va un vero signore, come ne esistono sempre meno dentro e fuori dai campi di calcio.

Da sempre Ferragosto è una data che gli appassionati di musica elettronica – millennial e non – si segnano in calendario con il dovuto anticipo. In particolare in Italia, che in questo periodo dell’anno ospita sempre i migliori dj del pianeta. Ecco qualche esempio.

Adriatico, Sardegna, Sicilia

In ordine rigorosamente alfabetico, segnaliamo al Ca’ Margherita di Lignano Sabbiadoro dj Ralf e Fabrizio Gucciardi (mercoledì 14), Tony Effe (giovedì 15), Tatanka, Unexist, Art of Fighters e Daniela Hensel (sabato 17). L’estate 2024 è sempre più l’estate di Tony Effe, un artista da 1,3 bilioni di streaming, continua a conquistare il panorama musicale italiano forte di un successo inarrestabile; “Sesso e Samba”, il singolo di Tony Effe e Gaia, è uno se non il tormentone estivo di quest’anno.

Al Koala Maxi di Ragusa la programmazione prevede le Sisters Cap (giovedì 14), Giorgio Prezioso (venerdì 15) e Merk & Kremont (sabato 17). Le produzioni discografiche ed i set delle Sisters Cap spaziano dalla house alla progressive house, con sconfinamenti in altri generi musicali, primo tra tutti il cosiddetto future rave, che combina a sua volta techno e progressive house. Venerdì 14 giugno 2024 è uscito il loro nuovo disco “Ready For The Action” per l’etichetta discografica olandese TurnItUp Muzik.

Il Phi Beach di Arzachena, in Costa Smeralda, quest’anno è diventato il locale italiano numero uno nella Top 100 Clubs della rivista DJ Mag; in line up Peggy Gou (domenica 11), Bora Uzer (lunedì 12), Carl Cox (martedì 13), PAWSA (mercoledì 14), The Martinez Brothers (giovedì 15), Black Coffee (venerdì 16), Carlita (sabato 17); domenica 18 Jamie Jones, lunedì 19 Bob Sinclar, martedì 20 DJ Tennis, mercoledì 21 Kungs, giovedì 22 Claptone, venerdì 23 Argy, sabato 24 Jimmy Sax, sabato 31 guest TBA, sabato 7 settembre Themba.

La Villa delle Rose di Misano Adriatico quest’anno ha raggiunto il traguardo del 30esimo anno consecutivo con la stessa gestione artistica, un traguardo di assoluto rilievo nel settore delle discoteche. La sua programmazione propone mercoledì 14 Marco Carola e David, giovedì 15 No Name, venerdì 16 Bob Sinclar, sabato 17 Ralf, venerdì 23 Gué, sabato 24 Tony Humphries. Autentico pioniere della house music, il dj e producer statunitense Tony Humphries insegna e diffonde musica elettronica da oltre 40 anni. Un vero maestro.

Nel resto d’Italia

Al Cocoricò di Riccione (RN) giovedì 15 Ricardo Villalobos, sabato 17 Enrico Sangiuliano, a Le Vele di Alassio (SV) lunedì 12 Joseph Capriati, domenica 18 Loco Dice, sabato 31 Loco Dice, mercoledì 21 Deborah de Luca; al King’s di Jesolo (VE) sabato 10 Paco Osuna, sabato 17 Mind Against, a ilMuretto sempre a Jesolo mercoledì 14 Maratona di Ferragosto con Seth Troxler e DJ Tennis, al Tinì di Cecina (LI) mercoledì 14 Ilario Alicante 5 hours set, sabato 17 ai Cantieri Culturali alla Zisa di Palermo Unlocked Music Festival con Carl Cox, PAWSA e Fabio Neural. Il tutto in attesa di un settembre che per le discoteche italiane si prospetta più che scintillante.

Sabato 6 luglio 2024 è morto il cantautore Pino D’Angiò. The Millennial non può che ricordarlo con sua canzone più famosa. E spiegare alle generazioni più giovani perché ci mancherà

Pino D’Angiò è morto sabato 6 luglio 2024. Ad agosto avrebbe compiuto 72 anni. Nato a Pompei, all’anagrafe Giuseppe Cherchia, era malato da tempo: operato più volte cancro alla gola, cantava con una sola corda vocale ed era passato attraverso un tumore ai polmoni, un arresto cardiaco ed un infarto. Questa volta non ce l’ha fatta, pochi mesi dopo essere tornato da grande protagonista al centro della scena al Festival di Sanremo nella serata delle cover, quando cantò insieme ai Bnkr44 la sua “Ma quale idea”, canzone che ha tutto il diritto di essere considerata un brano rap ante litteram, un primato da condividersi con “Prisencolinensinainciusol” di Adriano Celentano. Pino D’Angiò fu un precursore, un visionario e tanto altro; di sicuro non fu un one hit wonder, come gli anglosassoni definiscono chi in carriera ha azzeccato un’unica hit e che noi italiani cataloghiamo come meteore. Basti ricordare che nel 1990 Pino D’Angiò scrisse “The Age of Love”, autentico brano seminale per quanto riguarda la musica trance, remixato nel 2021 da Charlotte de Witte ed Enrico Sangiuliano.

Ritmo funky e tanta ironia

“Ma quale idea” uscì nel 1980 e divenne subito una hit mondiale, merito di una linea di basso strepitosa, della voce già allora roca di Pino d’Angiò, del suo oscillare tra il funk e appunto il rap: tutti fattori ai quali non si può resistere sia al suo primo ascolto sia al suo milionesimo. Un brano che fa pensare subito alla Febbre del Sabato Sera, ai pantaloni a zampa d’elefante, alla stivalata che batte il ritmo sulla pista da ballo per tastare il terreno e dirigersi verso la prossima conquista, più raccontata che consumata.

Il significato di Ma quale idea?

Il testo di “Ma quale idea” è un sublime concentrato di ironia ed autoironia. Racconta una serata come tante in discoteca, quando non esistevano i telefonini né tantomeno internet: Pino d’Angiò se la canta e se la suona (“tra le braccia mi è cascata, era cotta innamorata”) forte di un atteggiamento guascone sicuro al 100% della prossima conquista, anche se poi ci pensano le voci in controcanto a riportarlo alla dura realtà (“lo vedi che lei non ci sta’”). C’è chi parla di donne e c’è chi parla con le donne, era solito ripetere l’Avvocato Agnelli: Pino d’Angiò non gli avrebbe risposto altro che “balla”.

Il video di Ma quale idea?

Il testo di Ma quale idea?

L’ho beccata in discoteca
Con lo sguardo da serpente
Io mi sono avvicinato
Lei già non capiva niente
L’ho guardata, m’ha guardato
E mi sono scatenato
Fred Astaire al mio confronto
Era statico e imbranato

Le ho sparato un bacio in bocca
Uno di quelli che schiocca
Sulla pista indiavolata
Lì per lì l’ho strapazzata
L’ho lanciata riafferrata
Senza fiato l’ho lasciata
Tra le braccia mi è cascata
Era cotta innamorata
Per i fianchi l’ho bloccata
E ne ho fatto marmellata

Oh, yeah
Si dice così, no?
E poi, e poi

Che idea! (Ma quale idea?)
Non vedi che lei non ci sta?
Che idea! (Ma quale idea?)
È maliziosa, ma saprà
Tenere a bada un superbullo
Buffo come te
E poi che avresti di speciale
Che in un altro, no, non c’è

Che idea! (Ma quale idea?)
Non vedi che lei non ci sta?
Che idea! (Ma quale idea?)
È maliziosa, ma saprà
Tenere a bada un superbullo
Buffo come te
E poi che avresti di speciale
Che in un altro, no, non c’è

M’è venuta una pensata
Nella tana l’ho portata
Le ho versato un’aranciata
Lei si è fatta una risata
Al mio whisky s’è aggrappata
Cinque litri si è scolata
Mi sembrava bell’andata
M’ha baciato, l’ho baciata
Ad un tratto l’ho agganciata
Dalle braccia m’è sgusciata

M’ha guardato, l’ho guardata
L’ho bloccata accarezzata
Sul visino suo di fata
Ma sembrava una patata
L’ho acchiappata, l’ho frullata
E ne ho fatto una frittata

Oh, yeah
Si dice così, no?
E poi

Che idea! (Ma quale idea?)
Non vedi che lei non ci sta?
Che idea! (Ma quale idea?)
È maliziosa, ma saprà
Tenere a bada un superbullo
Buffo come te
E poi che avresti di speciale
Che in un altro, no, non c’è

Balla
Dai, balla
B-b-b-balla
Mhm, così, così
Dai, balla
Dai, balla
B-b-b-balla
Mhm, così, così
He! Ho!
Balla

sito internet
https://pinodangio.com/

Il lungo fine settimana di Pasqua va bene per le gite fuoriporta ma va meglio ancora per chi voglia trascorrerlo in compagnia dei propri dj preferiti. Ecco una guida per orientarsi al meglio, a Pasqua ed anche oltre.

I festival
Dal 28 al 30 marzo 2024 BPM Easter Edition in Costarica con Steve Lawler, Pablo Ceballos e Bassel Darwish; dal 29 al 31 Caprices Festival in Svizzera con Ben Klock, Honey Dijon e Luciano, Caprices che torna anche il fine settimana successivo, ad Amsterdam Awakenings con Amber Broos, Joseph Capriati e Juliet Fox e DGTL con ARTBAT, Kerri Chandler e Patrick Mason; a Firenze Resonance con 999999999, Deborah De Luca e Reiner Zonneveld; trascorso il ponte di Pasqua e Pasquetta, ad aprile il calendario non è da meno, basti pensare a festival come Time Warp a Mannheim in Germania, dal 5 al 7 aprile e Terminal V in Scozia il 13 ed il 14 aprile ed al Coachella, in calendario ad Indio, in California (12-14 e 19-21 aprile), festival quest’ultimo mainstream ma con tanta elettronica in cartellone, come si è visto e sentito lo scorso anno con il set di Four Tet x Fred again.. x Skrillex.

I club
Venerdì 29 e sabato 30 al Tempio del Futuro Perduto di Milano prima edizione di Fregatene, Dancefloor Sensibile; sabato 30 marzo Spazio Novecento di Roma Cltx, Callush, Novah&Biørn, al Matis Club di Bologna Fred de Palma, le Sisters Cap al Demodè Club di Bari; sabato 30 e domenica 31 Exclusive Easter Parties a Le Vele di Alassio; dal 30 marzo al 1° aprile Mutonia al Cocoricò di Riccione con Ilario Alicante, Nina Kraviz e Seth Troxler; domenica 31 al Fabrique di Milano one-night Vision con Steve Martinez e Carlita, al Peter Pan di Misano Adriatico party Clorophilla con Bob Sinclar, alla Baia Imperiale Afroraduno con Daniele Baldelli e Mozart, al Ca’ Margherita di Lignano Sabbiadoro Slings, al King’s di Jesolo i CamelPhat. E nessuno pensi che dopo Pasqua club e festival si prendano una pausa: aprile è il mese che vede Ibiza tornare al centro della scena con l’IMS, l’International Music Summit (dal 24 al 26 aprile) ed i party d’apertura di tutti i club: Amnesia, Club Chinois, Destino, DC10, Hï, Pacha e Ushuaïa.

foto d'apertura: Time Warp di antonio hant corallo elephant studio

Da lunedì 25 a mercoledì 27 marzo 2024 “Led Zeppelin: the song remains the same” torna al cinema completamente rimasterizzato. Un film ed una canzone ancora attualissimi

“Led Zeppelin: The Song Remains the Same” è un film-concerto della durata di 138 minuti, diretto da Peter Clifton e Joe Massot e che permette di rivivere appieno i concerti che i Led Zeppelin tennero al Madison Square Garden di New York nel 1973. Immagini e musica cariche di energia e che vengono alternate da momenti privati e visioni più o meno allucinate di Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham, i quattro componenti di uno dei gruppi più iconici mai esistiti nella storia della musica, autori di autentici inni quali “Rock and Roll”, “Black Dog”, “Stairway To Heaven”, “Heartbreaker” “Whole Lotta Love” e ovviamente “The Song Remains the Same”. L’elenco delle sale che proiettano il film è disponibile sul sito nexodigital.it con possibilità di acquistare i biglietti in prevendita.

Una canzone manifesto
“The Song Remains the same” è una canzone caratterizzata da un potente riff di chitarra di Jimmy Page e da un ritmo alquanto incalzante. È un brano molto energico e rappresenta bene lo stile distintivo dei Led Zeppelin, abilissimi elementi di rock, blues e hard rock. Inizialmente concepita come strumentale, prima che Robert Plant aggiungesse i testi; per diversi anni è stata la traccia d’apertura dei concerti del gruppo britannico e questo spiega perché è poi diventata anche il titolo del film-concerto.

Il significato di The Song Remains the Same
Come si evince dal titolo stesso, questo brano dei Led Zeppelin vuole sottolineare come la musica resti in quanto tale qualcosa di immutabile, nonostante nel mondo tutto cambi, così come non manca di sottolineare come la musica sia un elemento costante nelle nostre viste, in grado di attraversare tempo e generazioni. Nel mondo gli accadimenti sono ciclici (“California sunlight, Sweet Calcutta rain, Honolulu starbright”) ma la musica rimane sempre la stessa, ferma e consistente, un invito per non dire un monito a rimanere coerenti e fedeli a sé stessi ed alle proprie vocazioni.

 Il video di The Song Remains the Same

Il testo di The Song Remains the Same

I had a dream
Oh, yeah
Crazy dream, uh-huh
Anything I wanted to know
Any place I needed to go
Hear my song
Yeah, people don’t you listen now?
Sing along

Oh

You don’t know what you’re missing, now
Any little song that you know
Everything that’s small has to grow
And it’s gonna grow, push push, yeah
Oh-oh-oh-oh-oh, California sunlight
Sweet Calcutta rain
Honolulu starbright
The song remains the same
Ooh, ooh, oh, oh

Here we go, here we go
All you gotta do, now
All you gotta do, now
Ooh-ee
Sing out Hare-Hare
Ooh, dance the Hoochie-Koo
City lights are oh so bright, as we go sliding, sliding
Sliding, sliding, sliding, sliding, sliding, sliding

Oh

sito internet
www.ledzeppelin.com

La penultima serata del Festival della Canzone Italiana è dedicata alle cover ed ai duetti. Più greatest hits che cover. Un po’ troppo comodo.

La serata di venerdì del Festival di Sanremo è iniziata con Sangiovanni e Aitana ed il medley di “Farfalle” e “Mariposas” ed è terminata con Renga e Nek con un medley delle loro hit. Le cover sono un’altra cosa, dovrebbero rappresentare un’opportunità per un artista di cimentarsi in un terreno non proprio, un omaggio a canzoni che fanno parte della storia della musica, non il rifugiarsi nella comfort zone dei propri successi, ammesso si possano definire tali.

Un festival all’insegna del dentro tutti

Del resto questo è stato più che mai il Sanremo del “dentro tutti”, un minestrone dove si è voluto ficcare dentro una miriade di inutili e fastidiosi ingredienti: passi la promozione sistematica delle fiction Rai, ma sarebbe anche il caso di dire basta ai messaggi all’insegna del politicamente corretto pronunciati da personaggi improbabili (Dargen D’Amico, pure recidivo) basta con l’invitare i campioni sportivi costretti a loro volta a dire banalità sconcertanti o a fare gaffes (Federica Brignone). Giusto i trattori sul palco dell’Ariston sono mancati, ma non ci saremmo stupiti se si fossero palesati dentro o fuori il teatro Sanremese Amadeus è bravo, bravissimo a tenere insieme tutta questo circo, non sbaglia una sillaba, ha un senso del ritmo eccellente, la freddezza di una medaglia d’oro olimpica di tiro al piattello. Per fortuna venerdì sera ogni tanto poteva rifiatare affiancato da Lorella Cuccarini, che sa sempre rendere onore al concetto di show-girl, e lo fa da quasi quarant’anni.

A Sanremo sarebbe anche e soprattutto ora di dire basta  ai siparietti di Fiorello – a proposito di comfort zone – non tanto e non soltanto per l’indegna pagliacciata con John Travolta, quanto piuttosto per il fatto che per difenderlo lo si sia paragonato a Jimmy Fallon, il re dei conduttori statunitensi. Come aver bestemmiato in chiesa. In Italia non abbiamo mai avuto e non avremo mai un Letterman, un Fallon, un Gervais: abbiamo Fabio Fazio, Alessandro Cattelan, Fiorello. Negli Stati Uniti l’entertainment è una cosa molto seria, non ha come riferimento il manuale dei giochetti da villaggi turistici.

Bene, molto bene Annalisa

Torniamo alle cover, e a chi ha giustamente interpretato al meglio il senso di questa serata. Bene, molto bene Annalisa (nella foto d’apertura) con La Rappresentante di Lista ed il coro Artemia, che hanno proposto “Sweet Dreams (Are made of this)” degli Eurythmics: Annalisa l’ha cantata in maniera ruggente, usando tonalità ed acuti da applausi. Lo scorso anno augurammo a Marco Mengoni di vincere il Festival dopo la sua ottima esibizione nella serata delle cover: augurio che estendiamo alla cantante ligure.

Se non ci fosse stata Skin

Del resto, le cover sono sempre un’arma a doppio taglio: certe canzoni – ribadiamolo una volta per tutte – vanno lasciare riposare in pace, altre se eseguite in modalità scolastica o peggio ancora debordando possono essere letali. Senza voler infierire più di tanto, non osiamo immaginare che cosa avremmo scritto dei Santi Francesi e della loro esecuzione di “Hallelujah” di Leonardo Cohen se non ci fosse stata Skin a trascinarli di peso. Lo stesso dicansi per Paola & Chiara, che dovrebbero rivedersi sino allo sfinimento la loro esibizione insieme a Ricchi & Poveri per capire come si stia su un palco. Impeccabile ma un po’ freddo il duetto di Mannoia-Gabbani, bravo Alfa ad essere all’altezza di Roberto Vecchioni come se fosse un veterano, divertente ed autoironico Pino d’Angio con i Bnkr44 nella loro esecuzione di “Ma Quale idea”.

Gigi D’Agostino: bentornato capitano!

Quando poi è toccato a Geolier con Guè, Luchè e Gigi D’Alessio ed al medley (aridaje!) di “Strade” è stato il segnale definitivo che anche per quest’anno per la serata delle cover poteva bastare così. Anzi no: poco prima di mezzanotte è arrivato il momento di ritrovare in console il dj e produttore Gigi D’Agostino: il suo dj set è stato un autentico toccasana. Sentire e vedere che il capitano Gigi D’Ag è tornato in plancia di comando –  pardòn in console – è davvero la notizia migliore di questo festival di Sanremo.

Sempre più fitto il calendario dei festival nei quali la musica elettronica la faccia da padrona

Sempre più fitto il calendario dei festival nei quali la musica elettronica la faccia da padrona: in ogni parte del mondo questi appuntamenti si succedono quasi senza soluzione di continuità e per millennial e non i festival possono e debbono costituire un ottimo pretesto per conoscere nuovi territori e nuove culture. Ecco i nostri primi suggerimenti con tutti i riferimenti essenziali in materia.

SXM
quando: 11-18 marzo 2024
dove: Saint Martin
line up: Cassy, DJ Three, Culoe de Song, Konstantine Sibold, Manda Moor, Doc Martin, Oxia, Robag Wruhme, Vintage Culture, Wally Lopez e tanti altri
sito: sxmfestival.com

Caprices
quando: 29-31 marzo / 5-7 aprile 2024
dove: Crans Montana, Svizzera
line up: ARTBAT, Ben Klock, Chris Stussy, Fleur Shore, Folamour, Honey Dijon, Kink (live), Seth Troxler, Tini e tanti altri
sito: capricesfestival.com

Time Warp
quando: 5-6 aprile 2024
dove: Mannheim, Germania
line up: ARTBAT, Adiel, Ben Klock, I Hate Models, FJAAK, Jamie Jones, Jayda G, Joseph Capriati, Laurent Garnier, Loco Dice, Patrick Mason, Sven Väth e tanti altri
sito: time-warp.de

Terminal V
quando: 13-14 aprile 2024
dove: Edimburgo, Scozia
line up: Hannah Laing, DJ Daddy Trance, Nico Moreno, 999999999, Sara Landry, Charlie Sparks, Indira Paganotto, blk., OGUZ, Franck e tanti altri
sito: terminalv.co.uk

Medaina
quando: 22-27 maggio 2024
dove: Petra & Wadi Rum, Jordan
line up: annuncio a breve
sito: tithorea.com

Sea Star
quando: 23-26 maggio 2024
dove: Umago, Croazia
line up: Artbat, Iniko, HS82, Deborah De Luca, Joker Out, Buč Kesidi e tanti altri
sito: seastarfestival.com

L’11 gennaio 1999 moriva Fabrizio De André. The Millennial lo ricorda con questa canzone

È già passato un quarto di secolo dalla scomparsa del cantautore genovese: le sue canzoni sono sempre più attuali e ben venga il progetto “Way Point. Da dove venite? Dove andate?” con il quale la Fondazione Fabrizio De André Onlus e Sony Music ricorderanno per tutto il 2024 Fabrizio De André attraverso le sue parole, il suo pensiero, la sua visione ed i suoi viaggi. Tra le principali iniziative, la navigazione completa nella sua discografia che prevede la riedizione durante l’anno di tutti i suoi dischi in studio in ordine cronologico. Gli album saranno ristampati in vinile e in cd, arricchiti da annotazioni autografe di Fabrizio De André, pensieri, riflessioni, commenti, estratti di interviste inerenti alle canzoni e agli album e alcuni documenti inediti conservati al Centro studi De André dell’Università degli Studi di Siena.

Chi era Bocca di Rosa?

“Bocca di Rosa” è una canzone scritta nel 1967 da Fabrizio De André insieme a Gian Piero Reverberi ed è una delle più rappresentative nel ricchissimo repertorio di De André, oggetto di diverse reinterpretazioni o cover che dir si voglia da parte di Ornella Vanoni, Anna Oxa e persino degli Skiantos. La canzone racconta la storia di una donna che vive la sua vita in modo libero e disinvolto, senza conformarsi agli standard moralistici della società: un personaggio liberamente vivace e sessualmente emancipato, che sfida gli stereotipi sociali. La canzone critica l’ipocrisia e la moralità convenzionale, riflettendo sulla libertà individuale e sulla necessità di rompere con le restrizioni imposte dalla società.

Il significato di “Bocca di rosa”

Il testo scorre fluido, ritmato, cadenzato ed inflessibile: il comportamento di Bocca di Rosa è passionale (“c’è chi l’amore lo fa per noia, chi se lo sceglie per professione, Bocca di Rosa né l’uno né l’altro, lei lo faceva per passione”) e questo non va bene ai perbenisti in servizio permanente ed effettivo, perché“si sa che la gente dà buoni consigli sentendosi come Gesù nel tempio, si sa che la gente dà buoni consigli se non può più dare cattivo esempio”: mai nessuno ha saputo definire così bene il moralismo ed il puritanesimo di mera facciata. Per “Bocca di Rosa” c’’è comunque il lieto fine: accompagnata sul treno e allontanata dal paesello, alla stazione successiva viene accolta trionfalmente, con il parrocco che la vuole con sé nella processione. Il tempo talvolta sa essere galantuomo, e sa esserlo molto in fretta giusto i minuti che intercorrono tra due fermate di un treno locale.

Il video di “Bocca di rosa”

Il testo di “Bocca di rosa”

La chiamavano bocca di rosa
Metteva l’amore, metteva l’amore
La chiamavano bocca di rosa
Metteva l’amore sopra ogni cosa

Appena scese alla stazione
Nel paesino di Sant’Ilario
Tutti si accorsero con uno sguardo
Che non si trattava di un missionario

C’è chi l’amore lo fa per noia
Chi se lo sceglie per professione
Bocca di rosa né l’uno né l’altro
Lei lo faceva per passione

Ma la passione spesso conduce
A soddisfare le proprie voglie
Senza indagare se il concupito
Ha il cuore libero oppure ha moglie

E fu così che da un giorno all’altro
Bocca di rosa si tirò addosso
L’ira funesta delle cagnette
A cui aveva sottratto l’osso

Ma le comari d’un paesino
Non brillano certo in iniziativa
Le contromisure fino a quel punto
Si limitavano all’invettiva

Si sa che la gente dà buoni consigli
Sentendosi come Gesù nel tempio
Si sa che la gente dà buoni consigli
Se non può più dare cattivo esempio

Così una vecchia mai stata moglie
Senza mai figli, senza più voglie
Si prese la briga e di certo il gusto
Di dare a tutte il consiglio giusto

E rivolgendosi alle cornute
Le apostrofò con parole argute
“Il furto d’amore sarà punito”
Disse “dall’ordine costituito”

E quelle andarono dal commissario
E dissero senza parafrasare
“Quella schifosa ha già troppi clienti
Più di un consorzio alimentare”

Ed arrivarono quattro gendarmi
Con i pennacchi, con i pennacchi
Ed arrivarono quattro gendarmi
Con i pennacchi e con le armi

Spesso gli sbirri e i carabinieri
Al proprio dovere vengono meno
Ma non quando sono in alta uniforme
E l’accompagnarono al primo treno

Alla stazione c’erano tutti
Dal commissario al sacrestano
Alla stazione c’erano tutti
Con gli occhi rossi e il cappello in mano

A salutare chi per un poco
Senza pretese, senza pretese
A salutare chi per un poco
Portò l’amore nel paese

C’era un cartello giallo
Con una scritta nera
Diceva “addio bocca di rosa
Con te se ne parte la primavera”

Ma una notizia un po’ originale
Non ha bisogno di alcun giornale
Come una freccia dall’arco scocca
Vola veloce di bocca in bocca

E alla stazione successiva
Molta più gente di quando partiva
Chi mandò un bacio, chi gettò un fiore
Chi si prenota per due ore

Persino il parroco che non disprezza
Fra un miserere e un’estrema unzione
Il bene effimero della bellezza
La vuole accanto in processione

E con la Vergine in prima fila
E bocca di rosa poco lontano
Si porta a spasso per il paese
L’amore sacro e l’amor profano

sito internet
http://www.fabriziodeandre.it/

foto d'apertura: fondazione fabrizio de andré onlus

È del 1958 la canzone di Natale che quest’anno se la gioca con quella di Mariah Carey

Un grande classico
Per la generazione Millennial sono due le canzoni prettamente natalizie: “All I Want For Christmas is You” di Mariah Carey e “Last Christmas” degli Wham! Quest’anno doveroso allargare gli orizzonti e dare spazio a “Rocking Around The Christmas Tree” di Brenda Lee, assurta come suol dirsi agli onori della cronaca e del web per aver superato proprio la canzone della Carey nella Hot 100 natalizia di Billboard.

Una storia infinita
“Rockin’ Around the Christmas Tree” è stata scritta Johnny Marks, uno dei più prolifici autori di canzoni natalizie che siano mai esistiti: fu registrata quando Brenda Lee aveva soltanto 13 anni ed è stata pubblicata per la prima volta nel 1958. Non divenne mai un clamoroso successo commerciale, ma – meglio ancora – un grande classico, un inno natalizio, un evergreen utilizzato in tantissimi film, programmi televisivi e pubblicità. Un film su tutti? “Mamma ho perso l’aereo” del 1990, pellicola che i Millennial conoscono molto bene. Altrettanto numerose le cover, firmate tra gli altri da Justin Bieber, Michael Bublè, Victoria Cabello e Kim Wilde.

Il significato di “Rockin’ around the Christmas tree”
Il significato di questo grande classico è molto semplice: si racconta un ambiente festoso, di persone che ballano intorno ad un albero di Natale e si divertono durante le celebrazioni. Il tutto caratterizzato da un’atmosfera gioiosa e da un ritmo vivace al fine di ricordarci che per almeno qualche ora è cosa e buona giusta distrarsi, disconnettersi, non pensare a niente se non a stare con i propri cari, aprire i regali natalizi e ovviamente mangiare come se non ci fosse un domani, senza necessariamente dotarsi di un panettone o di un pandoro artigianale o griffato. Buon Natale a tutti, Millennial e non!

Il video di “Rockin’ around the Christmas tree”

Il testo di “Rockin’ around the Christmas tree” 

Rockin’ around the Christmas tree
At the Christmas party hop
Mistletoe hung where you can see
Every couple tries to stop
Rockin’ around the Christmas tree
Let the Christmas spirit ring
Later we’ll have some pumpkin pie
And we’ll do some caroling

You will get a sentimental feeling when you hear
Voices singing, let’s be jolly
Deck the halls with boughs of holly
Rockin’ around the Christmas tree
Have a happy holiday
Everyone dancin’ merrily
In the new old-fashioned way

You will get a sentimental feeling when you hear
Voices singing, let’s be jolly
Deck the halls with boughs of holly
Rockin’ around the Christmas tree
Have a happy holiday
Everyone dancin’ merrily
In the new old-fashioned way

Pagina instagram

www.instagram.com/officialbrendalee/

Discoteche, festival e tanto altro. Tra dicembre 2023 e gennaio 2024 la musica elettronica la fa da padrona in tutto il mondo. I nostri suggerimenti in materia

In Italia

Emilia Romagna sempre al centro della scena quando si parla di musica elettronica, in particolare con il Matis Club di Bologna, che a dicembre propone sabato 16 Seth Troxler, sabato 23 Bob Sinclar, lunedì 25 Ralf, domenica 31 Il Pagante; sempre per restare in Romagna, al Peter Pan di Misano Adriatico giovedì 7 in console Paco Osuna, venerdì 15 in scena Clorophilla XXL e venerdì 22 Ralf. A Milano l’Amnesia presenta Adam Beyer (sabato 16), Indira Paganotto (sabato 23) e Ilario Alicante allnightlong (lunedì 25), i Magazzini Generali ospitano Bob Sinclar (sabato 16), il Volt Konstantin Sibold e Altman (sempre sabato 16). Al Palazzetto di Genova sabato 16 torna First Festival con Enrico Sangiuliano, Maurizio Schmitz e Sven Väth, a Roma due festival per Capodanno: Amore e Cosmo NYE con il meglio della house e della techno mondiale.

A Ibiza

Ibiza ha chiuso la stagione estiva ad ottobre inoltrato e ripartirà con tutti i suoi locali e le sue serate da fine aprile. Tra fine ed inizio anno due gli appuntamenti da segnarsi in calendario: lunedì 31 dicembre Music On al Pacha con Marco Carola e Andrea Oliva e martedì 1° gennaio Circoloco al Dc10 con Luciano, PAWSA e tanti altri. Già definita nel frattempo la data di apertura di Hï e Ushuaïa: sabato 27 aprile 2024 con il party d’apertura stagionale, che inizierà di giorno all’Ushuaïa per proseguire per tutta la notte all’Hï.

Nel resto del mondo

In diverse parti del mondo è estate quindi i festival all’aperto non mancano di certo. Qualche esempio?  Dall’8 al 10 dicembre 808 Festival a Bangkok, Thailandia con ALOK, Guetta e Oliver Heldens; dal 14 al 16 Soundstorm by MDLBeast a Riyad, Arabia Saudita con Pharrell Williams, Calvin Harris e Martin Garrix; Rave on Snow a Saalbach, Austria, con Marco Faraone, Melanie Ribbe e Simina Grigoriu; venerdì 22 e sabato 23 Burning Beach a Bali, Indonesia con Deborah De Luca, Ilario Alicante e Stephan Bodzin, dal 27 dicembre al 2 gennaio Labrynto in Costarica con Black Coffee, Adriatique e WhoMadeWho. Musica elettronica per tutti i gusti, dalle Alpi ai Caraibi, dal Medio Oriente a Bali.

foto d’apertura: 808 Festival

La notte di Halloween è la prova provata che clubbing e festival non si fermano davvero mai. Appena celebrati i closing party di Ibiza e gli oltre mille eventi che si sono svolti durante l’Amsterdam Dance Event, adesso è il momento di pensare a dove andare a ballare la notte di martedì 31 ottobre.

A Milano le opzioni sono diverse: all’Amnesia dj Leon, storico resident della serata Music On di Marco Carola, grande esperto di maratone musicali – quelle sostenibili dai deejay in grado di suonare per ore ed ore – e che con la serata di martedì 31 ottobre taglia il non indifferente traguardo dei dieci anni in console all’Amnesia. Al Volt special guest i Mind Against, al Gate Andrea Oliva, al Tempio Miss Bashful x DBBD.

In Emilia Romagna torna a Ferrara Fiere Monsterland Halloween Festival, con il trio delle meraviglie rap Guè, Marracash e Sfera Ebbasta, i fuoriclasse dell’elettronica Nina Kraviz, Ben Klock, Adiel e Marco Carola e Padre Guilherme, che lo scorso agosto a Lisbona ha fatto ballare a suon di techno i ragazzi della Giornata Mondiale della Gioventù. Al Matis di Bologna primo appuntamento stagionale con il format A-Live, con special guest Fabri Fibra, autentica istituzione di categoria, uno dei migliori artisti italiani quando si tratta di mangiarsi un palco, al Peter Pan di Misano Adriatico in console Ilario Alicante, al Cocoricò torna il party Memorabilia con il Principe Maurice gran maestro di cerimonie.

A Torino prima, durante e dopo Halloween tornano Movement e C2C. Movement da venerdì 27 a martedì 31 ottobre con Hector Oaks, Massano e The Blessed Madonna; C2C è in programma da giovedì 2 a domenica 5 novembre con Avalon Emerson, Moodymann e Overmono. Nel resto d’Italia da segnalare martedì 31 ottobre Drumcode Genova allo Stadium di Genova con Adam Beyer, Kevin De Vries e Melanie Ribbe, le Sisters Cap al Formula Disco di Perugia, Marco Carola e Luciano al Cromie di Taranto e Len Faki allo Spazio 900 di Roma.

Anche all’estero non mancano le alternative per Halloween e dintorni: Terminal V Halloween Trilogy ad Edimburgo con 999999999, Kink, I Hate Models (da venerdì 27 a domenica 29 ottobre); sabato 28 al 338 di Londra Release Halloween Party con Ilario Alicante e Matthias Tanzmann, così come sempre sabato 28 il pirotecnico elrow (nella foto d’apertura) si svolge in contemporanea a Cordoba, Madrid e Londra; a Saint Etienne, in Francia, Positive Education con Anetha, Ki/KI e Two Shell dal 31 ottobre al 5 novembre, Tomorrowland presents Amber Broos al centro fieristico Waagnatie di Anversa. Negli Stati Uniti da giovedì 26 a a domenica 29 Suwannee Hulaween in Florida, venerdì 27 e sabato 28 CircoLoco a New York e Escape Halloween a San Bernardino in California. Buon Halloween a tutti, millennial e non!

La nuova hit del momento è di una dj da anni protagonista nei club e nei festival più importanti

Il potere della musica elettronica

Si intitola “Mercy” (FFRR/Warner) ed è il disco del momento, il più ascoltato dalle radio, nelle piattaforme streaming ed un po’ ovunque. Lo firma The Blessed Madonna, è co-prodotto con Totally Enormous Extinct Dinosaurs, si avvale del featuring di Jacob Lusk e del supporto vocale dell’House Gospel Club. “Mercy” sta facendo lo stesso percorso di “It Goes (Nanana)” di Peggy Gou. Due hit che provengono entrambe da altrettante dj: il potere sempre più inarrestabile della musica elettronica si evince anche e soprattutto da notizie come queste.

Classe 1977, nome all’anagrafe Marea Stamper, The Blessed Madonna è da anni un punto di riferimento non soltanto per quanto riguardi il djing ma anche e soprattutto per battaglie che da tempo si sono imposte per la loro centralità quali la parità di genere e le discriminazioni di ogni ordine e grado: anche per questo motivo ha preferito cambiare il suo nome d’arte, abbandonando l’alias The Black Madonna per diventare appunto The Blessed Madonna, in ossequio al politicamente corretto e alla cancel culture, che non sempre accompagnano le migliori intenzioni ai miglior risultati, come già in passato abbiamo avuto modo di sottolineare.

Il successo di “Mercy” non arriva certo per caso: negli anni The Blessed Madonna ha saputo affrontare il mainstream sempre a modo suo e sempre nel migliore dei modi, come dimostrano i suoi remix per The Chemical Brothers e Florence & The Machine e soprattutto le sue collaborazioni con Fred Again, Elton John, Dua Lipa, Madonna, Missy Elliot.

Il significato di “Mercy”

“Sono interessata alla dicotomia tra sacro e profano nel songwriting – ha spiegato The Blessed Madonna – Estasi e agonia: una canzone che parla di amore e di un cuore infranto può anche essere un brano spiritualmente profondo. L’amore è misericordia, Love is ‘Mercy’. E durante il processo lavorativo che ha portato alla realizzazione del brano con Jacob Lusk e gli altri, l’idea del brano è andata a poggiare le proprie radici esattamente in quel dolce spazio che è a cavallo tra la chiesa ed il dancefloor che stavo cercando. Infine questa è la mia idea di Dio: ossia quei momenti in cui siamo resi umili da un amore così grande che non sappiamo se esserne degni o addirittura degni dell’accettazione e misericordia che sentiamo nei nostri confronti”.

Il video di “Mercy”

Il testo di “Mercy”

Oh!
(Have mercy on me, baby)

Now that I am begging on my knees
I can finally see the things and how they used to be
Forever come my way, it’s the choices that I made
I was surely thinking ’bout me

I lost the path, I lost the life I had (ooh, ooh, ooh-ooh)
Forgot that feat of fire for the same day
So don’t watch the mistakes I made
Was a friendship that I’d trade
Now I’m begging for forgiveness
Begging to be saved

Show me mercy with your love
I’m messed up and I need your touch
Show me mercy
Show me mercy, have mercy on me

Now you got me begging on my knees
Lonely nights without you makes it hard for me to breathe
I think I’m missing you so much, I’m not strong enough, had enough
Baby, please come back, I’m feeling bad

I lost the path, I lost the life I had
Forgot that feat of fire for the same day
So don’t watch mistakes I made
Was a friendship that l’d trade
Now l’m begging for forgiveness
Begging to be saved

Show me mercy with your love
I messed up and I need your touch
Show me mercy
Show me mercy, have mercy on me

Have mercy on me (have mercy on me)
Have mercy on me (have mercy on me)
Have mercy on me (have mercy on me)
Have mercy on me (yeah)

Show me mercy with your love
I messed up and I need your touch
Show me mercy (have mercy on me)
Show me mercy, have mercy on me

Have mercy on me (have mercy on me)
Have mercy on me (have mercy on me)
Have mercy on me (have mercy on me)
Have mercy on me (have mercy on me)

(Ah, ah, that was good, awe, awe, awe, that was good, I think we got it)

(I think so)

Pagina instagram

www.instagram.com/theblessedmadonna

foto d’apertura di Aldo Paredes 

Mai come durante questa Milano Fashion Week l’abbinamento con la musica elettronica ed i top dj risulta così vincente. Ecco dove, quando e soprattutto con chi

giovedì 21 settembre 2023 (dalle ore 18)
Black Coffee, William Djoko e Airrica all’ex Macello. Il dj e producer sudafricano Black Coffee è diventato il primo dj resident nella storia dell’Hï Ibiza, il club numero uno al mondo nella Top 100 Clubs della rivista DJ Mag. Tra le sue collaborazioni doc spiccano quelle con Drake e Alicia Keys, così come Beyoncé e P. Diddy sono suoi acclarati fan. Tutto questo lo ha portato ad essere un riferimento mondiale non soltanto della musica elettronica: nel 2022 si infatti è aggiudicato i Grammy Awards nella categoria “Dance Electronic Album”. Un traguardo riservato a pochi eletti.

venerdì 22 settembre 2023 (dalle ore 23)
Solomun al Fabrique. Se esiste al mondo un dj in grado di mettere d’accordo tutti, nessun dubbio che Solomun (nella foto d’apertura) sia un campione del mondo di categoria. La sua tecnica impeccabile di mixaggio, la sua selezione musicale sempre energica e coinvolgente, un carisma maturato negli anni e che non viene mai meno: fattori che rendono Solomun più che un fuoriclasse, un autentico prototipo e che hanno fatto diventare le sue serate domenicali al Pacha di Ibiza qualcosa di unico, per tacere di tutti i suoi set in giro per il mondo in contesti che fanno sempre la differenza.

sabato 23 settembre 2023 (dalle ore 17)
Zamna Milano all’ex Macello: Loco Dice, Brina Knauss, Toto Chiavetta, Afshin Momadi ed Ebmath. Sempre ai vertici degli indici di gradimento di pubblico e addetti ai lavori, Loco Dice ama contaminare house e techno, attingendo spesso e volentieri al suo retrogusto e alle sue radici hip-hop, basti pensare alla sua compilation “In The House” firmata per Defected nel 2013 e al suo album “Underground Sound Suicide”, uscito su Ultra Music nel 2015. Il suo eclettismo trova ampi sbocchi anche nel mondo della moda e dello streetwear. A seguire aftershow all’Amnesia Milano con Bedouin e Brina Knauss.

Sabato 23 settembre (dalle ore 23)
Marco Carola al Justme. Sin dagli anni novanta Marco Carola ha saputo costruirsi e meritarsi un ruolo fondamentale ed essenziale nel variegato universo della musica elettronica, capace come pochi altri di trasformare un club e una serata in qualcosa di definitivo. Basti pensare alla sua one-night ibizenca Music On, nata nel 2012 e divenuta in breve tempo un must assoluto in tutto il mondo, sia come one-night sia come festival, valga come esempio per tutti quello in programma ad Amsterdam: le sue serate milanesi durante le Fashion Week sono ormai diventate un grande classico.

E inoltre…

giovedì 21 al Gate Guy Gerber e Cristina Lazic; al Volt ARTBAT (venerdì 22) e Âme (sabato 23); al Tempio del Futuro Perduto il festival Città del Futuro 2023 (sabato 23), Carl Cox all’Alcatraz (domenica 24), lunedì 25 all’Auditorium San Fedele prima stagionale per la rassegna Inner_Spaces con Synthax Ensemble e Francesco Tristano. E per chi volesse o dovesse trovarsi fuori Milano durante la Fashion Week, ecco due segnalazioni elettroniche fuoriporta: venerdì 22 e sabato 23 Caprices a Gstaad (Svizzera) con Jamie Jones, Luciano e Pawsa; da venerdì 22 a domenica 24 BEONIX a Larnaca (Cipro) con Black Coffee, Paul Kalkbrenner e Stephan Bodzin. Senza ovviamente dimenticare in tutto questo Ibiza, dove ogni serata è sempre festa come se non ci fosse un domani.

foto d'apertura credits gabriele canfora - lagarty photo

Chi è Peggy Gou, la dj superstar coreana protagonista dei migliori eventi elettronici estivi. Suo il tormentone estivo “(It Goes Like) Nanana”

NOME Kim Min-ji aka Peggy Gou
LUOGO NASCITA Incheon, Corea del Sud
DATA NASCITA 3 luglio 1991
SETTORE musica
NAZIONALITA’ coreana
MILLENNIAL FACTOR: carisma, lungimiranza, perseveranza

La dj e producer coreana Peggy Gou da anni è protagonista nelle console dei club e nei mainstage dei festival più importanti al mondo che abbiano come protagonista la musica elettronica. Questa estate presente più che mai in Italia, come da noi puntualmente segnalato in una delle nostre ultime guide, Peggy Gou ha fatto saltare definitivamente il banco con il suo brano “(It Goes Like) Nanana” (XL Recordings). Un autentico, anzi l’autentico tormentone dell’estate 2023 su scala mondiale: non ce ne vogliano The Kolors e l’ensemble formato da Annalisa, Articolo 31 e Fedez, ma le loro “Italo Disco” e “Disco Paradise” già a Ventimiglia e a Chiasso arrancano e non vanno oltre confine, la traccia di Peggy Gou è un fenomeno globale. Come lei, del resto.

Da Berlino con furore

Peggy Gou ha iniziato a farsi strada nel rutilante universo della musica elettronica nello scorso decennio, una volta trasferitasi a Berlino, dove inizia a lavorare in un negozio di dischi, a frequentare il Berghain per poi iniziare a suonarci nel 2016, nello stesso anno nel quale debutta anche sul fronte discografico con le sue prime produzioni. Da allora un’ascesa inarrestabile, che l’ha portata a suonare in tutti più importanti club e festival quali Coachella, Fuji Rock e Glastonbury, ben oltre il circuito strettamente dance, dove è comunque presente in maniera massiccia da anni. Questa estate – come accennato – ha suonato tantissimo in Italia, in particolare al Panorama Festival in Puglia e al Phi Beach in Sardegna e dove tornerà domenica 10 settembre al Decibel Open Air a Firenze. La stessa “Nanana” non è un fulmine a ciel sereno: Peggy Gou aveva già lasciato ampiamente in segno con le sue produzioni firmando nel 2019 il singolo “Starry Night” (una hit a sua volta) e la compilation per la collana DJ-Kicks. Sempre nel 2019 ha fondato la sua etichetta discografica Gudu Records. Atteso nei prossimi mesi, infine, il suo primo album.

Un successo non soltanto musicale

Il successo di Peggy Gou va ben oltre quello strettamente musicale, già notevolissimo in quanto tale. Nel 2019 ha debuttato alla Fashion Week di Parigi con la sua collezione personale, fattore che contribuì ad inserirla nella Top 30 stilata dal magazine statunitense Forbes, denominata Asia Entertainment & Sports list, così come non si è certo tirata indietro quando è stato il momento di denunciare il sessismo nell’industria musicale. “The music industry is still very white and male-dominated” dichiarò in un’intervista all’edizione inglese di Vogue del 2021. Da allora qualcosa è cambiato, non molto ma qualcosa sì. Di sicuro la Corea non ha mai avuto un ruolo così importante nella musica come adesso, basti pensare al successo planetario dei BTS, capaci di andare ben oltre il concetto di k-pop in quanto tale, come Peggy Gou è stata capace di andare ben oltre il concetto di musica elettronica.

Peggy Gou sul web

sito

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foto d'apertura di Ohnga Park

Sabato 19 agosto 2023 inizia la Serie A, come al solito in ritardo rispetto ai principali campionati europei. E non si tratta certo del ritardo più grave ed importante del calcio italiano

Ne abbiamo già scritto: il calcio italiano è invecchiato malissimo ed allo stato attuale non sussistono molte possibilità che possa risollevarsi in breve tempo. Le dimissioni improvvise dalla Nazionale del commissario tecnico Roberto Mancini ed il relativo traccheggiare di personaggi da avanspettacolo quali il Presidente della FIGC Gabriele Gravina e del proprietario del Napoli Aurelio De Laurentiis rappresentano uno dei momenti peggiori nella storia del calcio italiano: la vittoria della Nazionale agli Europei  dello scorso anno ha illuso tutti che gli antichi fasti fossero tornati, la seconda mancata partecipazione consecutiva ai Mondiali ha riportato tutti alla triste realtà. Coraggio, il peggio deve ancora arrivare, come dimostra il campionato di serie B, destinato ad iniziare senza sapere quale siano le squadre che vi parteciperanno.

Si balla come sul Titanic

Nel frattempo Il Presidente della FIGC Gravina continua come se niente fosse, la Lega Calcio nel è ben lontana dall’ottenere il rinnovo del contratto dei diritti tv – in compenso è partita la sua radio ufficiale con pseudotalent di retroguardia, iniziativa della quale non si sentiva proprio la mancanza – gli  stadi italiani fanno pena, i migliori calciatori vanno tutti in altri campionati, il merchandising abusivo spadroneggia indisturbato: in buona sostanza il Titanic del calcio italiano sta affondando ma chi lo governa resta ben abbarbicato alla propria poltrona.

Un modello virtuoso? Non sia mai!

Eppure sarebbe bastano seguire il modello virtuoso della Juventus, che piaccia o non piaccia fa più clickbait di tutte le altre squadre italiane messe insieme: uno stadio moderno, un logo stile NBA, un museo, la Under 23 o Next Generation che dir si voglia e la squadra femminile. Oltre al progetto della Super Lega che vide il suo allora presidente Andrea Agnelli tra i promotori della SuperLega, un’idea di sicuro che andava lanciata in ben altro modo, ma che rappresentava l’unica possibilità per il calcio italiano ed europeo di resettarsi. Tutto questo non poteva andar bene alla UEFA e alla FIGC, che da allora decisero di accanirsi contro la Juventus con ogni pretesto, facendo finta di niente per tutto quanto riguardasse le altre società. Punirne una per educarne cento? No punirne soltanto una per conservare l’inconservabile. Senza capire nel frattempo gli inglesi con la Premier League e gli Arabi con la loro Roshn Saudi League se la sono creata o se la stanno creando da soli.

Lor signori volevano distruggere la Juve? Missione fallita. In compenso hanno distrutto il calcio italiano. Adesso non resta che mettersi comodi a guardare la Serie A TIM o quello che ne rimane, sempre che nel frattempo non si sia data disdetta agli abbonamenti alle varie piattaforma OTT.

L’annuncio è arrivato martedì 8 agosto 2023: Sixto Rodriguez – per quasi tutto noto come Sugar Man – è morto all’età di 81 anni. Artista che visse due volte se ce n’è mai stato uno

Il cantautore operaio

Nato a Detroit nel 1942, Jesús Sixto Díaz Rodríguez è stato spesso accostato a Bob Dylan per le sue liriche: idolatrato dalla critica ma ignorato dal grande pubblico, dopo due album usciti nel 1970 e nel 1971, abbandonò ogni velleità artistica tornando a lavorare nella natia Motor City come operaio. Nel frattempo, successe l’incredibile: nel Sud Africa dell’apartheid le sue canzoni iniziarono a circolare clandestinamente ed i suoi testi di protesta contro l’ingiustizia hanno fecero breccia tra i giovani sudafricani che anelavano al cambiamento sociale ed iniziarono a vendere centinaia di migliaia di copie. Nel 1997 un giornalista sudafricano aprì un sito stile “persone scomparse” per trovare Sixto Rodriguez: sua figlia rispose all’appello, e si diede da fare per organizzare i concerti sudafricani del padre Da allora un successo all’insegna del non è mai troppo tardi, definitivamente certificato dallo splendido documentario “Searching For Sugar Man”, che si aggiudicò gli Oscar nel 2014.

Il significato di “Sugar Man”

La canzone più emblematica di Sixto Rodriguez è senza dubbio “Sugar Man” del 1970. Una canzone che non si presta a particolari interpretazioni: per molti per non dire quasi tutti è una canzone che racconta le dipendenze di un drogato nei confronti del suo spacciatore, atteso con il suo carico di “Jumpers, coke, sweet Mary Jane” ovvero anfetamine, cocaina e la marijuana. Un testo ed una musica che raccontano la sofferenza e la disperazione di chi vive in attesa che la sua situazione cambi, senza avere la forza di comprendere che ogni cambiamento non possa che partire da sé stessi: nel contempo mai smettere di sognare e sperare. Un operaio di Detroit può sempre diventare un artista amato e rispettato in tutto il mondo, con tanto di documentario dedicato che arriva ad aggiudicarsi gli Oscar. Del resto come Nelson Mandela amava ricordare – sempre per restare in Sud Africa – “un vincitore è un sognatore che non si è mai arreso”. 

 Il video di “Sugar Man”

Il testo di “Sugar Man”

Sugar man, won’t you hurry
Cause I’m tired of these scenes
For a blue coin won’t you bring back
All those colors to my dreams

Silver magic ships you carry
Jumpers, coke, sweet Mary Jane

Sugar man met a false friend
On a lonely dusty road
Lost my heart when i found it
It had turned to dead black coal

Silver magic ships you carry
Jumpers, coke, sweet Mary Jane

Sugar man you’re the answer
That makes my questions disappear
Sugar man cause I’m weary
Of those double games l hear

Sugar man

Sugar man, won’t you hurry
Cause I’m tired of these scenes
For a blue coin won’t you bring back
All those colors to my dreams

Silver magic ships you carry
Jumpers, coke, sweet Mary Jane

Sugar man met a false friend
On a lonely dusty road
Lost my heart when i found it
It had turned to dead black coal

Silver magic ships you carry
Jumpers, coke, sweet Mary Jane

Sugar man you’re the answer
That makes my questions disappear

sito internet

http://sugarman.org

Il calendario dei clubber ha alcune date più importanti, molto più importanti di altre. La notte di Ferragosto è senz’altro tra gli appuntamenti che ogni appassionato di musica elettronica tiene sempre nella dovuta considerazione.

Quest’anno la notte di Ferragosto si prospetta più dance più che mai, visto che la programmazione di discoteche e festival è decisamente all’insegna dell’alta gamma: non ci si limita a mettere sul tavolo i propri assi soltanto nella notte tra il 14 ed il 15 agosto, ma anche prima e dopo. Ecco dove, quando e con chi in questa nostra nuova guida a prova di Millennial.

Romagna elettronica

Una guida dedicata alle discoteche e agli eventi elettronici non può mai prescindere dalla Romagna, da sempre in prima linea quando si tratta di affrontare l’argomento relativo ai locali da ballo. Si prenda ad esempio la Villa delle Rose di Misano Adriatico, che prima, durante e dopo Ferragosto propone Guè Pequeno (venerdì 11), Ilario Alicante (sabato 12), James Hype (lunedì 14), Il Pagante (martedì 15), Marco Carola (mercoledì 16), Bob Sinclar (venerdì 18) e Bedouin (sabato 19). Alla Villa la serata inizia con la cena – in particolare nel suo ristorante Asian Lounge – e prosegue sino all’alba con una programmazione che affronta diversi generi musicali, diversificando così la sua offerta in modo da soddisfare diversi target, come è giusto che sia e come Ibiza in primis insegna.

Le maratone di Ferragosto

Suonano molto anni novanta definizioni quali “le maratone di Ferragosto”, un po’ come le pennette alla vodka o il concetto di “ballare sotto le stelle”, per restare più in tema. Per quanto concerne la musica dance, le maratone possono essere spalmate su più giorni e più notte, oppure essere declinate in una no-stop di diverse ore. Appartiene alla prima categoria la maratona allestita dal Kursaal Terrace di Lignano Sabbiadoro (nella foto d’apertura), che ad agosto propone Tatanka (venerdì 11), Neima Ezza e Fleur Shore (sabato 12), Nicola Fasano (domenica 13), Eddmaro e Sam Paganini (lunedì 14), Rhove e Metempsicosi (martedì 15). Sam Paganini è da tempo un autentico innovatore della techno a livello globale, come certificato dai suoi set nei migliori club e festival mondiali e dalle sue produzioni per etichette discografiche quali Plus8, Drumcode e Cocoon e soprattutto per la sua label JAM, con la quale nel 2021 è uscito con l’album “Light + Shadow”.

Costa Smeralda elettronica

Altra meta estiva imprescindibile, il Phi Beach di Arzachena in Costa Smeralda, una location da godere sia di giorno che di notte e che quest’anno come non mai ha allestito una programmazione con una serie di superguest alla stregua dei migliori locali di Ibiza, Mikonos ma anche di Londra e Berlino. Da martedì 15 a mercoledì 23 agosto il Phi Beach propone Meduza, Peggy Gou, Black Coffee, Claptone, Purple Disco Machine, Bob Sinclar, Bedouin, Diplo e Blond:ish. Bob Sinclar è una delle figure più autorevoli e longeve nell’effimero universo della musica dance, grazie ad una serie di album e ad una discografia caratterizzata da una serie di hit quali “Love Generation” e “World Hold On”, diventate numero uno nelle classifiche di tutto il mondo. Tanti i suoi set memorabili, basti pensare a quelli al Carnevale di Rio, al festival belga Tomorrowland, ad Ibiza ed in tantissimi altri club. Da anni, per non dire da lustri, ogni suo disco si trasforma sempre in una hit.

Festival e dintorni

Dei festival in programma abbiamo già scritto in un precedente articolo, quindi in questa sede ci si limiterà a brevi accenni: dal 12 al 16 agosto in Puglia Panorama Festival con dal 12 al 16 con Solomun, The Martinez Brothers b2b Marco Carola, Peggy Gou presents Gou Talk, The Blessed Madonna, Mochakk, Honey Dijon e Carlita; martedì 15 agosto al Music Park di Jesolo Social Music City con Ilario Alicante, Marco Carola, Meduza e Ebmath, a seguire aftershow al King’s di Jesolo con Marco Carola b2b Ilario Alicante e Ebmat; a Lipari, dal 12 al 15 Vulkanik Festival con Angemi, Sisters cap e Tujamo, lunedì 14 al Tinì di Cecina maratona no-stop con una serie di dj capitanati da Seth Troxler, martedì 15 al Maya di Sorrento ospite speciale MoBlack, indiscusso padre putativo del genere afrohouse.

Fuor di retorica, a Ferragosto tra discoteche e festival c’è davvero l’imbarazzo della scelta, in Italia più che altrove. A ciascun millennial la sua scelta!