“Lo sguardo radicale. Passione, curiosità e rigore nella fotografia italiana di ricerca” è la mostra collettiva che raccoglie esponenti della fotografia italiana tra celebrazioni e inediti.

Al Palazzo Comunale di Seriate un’esposizione fotografica accosta gli autori che, secondo il curatore Roberto Mutti, rappresentano le pietre angolari e lo sviluppo successivo della fotografia italiana di ricerca. Si parte da una profonda riflessione su quella che un tempo era considerata avanguardia e che anticipava i confini di una nuova e diversa espressività; questo avviene con un doveroso omaggio a pionieri come Luigi Veronesi e Franco Grignani e ai maestri della ricerca contemporanea italiana come Franco Vaccari, Ugo Mulas e Nino Migliori. Ma lo “Lo sguardo radicale. Passione, curiosità e rigore nella fotografia italiana di ricerca” punta a stupire proponendo numerosi inediti e presentando al pubblico tematiche e stimoli variegati, con l’obiettivo di favorire il confronto e il dialogo tra autori di tempi e luoghi eterogenei, con rimandi verticali fra i due piani, inciampi e proposte spiazzanti per un vero e proprio coinvolgimento emotivo.

Il percorso espositivo accoglie tre fotografie in bianco e nero in grande formato di Marcello Vigoni, selezione dell’ampio progetto di ricerca “Multiverso” con il quale l’autore milanese indaga il rapporto tra l’uomo e la natura, rappresentando in ogni opera un paesaggio naturale e un panorama urbano. Nei sui scatti l’elemento naturale sembra scomparire sopraffatto dall’elemento artificiale, un escamotage ricorrente della poetica  di Vigoni che mira a trasmettere una sensazione di razionalità e di essenzialità che sfocia nella sensibilità surrealista. 

“Multiverso” di Marcello Vigoni, poetica in analogico

Per ottenere queste particolari suggestioni, Vigoni lavora in esclusivamente in analogico utilizzando la tecnica della doppia esposizione come personale cifra stilistica. Completano le poetica di Vigoni la scelta costante del bianco nero e la stampa in camera oscura: il tempo necessario allo sviluppo diventa così elemento integrante del progetto, contribuendo ad attribuire a ogni immagine una sensazione di sospensione, di meditazione.

La profonda conoscenza del mezzo fotografico e le scelte che generano “Multiverso” danno origine a un linguaggio visivo moderno che mira a trasportare l’osservatore in una realtà immaginaria e onirica. Grazie alla fotografia di Vigoni accediamo ai molteplici universi fuori dal nostro spazio-tempo, per contemplare una dimensione a noi vicina ma contemporaneamente inaccessibile alla sola razionalità, una “dimensione parallela”.

Il progetto fotografico “Multiverso” è in mostra nell’ambito della collettiva “Lo sguardo radicale. Passione, curiosità e rigore nella fotografia italiana di ricerca” a cura di Roberto Mutti  allestita negli spazi della Sala Espositiva “Virgilio Carbonari” del Palazzo Comunale, piazza Alebardi 1, Seriate (BG) e aperta a ingresso libero dal 10 al 23 dicembre 2023 e dal 3 al 13 gennaio 2024.  

Palazzi e certezze che si sbriciolano davanti ai nostri occhi proprio durante la settimana dedicata alla celebrazione della casa. Al Fuorisalone di Milano è stata inaugurata l’installazione Home Swept Home: più di 50 scatti del fotografo Fabrizio Spucches accompagnati da altrettanti micro-racconti di Enrico Dal Buono.

La casa è un luogo dove sentirsi protetti e al sicuro, un diritto finito in macerie per milioni di persone in fuga dalle proprie case per guerre, povertà, violenze e disastri naturali.

A parlare proprio di una di queste catastrofi naturali con immagini vivide e una creatività narrativa a dir poco innovativa è Fabrizio Spucches, che porta al Fuorisalone di Milano un angolo di distruzione e, soprattutto, di riflessione.

Fabrizio Spucches con CESVI per un terremoto interiore

Una provocazione nel cuore della Milano Design Week: l’installazione HOME SWEPT HOME mira ad accendere i riflettori sul diritto a una casa sicura, un tema promosso da CESVI con il programma Case del Sorriso, che garantisce a migliaia di minori vulnerabili, in Italia e nel mondo, protezione, cure, dignità e rispetto dei loro diritti fondamentali. Grazie anche alla collaborazione con Milano Space Makers è stata inaugurata la mostra fotografica realizzata da Fabrizio Spucches e curata da Nicolas Ballario, con testi dello scrittore e giornalista Enrico Dal Buono.

Le immagini scattate in Turchia pochi giorni dopo il terremoto che ha colpito il paese sono riprodotte in gigantografie che ricoprono l’intera facciata di un edificio diroccato, un set incredibilmente coerente per portare la distruzione causata dal terremoto in Turchia nel cuore di una Milano animata dalla Design Week.

Una percorso attraverso quella che viene definita una normalità interrotta: case dai colori vividi ferite da crepe e crolli, collassate come “gusci” vuoti che non possono più accogliere chi le abitava.

«Non volevo portare un terremoto fisico a Milano, ma un terremoto interiore, che potesse far riflettere proprio noi che viviamo nella parte fortunata del mondo e che celebriamo il design e la bellezza. In questo modo possiamo guardarci allo specchio e riflettere sulle nostre sicurezze» dice Fabrizio Spucches durante la conferenza di inaugurazione.

«I soggetti di Spucches sono quasi sempre in piedi, come soldati sull’attenti che, nonostante il disastro, non rompono le righe perché, proprio come nel monologo di Beckett, ‘Finale di Partita’, “bisogna imparare a soffrire meglio di così, se vuoi che si stanchino di punirti”» racconta il curatore Nicolas Ballario.

Micro-storie di una normalità spezzata

Le immagini di donne, uomini e bambini davanti ad abitazioni ormai deserte e diroccate sono abbinate a racconti inediti di Enrico Dal Buono, che interpreta liberamente gli scatti. Storie di vita, monologhi interiori e aneddoti personali ci aiutano a immaginare cosa può esserci dietro l’immagine che contempliamo. I soggetti si animano, ci parlano, raccontano le loro sensazioni, riflettono sul passato e sul futuro. 

«E l’assurdo di queste pagine ripetitive e senza senno esplode con i testi di Enrico Dal Buono, che inventa favole per dirci che la fantasia ci distacca dal dolore, parole che escono dalle crepe dei palazzi e del suolo e che ci suggeriscono, nella retorica insopportabile della “natura come opera d’arte”, che questo quadro è incompiuto. O mutabile. Un olio su tela dipinto sul supporto sbagliato. Il colore si spacca, si disperde nell’aria, mentre il terremoto circonda l’essere umano e ne sbiadisce l’esistenza, senza nemmeno consegnare i corpi», dice Nicolas Ballario.

Proprio secondo Enrico Dal Buono «L’arte di Fabrizio dà un senso alla vita sbagliata, che se no non avrebbe senso. Le cose cambiano, perdono di senso, ciò che era inanimato diventa animato, come la terra, e ciò che era animato diventa inanimato, perché muore. […]  I personaggi spesso sono rappresentati insieme a un solo oggetto, che perde il proprio significato ma che ne incarna un altro».

L’installazione HOME SWEPT HOME è stata presentata al Mudec (Museo delle Culture di Milano) ed è visibile fino a domenica 23 aprile all’Opificio 31 in via Tortona 31.

Quanto è cambiata negli anni la fotografia? Stiamo assistendo a un inversione di rotta che recupera l’amore verso la fotografia stampata, il ricordo color seppia e l’autenticità dei momenti spontanei. Tra le nuove generazioni spicca il ritorno della fotografia vintage

Siamo nell’era iper-tecnologica per eccellenza, abbiamo a disposizone marchingengni elettronici per ogni necessità capaci di adattarsi a trend ed esigenze di ogni genere.

In quanto a fotografia, abbiamo i mezzi per realizzare scatti di ogni sorta, con le qualità più impensabili, funzioni ed effetti per tutti i gusti e obiettivi capaci di rendere dettagli che forse non saremmo in grado di cogliere a occhio nudo.

Cosa ci manca?

Siamo assuefatti dalla ricerca della perfezione, in particolare quando puntiamo ad immortalare momenti e soggetti a noi profondamente cari. Il colore perfetto, l’inquadratura perfetta, la saturazione perfetta e la messa a fuoco perfetta. Questo porta a percepire un senso di vuoto nei confronti dell’immagine: sentiamo la mancanza della sensazione di vero affetto verso i nostri scatti. Quel sentore di famigliarità che solo una fotografia cartacea può trasmettere, con la sua materialità, i suoi colori antichi e la sua spontaneità.

Da qui nasce il ritrovato interesse per la fotografia vintage, una modalità di imprimere i ricordi celebrando l’attimo e le sensazioni, allontanandosi da un’idea di perfezione austera e poco comunicativa. Un’inversione di rotta che parte da un futurismo esasperato per riavvicinarsi a un passato nostalgico e denso di significato.

Fotocamere vintage, oggetti di stile

Esistono fotocamere vintage che non necessariamente relegano la qualità dei nostri scatti a un livello inferiore. Al contrario: troviamo sul mercato prodotti che possiedono interessanti caratteristiche tecniche unite allo stile e al design retrò e vintage.

Fotocamere poco convenzionali, differenti dalle reflex professionali o dai dispositivi smart più tecnologici. Questi oggetti diventano veri e proprio modelli da collezione, elementi di arredo per chi vuole portare uno tocco retrò anche nell’ambiente casalingo, per recuperare un fascino d’altri tempi.

da: https://www.emmeerreci.it

Spiagge deserte, monumenti abbandonati e un’atmosfera di armonia al limite dell’inquietante. Italia in-attesa è la mostra che ci ricorda come il paesaggio ha riconquistato il suo spazio durante il confinamento forzato dell’uomo.

Durante il lockdown del 2020 avremmo potuto godere dei panorami italiani come non li avevamo mai visti. Con la quarantena e il confinamento imposti dal Covid-19 l’Italia ha acquisito un’aura misteriosa e affascinante, conseguenza di una profonda crisi sanitaria e sociale. 

A mettere quest’atmosfera nero su bianco sono i fotografi di “Italia in-attesa. 12 racconti fotografici” che dal 15 ottobre all’8 gennaio vedranno esposti i loro scatti a Palazzo da Mosto di Reggio Emilia.

La mostra ci riporta ai tempi in cui il nostro paese ha dovuto scontrarsi con un periodo di alienazione e di smarrimento. Parliamo di un passato non così passato, quando l’Italia era sospesa nel silenzio dell’abbandono e, proprio in virtù dell’abbandono stesso, ha visto i suoi paesaggi brillare di una nuova luce. Ambienti, piazze, strutture, monumenti che diventano “altro” quando l’uomo cessa di abitarli.

Italia in-attesa, la mostra a Reggio Emilia

La mostra curata da Margherita Guccione e Carlo Birrozzi e promossa dal Ministero della Cultura racconta la rivoluzione degli ambienti vista dagli occhi di grandi fotografi come Olivo Barbieri, Antonio Biasiucci, Silvia Camporesi, Mario Cresci, Paola De Pietri, Ilaria Ferretti, Guido Guidi, Andrea Jemolo, Francesco Jodice, Allegra Martin, Walter Niedermayr e George Tatge. Artiste e artisti che hanno sviluppato grande sensibilità nell’osservazione e nell'”ascolto” del patrimonio culturale, architettonico e ambientale.

Grazie ai loro scatti sono in grado di raccontare storie di un mondo stra-ordinario e innaturale: piazze, orizzonti, spazi pubblici, opere d’arte e oggetti quotidiani che cambiano vita nel non essere vissuti dall’uomo, che spiccano nella loro eccezionalità in un contesto di profonda crisi e assenza.  

Fotografia di Camporesi Silvia: spiaggia libera, Cesenatico, 2020

Non solo arte: riflessioni per un rapporto consapevole con il paesaggio

Durante le esposizioni, grazie all’organizzazione di incontri con fotografi, architetti e altri esperti del settore, sarà possibile porre quesiti ed esternare riflessioni sull’obiettivo della ricerca fotografica e sul potenziale messaggio che vuole trasmettere alla cittadinanza.

Come interpretare queste immagini? Italia in-attesa non mira esclusivamente a farci navigare tra i ricordi e ad emozionarci con immagini evocative, ma costituisce uno spunto importante per analizzare la portata dell’impatto umano sul paesaggio e sulle sue manifestazioni.

Secondo le star di Instagram il selfie è roba degli Anni Zero, ma in occasione della Giornata mondiale del selfie (21 giugno), abbiamo cercato di scoprire la vera data di nascita. E… 

Ho visto curricula che voi umani non potete neanche immaginare: gente che, per stupire, si dice nata nel 10 d.p. (dopo Photoshop) o nel 15 a.f. (avanti Facebook).

Nessuno invece può scegliere la data di nascita del selfie come evento epocale per il prima e il dopo della propria esistenza. Perché la data è decisamente troppo dibattuta.

Anche perché, se ci limitiamo all’Era Smartphone loro sono certamente tra le prime a esplorare questa nobilissima arte fotografica.

Eppure, sul finire degli Anni Novanta chi bazzicava le passerelle di moda incontrava le modelle con al braccio la prima microcamera automatica dotata di zoom: la Canon Ixus disegnata da Yasushi Shiotani: una macchinetta tascabile diventava così accessorio di tendenza. E il selfie con al centro qualche supermodel era il sogno delle aspiranti mannequin.

La Canon Ixus, nata nel 1996, aveva una speciale pellicola ed era la più piccola camera automatica dotata di tecnologia giapponese

La Ixus divenne talmente pop che nel 1997 la Canon ne distribuì 30mila esemplari celebrativi con scocca dorata.

Scivoliamo giù fino al 1991 e troviamo un antenato del selfie di tutto rispetto: Geena Davis e Susan Sarandon, protagoniste del film Thelma e Louise danno il la all’autoscatto senza timer con Polaroid e altre compact camera.

Il primo selfie sarebbe questo autoritratto fotografico del 1839        di Robert Cornelius, chimico e innovatore

Tutto nasce da un desiderio, spesso inconfessato, ma che quasi tutti prima o poi hanno avuto: godere del privilegio di poter raccontare il proprio passaggio su questo Pianeta attraverso un’immagine.

È questo lo spirito del progetto Ricordi Stampati. L’idea è nata tempo fa al fotografo Settimio Benedusi che in un’epoca dominata dal digitale (e da ciò che non è più tangibile), ha scelto di girare l’Italia scattando centinaia di ritratti fotografici a gente comune. Famiglie, giovani, anziani, poveri, ricchi, lavoratori, pensionati. Nel corso degli anni all’iniziativa hanno partecipato altri grandi fotografi. Il risultato? Offrire alla gente comune un privilegio solitamente riservato alle star: portarsi a casa un ritratto fotografico stampato su carta e firmato da un big dell’immagine.

Quale sarà il set del nostro ritratto fotografico?

Quest’anno l’iniziativa girerà letteralmente l’Italia con un calendario fittissimo. Ogni città, un grande fotografo. Se Benedusi sarà per esempio a Imperia dal 3 dicembre al 13 febbraio, Massimo Sestini sarà a Firenze nello stesso periodo mentre
Maki Galimberti (special guest photographer del progetto insieme a Oliviero Toscani, Toni Thorimbert e molti altri) scatterà nella sua Milano dal primo dicembre fino al 5 dicembre (nello studio di via Savona 35).

Il fotografo Maki Galimberti sarà presente dall’1 al 5 dicembre a Milano per il progetto “Ricordi” di Settimio Benedusi

Chi vorrà partecipare a questo sorta di happening democratico della fotografia potrà prenotarsi sul sito ricordistampati.it, scegliendo dal calendario la data e l’ora di arrivo.

«Le fotografie possono raggiungere l’eternità attraverso il momento», diceva Henri Cartier-Bresson. Ricordi stampati è l’occasione per mettere alla prova questo assunto.

Siamo sospesi in un tempo liquido, sfuggenti agli sguardi, alle bocche scoperte e al tocco delle mani. Immersi nelle incognite di una realtà ferma ai ricordi, perché paura, incertezza del futuro, mancanza di lavoro, immobilità nelle relazioni hanno reso il nostro momento estraneo e distante.

Il virus ci ha omologati costringendoci a mascherarci e rendendoci tutti uguali senza grossi riconoscimenti ma questa uguaglianza estetica riflette in contrapposizione una disparità sociale che ha reso le persone, che già partivano nella corsa della vita in salita, ancora più stanche e lontane dal punto di arrivo.

La mostra fotografica Once upon a time in 2020

La pandemia diventa quindi anche una questione di estrazione sociale. Niente di nuovo.
Questo spaccato di realtà viene messo in evidenza nella mostra fotografica “Once upon a time in 2020” dal millennial Fabrizio Spucches che aprirà al pubblico domenica 28 febbraio nei nuovi spazi espositivi dello Scalo Lambrate di via Saccardo a Milano.

Uno spazio espositivo che mette in scena e testimonia le condizioni (tra ironia e assurdo) della Città al tempo del covid e cerca di rispondere a una domanda: può l’arte essere strumento di rappresentazione della realtà, sottraendo questo primato alla banalità della comunicazione di massa?

La mostra: tra arte rinascimentale e nudo

Oltre 100 fotografie per un’esposizione divisa in quattro diverse sezioni, che affrontano il covid offrendo vari punti di vista sulla condizione umana in questo periodo: dagli aspetti più nascosti della “classe lavoratrice” fino al divario (cresciuto a dismisura) tra ricchi e poveri.

Ci saranno due sezioni iconiche, che strizzano l’occhio alla storia dell’arte: la prima traccia una serie di ritratti surreali, dal sapore rinascimentale, che nei confronti del virus hanno un atteggiamento sacro e profano allo stesso tempo; la seconda è invece una sequenza dedicata al nudo, al tabù che resiste nonostante stia cambiando ogni paradigma.

L’esposizione, promossa dal Municipio 3 e dal Comune di Milano e organizzata dall’Associazione Formidabile, è curata da Nicolas Ballario sotto la direzione artistica di Umberto Cofini.

Chi è il fotografo Fabrizio Spucches?

Fabrizio Spucches (nato a Catania nel 1987) ha studiato all’Universitè de Picardie Jules Verne di Amiens e all’University for the Creative Arts di Canterbury, e ha collaborato per molti anni proprio con il fotografo Oliviero Toscani, prima di fondare il proprio studio e ricoprire il ruolo di direttore creativo per molti marchi e diventare regista e fotografo di campagne e progetti editoriali.

Questa mostra è la sua prima personale e arriva, con un linguaggio ironico e al tempo stesso iconico, a un anno dall’inizio della pandemia. Alcune delle immagini in mostra saranno anche acquistabili presso la Galleria STILL fotografia, così come il volume, il cui ricavato sarà devoluto alla comunità delle Suore della mensa di Milano.

La mostra avrà anche due media partner di prestigio: il canale Sky Arte e il magazine Rolling Stone. In occasione della mostra verrà presentato anche il volume dedicato al lavoro di Spucches “Working Class Virus”, curato da Denis Curti e edito da Il Randagio Edizioni.

È una mostra che vuole evidenziare la corsa alla vita, le incertezze e accompagnare lo sguardo di chi la osserva verso altri sguardi che prima o poi riconosciamo come i nostri.
Riusciremo finalmente a renderci conto che “nessuno si salva solo?”.

Sarà possibile?

Info sulla mostra di Fabrizio Spucches

Spazio espositivo Scalo Lambrate
Via Pietro Andrea Saccardo, 12 20134 Milano MI
Ingresso libero
Tutti i giorni dalle 12 alle 18
Dal 28 febbraio al 18 marzo

Una selezione di splendidi scatti che raccontano storie fotografate dai Millennial di tutto il mondo. Un dono a noi, poveri mortali, che spesso restiamo spaventati e chiusi in casa mentre giriamo il mondo solo con un dito.

Gli scatti che seguono sono tratti dalle ultime premiazioni ai Monovisions Awards, le immagini che proponiamo, come ogni foto che si rispetti, comunicano senza bisogno di spiegazioni, le didascalie che noi The Millennial includiamo non possono che dare un contesto a questi magnifici scatti.

Laily Hassan – he tattoed face woman of Chin tribe

Laily Hassan (Malaysia) – The tattoed face woman of Chin tribe

I tatuaggi facciali delle donne Chin, nascono culturalmente per evitare che invasori di altri villaggi rapiscano le proprie donne. Nel corso dei decenni però questa pratica è divenuta simbolo di bellezza. L’usanza oggi vietata dalle autorità birmane e questo patrimonio dell’umanità rischia di scomparire.

Paul Vlad Epure – One in 50.000

Paul Vlad Epure (Romania) – One in 50.000

Shakul è un bambino ugandese nato con la sindrome di Qaardenburg che colpisce 1 persona su 50.000. Appena nato è stato abbandonato dalla propria famiglia. In un paese in cui le superstizioni imperversano, si pensava che fosse maledetto o addirittura fosse stato bruciato dal fratello gemello nel grembo materno.

alessandro bergamini – Nel bianco

Alessandro Bergamini (Italia) – Nel bianco

Qualche Millennial italiano che viaggia verso l’inesplorato c’è ancora, un nome è quello di Alessandro Bergamini. Grazie alle sue avventure ci regala scatti come questi, figure surreali, caricature di abitanti marziani perse nel bianco più totale.

Alessandro Bergamini, che ha avuto modo di vivere e viaggiare con i Nentes, racconta: “A loro devo la scoperta di un mondo di ghiaccio, ma comunque scaldato da un forte senso di solidarietà e ospitalità… perché le persone non finiscono mai di sorprenderti, e il nostro pianeta può essere un luogo tanto spietato quanto meraviglioso”.

Mud People Festival – Jophel Ybiosa

Jophel Ybiosa (Filippine) – Mud People Festival

Al desertico circolo polare artico opponiamo la visione di questa folla nelle Filippine. Perché mentre in Italia e nei paesi occidentali sempre più Millennial si professano atei o agnostici, in altri luoghi della terra il senso di appartenenza alla religione è ancora fortemente sentito.

I devoti, al Mud People Festival presso Nueva Ecija, indossano foglie di banano essiccate e si ricoprono di fango, quindi offrono una preghiera e rendono omaggio a San Giovanni Battista.

Everett Kohinke – Serene Suspension

Everett Kohinke (Stati Uniti)- Serene suspension

Lo scatto è tratto da una serie di sospensioni. Preso nel contesto sociopolitico degli Stati Uniti dell’ultimo anno però, questa singola foto, ci lascia interdetti; cerchiamo disperatamente di contestualizzare la figura senza riuscirci.

F.Dilek Uyar – Angelopoulos Effect

Dilek Uyar (Turchia) – Angelopoulos Effect

Sempre per restare nel surreale Questo lago salato in Turchia attira decine di turisti. Tutti guardano verso il basso e c’è una sedia all’orizzonte, lo spettatore non può che chiedersi cosa stiano cercando o facendo in questo spazio immenso e all’apparenza privo di vita.

Tuan Nguyen Tan – Reading books

Tuan Nguyen Tan (Vietnam) – Reading books

Un novantottenne che legge. Il corpo di quest’uomo parla chiaro: a dispetto dei nostri connazionali della sua età lui non ha certo bisogno di badanti.

Satomi Kikuchi – Alone

Satomi Kikuchi (Giappone) – Alone

Satomi è una Millennial giapponese che ci insegna ad attendere ed aspettare. Non c’è bisogno sempre di girare il mondo per fare la foto da migliaia di like su Instagram. A volte basta uno squarcio della nostra città ed essere presenti al momento giusto.

La fotografa ci ricorda che stiamo ingabbiando le persone in celle vuote, in un mondo gabbia la il cui sfondo è creato dall’uomo scenografo e non dalla natura che emerge solo tramite uno spiraglio ad illuminarci.

Lord K2 – Pupa

Lord K2 (Inghilterra) – Pupa

Pupa è un ragazzino di 11 anni nato in Thailandia. Ha all’attivo più di 100 combattimenti e con i soldi che guadagna dagli incontri sostiene esso e la sua famiglia.

Se potesse permettersi un’Iphone 11 anche lui si farebbe i balletti su TikTok probabilmente.

#lootareduro #workhardplayhard

«Sento il rumore, vedo un flash, cadendo intravedo il capitano e un altro ragazzo sdraiati dietro di me. Mi devono essere saltati i timpani perché sono ovattato. Avverto mugolii di dolore che sembrano lontanissimi.

Primo pensiero: porco il demonio, è esploso un RPG.

Secondo: lo sapevo, dovevo stare contro il muretto, lo sapevo. Perché io il muretto lo avevo visto. Mi dovevo spostare. Volevo farlo. Perché non l’ho fatto».

Quello che avete tra le mani è il un estratto di In Guerra, vita e battaglie del fotografo sopravvissuto a un razzo dell’Isis, edito da Cairo. Scritto con Moreno Pisto giornalista, pezzo grosso di moto.it, amico di Micalizzi, co-fondatore (assieme a me) di writeandrollsociety.com il sito che ha fatto della “cattiva scrittura” una missione di vita.

Con questi due soggetti di mezzo non poteva uscire fuori un libro strappalacrime e moralista in pieno stile “guerra” e infatti il risultato è un racconto fiume sulla vita prima e dopo il razzo di Micalizzi. Sembra un romanzo beat.

Milanese, faccia di bronzo, cazzuto, Micalizzi appare esattamente per quello che è. Qualcosa di inafferrabile. Chi lo conosce sa che ci si può parlare dieci minuti di fila e uscirne senza niente in mano, oppure ricevere una sua telefonata nel cuore della notte perché vuole sapere come stai anche se vi siete visti in tutto due volte.

Chi è Gabriele Micalizzi

Tutto così, prendere o lasciare. Micalizzi non è un fotografo di guerra, ma “il” fotografo di guerra. Millennial trentacinquenne, padre di famiglia, si è guadagnato il titolo sul campo ben prima del razzo, ma il razzo è stato un po’ il suo attestato. Brutto da dire ma nel mondo della comunicazione, esisti solo quando fai parlare di te. Anche se sei uno che si è fatto diverse guerre, ha pubblicato ottime foto con Cesura e vincendo (con pieno merito) il primo Master of Photography in onda su Sky. Sentivo parlare di lui quando non sapevo nemmeno che faccia avesse e questo vuol dire che faceva davvero un sacco di roba degna di nota.

La trama di In guerra

Questo lo sapevamo noi addetti ai lavori, ma si è cominciato a parlare di lui in televisione e sui giornali l’anno scorso, quando è rimasto vittima di un colpo quasi mortale in qualche posto inculato della Libia che ora non ricordo. Sembrava avesse perso l’uso della vista. Certo sarebbe rimasto vivo, ma avrebbe chiuso con la fotografia, il che non era un buon orizzonte. Le prime notizie che arrivavano da laggiù facevano presagire il peggio. I giornali stessi la mettevano già triste. Gabriele avrebbe fatto la fine di Andy Rocchelli, suo amico fraterno e partner in crime con il collettivo Cesura, ucciso in Donbass.

Invece il destino ci ha messo una Leica di mezzo e il corpo della macchina ha evitato la morte certa del Nostro. Nella tristezza della situazione non si può notare la bellezza di questa simbologia: un fotografo salvato da una macchina fotografica, che diventa uno scudo contro quegli stronzi dell’ISIS. Nemmeno a farlo apposta veniva fuori un’operazione di mercato che credo racchiuda le caratteristiche di Micalizzi, un fotografo che è anche un ottimo uomo d’affari, un professionista 3.0 in grado di sfruttare i colpi bassi della sorte e trasformarli in un assist per un traguardo personale.

Le fottute Leica da diecimila euro l’una fanno il loro porco lavoro e valgono tutti quei soldi. La Leica stessa non avrebbe trovato una campagna di comunicazione più efficace di questa nemmeno con la migliore agenzia. Il reportage si fa ancora oggi con le Leica, come ai tempi di Capa. E Micalizzi è assolutamente un nome che tra qualche anno potremmo accostare a quello dei vincitori del World Press Photo e della storia del fotogiornalismo.

Il libro è uno spasso. 

Il libro procede spedito.

Micalizzi colpito dal razzo è convinto di schiantare ma bestemmia, vuole una sigaretta, non riesce nemmeno a infilarsi la mano in tasca per prenderla, non ci sente, la gente gli urla, lui ha fretta di morire e si sente un milanese imbruttito anche in quell’occasione (avere fretta di morire è il massimo della milanesità) quindi manda tutti affanculo. È andato in Siria senza manco l’assicurazione sanitaria, un pazzo. Invece ne esce vittorioso.

In guerra ripercorre la sua vita, i casini, il padre, la denuncia che si è beccato con degli amici a fregare pezzi di una moto da ragazzino, i graffiti sui treni, la Thailandia, i morti, lui che raccatta un signore ferito in testa e invece di assisterlo (non ne aveva poi così bisogno) gli scatta una foto e capisce che quella è la sua strada.

Insomma, se volevate il suggerimento per un libro da leggere nel weekend, eccovi serviti.

Morire di selfie. Racconto su un fotografo che si è suicidato per immolarsi alla suprema arte dei Millennial.

Giorgio era molto risoluto ed era un fotografo. Quando, prima di scattare un ritratto, diceva “ricomponiti”, i soggetti  – cantanti di provincia, coppie di anziani, attori di emittenti locali – subito si pettinavano il ciuffo e si sistemavano la cravatta.

Un giorno, dopo una robusta canna di erba, stava scattando nel suo studio una sposina, per sbaglio disse “decomponiti”, e quella si dissolse in una fumata bianca. Lo sfondo azzurro che immortalò, appena increspato dall’alone della donna che si decomponeva, gli piacque molto. Da allora prese a decomporre le persone in piazze affollate, spiagge e campagne. Divenne famoso e Sette gli dedicò una copertina. Sempre lo sfondo infinito, indifferente e vuoto se non per quell’aura semitrasparente. “Ecco che cosa siamo”, andava dicendo a critici ed estimatori delle sue mostre – chiamate Ecce Homo – con tono ora cinico, ora rassegnato.

Poi arrivò la moda dei selfie e Giorgio, che era uomo tanto coerente quanto attento alle nuove tendenze, non seppe resistere. Così, in un bel ristorante sul mare specializzato in paella valenciana, andò in bagno, si pettinò, si spalmò perfino sulla faccia un campione di crema idratante e, ritornato sulla terrazza con i tavoli imbanditi, mise fine con le sua stessa mano destra alla propria brillante carriera.

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Sono un ex allievo del prof che fa gli auguri a Hitler. Chi è davvero Felice Spicocchi?

L’altro giorno, mentre scorrevo la home di Facebook – sì so che ormai fa più Millenial Instagram, ma sto cercando casa e fidatevi che a tal proposito i gruppi di Facebook si rivelano risorse fondamentali – mi sono imbattuta in una videointervista di Freeda all’atleta paralimpica Veronica Yoko Plebani. Immediatamente mi sono ricordata del mio incontro, se così può essere definito, con un’altra grande protagonista della scena paraolimpica azzurra, Bebe Vio. E ho capito perché gli altri ci vedono più belli dal vivo che sui social.

La scorsa primavera, in occasione di un evento Nike Breaking2 Together, l’azzurra era insieme ad altri grandi protagonisti dello scenario sportivo italiano (come il cestista Marco Belinelli e il campione di salto in alto Gianmarco Tamberi, mia grande crush che per questo devo necessariamente citare, non si sa mai…) e internazionale. Mi trovavo a pochi metri da loro, al di là delle transenne, quando sono scesi dalle auto blindate. Subito il mio sguardo è stato catturato dalla giovane atleta, piccolina di statura aveva due occhi capaci di catalizzare completamente l’attenzione. Azzurrissimi, luminosi, vivaci. In realtà, era in generale il suo viso ad avermi colpito, delicato e assolutamente armonioso, quasi angelico con la carnagione così chiara, suscitava in me quel sentimento tutto femminile che, lungi dall’essere paragonato alla meschina invidia, ti fa pensare “Quanto vorrei essere io così”. Detto ciò, non mi perderò nella narrazione del pomeriggio, perché non è di questo che voglio parlarvi oggi.

Mente ero in tram, sulla via di ritorno verso casa, ho scrollato un po’ le foto postate su Instagram con l’hashtag dell’evento e sono finita sul profilo di Bebe Vio. In quel momento, lo sconcerto. E mi sono resa conto che probabilmente gli altri ci vedono più belli dal vivo. Nelle foto ho visto le cicatrici della cui esistenza, effettivamente, ero già consapevole prima dell’incontro. Il fatto è che dal vivo quelle cicatrici io vi giuro che non le ho notate proprio, erano completamente annullate nella bellezza di quel viso. Ci tengo a precisare che non vi sto dicendo “È bella comunque”, “I segni delle battaglie che portiamo sono la vera bellezza” e tutte queste cose acchiappa like. Che, per carità, saranno anche vere, ma lasciatemi dire che fanno anche un po’ innervosire, piene di retorica come sono, che quasi riesco a immaginare lo sguardo pieno di pietà di chi le pronuncia.

Io vi sto dicendo, che davvero quelle cicatrici non le ho viste! Che ho pensato solo “Magari avessi io un viso così”. E queste parole vorrei dire anche alla diretta interessata, non in qualità di atleta paraolimpica, bensì di persona e donna, perché penso che sentirsi dire “Sti cazzi, hai un viso bellissimo, davvero” non possa che far bene. Quello che ho capito è che le foto postate su Instagram, i video caricati su YouTube, le riprese TV, riportano alla perfezione immagini dettagliate, ma appiattiscono tutto quanto: stampano i volti su uno schermo e li lasciano lì, inermi, alla mercé di chiunque. Gli altri ci vedono più belli dal vivo. Un volto e un corpo senz’anima, io non riesco proprio a giudicarli. E allora mi chiedo, chissà se anche incontrando Veronica Yoko Plebani avrei finito con il non notare quei segni sulle guance. Il concetto di bellezza non è frivolo di per sé. È che noi l’abbiamo reso tale negli ultimi tempi basando i nostri giudizi su quelle robe lì. Esiste la bellezza interiore, così come esiste quella esteriore e hanno diritto a godere di pari dignità. Anzi, questi due concetti  interagiscono di continuo tra loro. È proprio la particolarissima relazione che alcune persone riescono a creare tra queste due sfere la chiave della loro bellezza.

Per questo dico che è impossibile giudicare come “bello o brutto” qualcosa con cui non si ha a che fare di persona, perché anche la “mera” attrazione fisica  è fatta di sguardi, odori, impressioni e luci oltre che di curve, addominali e capelli lucenti. Che poi lo so, in realtà vi trovate in imbarazzo quando avete di fronte quella persona lì che tanto avete adorato su Instagram, perché sì, è bello proprio come in foto…eppure non è che abbiate passato proprio la serata più bella della vostra vita.

E allora fanculo Tinder che sta rendendo brutto anche il sesso e a Facebook e Instagram che stanno facendo dimenticare alle adolescenti che conta più imparare ad ammiccare in modo adeguato che a scattare i selfie dalla posizione giusta. E dall’altro lato, tanto di cappello a voi che riuscite a capire il vostro punto di forza interiore e farne sfoggio, mettendolo a servizio del vostro aspetto esteriore per essere belli agli occhi delle persone che lo sanno notare. Perché gli altri ci vedono più belli quando noi stessi sappiamo chi siamo.

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Il mondo sta per finire? Le abbiamo provate tutte? Il mercato è saturo? No, tutto rinasce da dove deve rinascere. Dani Lessnau ha deciso di fotografare i suoi amanti da una prospettiva insolita e misteriosa: dalla sua vulva.

Sapete chi è Dani Lessnau? Immagino di no, ma sono sicura che non la dimenticherete facilmente. É una fotografa americana, e come tutti i fotografi di oggi ha cercato il modo più controverso e speciale per farsi pubblicità. La sua raccolta intitolata extimité, s’ispira al conflitto  tra interno ed esterno. Per rappresentare al meglio questo tema, Dani ha scelto la prospettiva genitale di cui sopra.

Organo genitale femminile immagini: ovvero le foto dalla vagina di Dani Lessnau.

Come sono state realizzate queste gelatine? Inserendo nella sua vagina dei piccoli stenoscopi e usando una esposizione molto lunga di uno o due minuti e mezzo.

Com’è stare nel corpo di una donna? Come possiamo esprimere un’esperienza cosi viscerale fatta di piacere e dolore? Lessnau ha preso spunto dal progetto Face to Face di Ann Hamilton, che aveva inserito nella bocca di una donna una fotocamera, immortalando così i suoi soggetti. Ecco come la fotografia ci entra dentro, si fonde con il nostro corpo.

Spesso la fotografia si basa sullo sguardo maschile verso un soggetto femminile. Ma in extimité traspaiono le sensazioni di una donna. Lessnau ha infatti inventato una nuova forma di fotografia, nella quale usando tutto il suo corpo è riuscita a catturare un momento di pura e potente intimità.

In fondo il potere della fotografia sta proprio nel dire cose che nella realtà non riusciremmo a dire, perché l’occhio umano non è in grado di catturare cose che la fotocamera può immortalare.

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Nell’ottobre 2017 si è tenuta a Lanzarote una conferenza internazionale sull’enorme impatto dell’industria del turismo: uno dei settori economici più influenti del pianeta. Perché proprio a Lanzarote? Be’, godetevi la gallery di Diego Mayon, 30 foto di pura bellezza a impatto zero, e capirete.  

Le Nazioni Unite hanno designato il 2017 come “Anno internazionale del turismo sostenibile per lo sviluppo” con lo scopo di sostenere un cambiamento nelle politiche, nelle pratiche commerciali e nel comportamento dei consumatori verso un turismo più sostenibile, a livello locale, regionale e globale. La scelta di Lanzarote non è stata casuale perché la parte più orientale dell’isola delle Canarie è uno degli esempi più riusciti di turismo sostenibile.

Lanzarote è l’unica isola al mondo ad avere nella sua totalità lo status di Riserva della Biosfera, ottenuta dall’UNESCO nel 1993.

Dopo più di venti anni questo status è ancora mantenuto grazie a due fattori principali.

In primo luogo grazie alla figura di César Manrique, artista ed ecologista che ha avuto una grande influenza sui regolamenti di pianificazione dell’intera isola, dalla metà degli anni Sessanta fino alla sua morte, nei primi anni Novanta. Manrique è stato in grado di creare una serie di attrazioni basate su un rispettoso dialogo tra arte e natura, generando un turismo sostenibile che preservasse l’integrità della terra, senza rinunciare ai benefici economici e sociali per la popolazione locale, legati allo sfruttamento del turismo.

Un secondo fattore che permette a Lanzarote di mantenere un ottimo equilibrio tra turismo e conservazione del territorio è il piano territoriale insulare adottato nel 2001 dal governo delle Canarie, appunto per proteggere la terra e gli abitanti dal forte aumento del turismo. Il piano è servito, soprattutto, per limitare e controllare lo spazio edificato.

Questi due fattori hanno permesso a Lanzarote di sviluppare un turismo sostenibile che riesce a mantenere un equilibrio tra i bisogni degli abitanti e quelli dei turisti, sia proteggendo le risorse naturali dell’isola, sia sfruttandole sotto forma d’intrattenimento.

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Donne e motori (di ricerca). I social sono pieni e strapieni delle foto delle donne, dal selfie alle foto di gruppo, passando per le foto sotto le gonne. Che? Avete capito bene, ecco la nuova tendenza from England with love: scattare le foto sotto le gonne delle ragazze. Ecco l’upskirting cos’è. Ma lei è consenziente? Ovviamente no, e qui nasce la rivolta rosa.

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Abbiamo appena voltato pagina dopo lo scandalo delle dive molestate a Hollywood ed eccoci con un nuovo capitolo: l’upskirting (così definita questa squallida tendenza).

Si può parlare di violenza? Sicuramente si tratta di molestia, di privazione della privacy, di mancanza di rispetto e perché no di maschilismo. Mia nonna, nella sua dolce ingenuità ha commentato “e tu non ti mettere le gonne corte”. Ma è una donna di altri tempi, noi millennial sappiamo che andare in giro con un reggiseno di pizzo ben in vista è tendenza, indossare la minigonna insieme agli stivali di pelle è solo un look, che non definisce la persona che li indossa. Insomma, nella nostra nuova società ci sono poche etichette, ma vigono delle leggi fondamentali, come quella del rispetto.

Sono una donna e pretendo di essere libera di vestirmi come voglio, di non vivere nel terrore che un arrapato mi infili lo smartphone sotto la gonna. Come se noi donne facessimo foto agli uomini in slip al mare per poi fare un context. Sareste felici di partecipare?

Moltissime donne, e anche uomini, stanno firmando la petizione di Gina Martin, giovane vittima dell’upskirting e che richiede di rendere questo irrispettoso atto illegale, secondo il Sexual Offences Act del 2003.

E voi cosa ne pensate?

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Grande successo a Milano per la mostra “Beauty is my favourite Colour”. Nell’esclusiva cornice di villa Mozart l’1 e il 2 dicembre sono state esposte 15 opere del fotografo Guido Taroni.

Il progetto di “Beauty is my favourite colour” è nato da un’idea di Giampiero Bodino: raffinato gioielliere, ha voluto che le sue creazioni, indossate da donne muse di bellezza, fossero cristallizzate artisticamente nella fotografia.

Guido e Giampiero hanno così scelto le protagoniste che avrebbero potuto meglio rappresentare il proprio ideale di bellezza senza tempo.

Taroni è ormai un fotografo affermato. Spesso quando si descrive la sua produzione artistica si fa riferimento all’ambiente familiare da cui proviene. È, infatti, “figlio d’arte”, nipote del noto fotografo Giovanni Gastel oltre che del regista Luchino Visconti. Questa però è una visione limitante della sua opera, su cui oggi non ha senso soffermarsi. Ha sviluppato un percorso totalmente personale, inedito nel panorama contemporaneo.

Oltre che in ambito artistico lavora anche come fotografo di moda e design. In “Beauty is my favourite colour” ha prevalso in lui l’artista. Bodino lo ha lasciato libero di esprimersi come meglio credesse.

Guido ha cercato di rappresentare in ogni scatto il carattere delle persone raffigurate, elemento non separabile dalla loro estetica. Per ogni donna ha sottolineato le caratteristiche che la rendono unica e, quindi, “bella”. Il contesto in cui sono ritratte diventa cornice e cassa di risonanza della loro specificità estetica. Donne “incastonate” in un ambiente dove acquistano nuova luce e significati come le gemme dei gioielli di Bodino.

Sabrina Querci

Un incanto quindi, che in “Beauty is my favourite” colour ci porta, davanti alle opere, ad ascoltare cosa queste donne ci comunicano.

Nella foto di Sabrina viene sottolineata la sua dura bellezza, ritratta come Sibilla nel proprio antro. Ad ella noi spettatori ci rivolgiamo in attesa che volga il capo per emettere il suo vaticinio.

Inseguiamo, invece, Maria all’interno della sua foto. Ci volge le spalle con austera sensualità mentre, come Alice, entra in una mondo parallelo delle meraviglie nascosto al di là delle rocce.

La Bellezza è il Colore delle donne di Guido così come la Luce è quello dei gioielli di Giampiero.

Una mostra così affascinante ha richiamato al cocktail di inaugurazione, giovedì 30, sia la Milano più interessata all’aspetto artistico che quella più mondana.

Di giovedì di solito in città vengono organizzati gli eventi più fashion.

Tre sono stati gli “immancabili”, tra i quali, poi, si sono divisi i partecipanti al cocktail. Infatti, vi ferveva il dibattito su “dove andare dopo”

La più attesa è stata certamente la festa di compleanno di Maria Sole Brivio Sforza, dei marchesi di Santa Maria in Prato. Per i suoi 40anni ha invitato gli amici alla discoteca Amnesia, tema della serata: “Anni Novanta”. Tanti sono stati gli ospiti, oltre a nobili ed imprenditori, persone dello spettacolo come Barbara D’Urso e Simona Ventura.

Grande successo anche per la serata “Giorgio’s” dell’Armani Privé. Continuano i “private parties” voluti da Giorgio Armani nel suo, ormai storico, locale. Da molti anni hanno cercato di trasformare il night in una sorta di private club in stile londinese. La formula pensata quest’anno sembra stia avendo successo: la serata del giovedì è dedicata ai soli membri, ossia ai possessori della tessera del Privè. Narra la leggenda metropolitana che queste fantomatiche tessere le abbia date lo stilista stesso, in realtà è stata stilata, a più mani, una lista dei “Vip members”. Ci sono state molte arrabbiature, incomprensioni e, parecchie, critiche. Questo giovedì ha cantato Loredana Bertè, gli ospiti sono letteralmente impazziti intasando i social con video e foto.

Altro evento, che ha richiamato molto pubblico più giovane, è stato il “Graffiti Night Party” della rivista Rolling Stone e di Just Cavalli, nonostante la scomoda location.

Noi millennial abbiamo riscoperto il valore e l’unicità dei viaggi con lo zaino in spalla, delle mete più assurde, della natura incontaminata, delle viste più memorabili. Non ci basta andare lontano, vogliamo andare dove nessun altro è ancora arrivato. Anzi, vorremmo essere noi gli esploratori di un nuovo continente. Forse per il viaggio 2018 è un progetto irrealistico, ma ci si può avvicinare all’obiettivo…

La natura indomabile è sicuramente  un’alleata, in questa nostra tossica e insaziabile ricerca del nuovo, del diverso e dello straordinario. Anche solo partecipare alla sua grandiosa e potente manifestazione ci fa sentire così unici! Chi di noi non ha sulla lista delle cose da fare: guardare l’aurora boreale in Alaska o l’alba da una mongolfiera in Cappadocia? Il viaggio 2018 vi farà depennare una meta dalla lista.

Dal 9 al 15 aprile 2018 potreste avere la possibilità di scoprire 300km di Circolo Polare Artico. Come? Nel modo più elettrizzante di tutti: grazie alla Fjallraven Polar, sarete a bordo della vostra personale slitta, trainata da cani. Oltre che ai cani, ovviamente dovrete prendervi cura anche di voi stessi, delle vostre scorte di cibo, della vostra tenda e di tutto ciò che vi potrà riscaldare. Dicono che da quelle parti faccia fresco…

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Beh, cari millennial, il viaggio 2018 sembra l’occasione giusta per prendersi le proprie responsabilità, accudirsi e uscire dalla nostra amata e dannosa comfort zone. Non temete, in questa vostra traversata, dalla Norvegia alla Svezia, non sarete soli ma accompagnati da esperti che vi forniranno il giusto equipaggiamento e vi insegneranno i trucchi del mestiere.

Perché tanta fatica? Per mettersi alla prova, per poter dire di esser sopravvissuti a condizioni estreme e perché no per collezionare foto e ricordi irripetibili.

 I fortunati partecipanti saranno solo 20 e saranno selezionati da tutto il mondo. Non è richiesta alcuna preparazione o caratteristica, semplicemente: SE VUOI PUOI. L’evento è rivolto proprio a giovani comuni, quasi ordinari, che vogliano esplorare i luoghi più selvaggi del mondo. D’altronde i millennial non sono tipi che vanno a caccia di souvenir del Big Ben o della torre di Pisa. Noi prenotiamo voli low cost con 2 scali, prendiamo un grande borsone e vagabondiamo in destinazioni esclusivissime, perché da Bali alla Norvegia la scelta è vaaaaasta.

Allora siete pronti a testare la vostra soglia di freddo?

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Oltre 200 photo trouvèe: 200 foto di donne nude, vintage. Che sia davvero l’ultima frontiera per battere la censura inquisitoria dei social network?

Il millennial dà di matto quando si parla di nudo. Il punto è: guardare foto di donne nude è, come sostiene Facebook, politicamente scorretto? Cosa esonera da questo dubbio fatale? La foto di donne nude vintage: e allora ecco migliaia di millennial affollare L’origine del mondo: erotismo e seduzione nella photo trouvée, in mostra fino a metà dicembre Triennale di Milano.

Donne nude, caspita! 200-donne-200 completamente senza veli. Scatti anonimi dei primi del 900, mutandoni e cellulite in libertà. Per fortuna. A chi sarà venuta l’idea? A un libertino senza paranoie, tale Pompeo Locatelli, ideatore di Alidem, galleria fotografica sui generis, lontanissima dall’intellighenzia di porcellana con i peli dipinti a mano, lontano dal radical chic imperante.

Un passo indietro: chi è Pompeo Locatelli? Intanto è un signore simpaticissimo che la sa lunghissima, sorriso contagioso e occhio furbo. È un commercialista e, in quanto tale durante Tangentopoli si parlava spesso di lui. Ma è anche e soprattutto un uomo intelligente e fuori dagli schemi. Crea dolci strepitosi che condivide solo con gli amici. E poi da qualche tempo ha deciso di comunicare al mondo la sua passionaccia per la photo trouvèe. Che vuol proprio dire trovata, sui mercatini o dentro vecchie cantine. Un collezionismo che a giudicare dalla quantità enorme di immagini sfiora, come spesso può accadere, il feticismo. Qualcuno ha detto che visitare la mostra è come entrare dentro una pornoteca multigenere: scarpe, tacchi, erotismo domestico, sesso in spiaggia, reggicalze, nylon eccetera come nel menù di Youporn.

Invece il messaggio della mostra è ben altro: riappropriamoci del nudo fotografico gentile, perché c’è stato un momento in cui chi guardava fotografava e non necessariamente toccava. Oggi i social evitano, rimuovono, suggeriscono di cambiare quell’immagine. Stiamo rinunciando al capezzolo come il ragazzo di campagna in città rimuove il salame casereccio. E questo per evitare paragoni più forti con l’Inquisizione.

Comunque. L’origine del mondo il cui nome è ispirato all’opera-scandalo di Gustave Courbet (1866), è una mostra che racconta di un lavoro pazzesco e anticonformista, in questi tempi di censure e autocensure. Esibizionismo e voyeurismo, pilastri dell’analisi freudiana, salteranno comunque fuori statene certi, nell’animo di qualsiasi millennial e chissà come anche il vecchio Zuck riuscirà, se ci riesce, a sublimarli. Mah, intanto godetevi la mostra.

L’origine del mondo: erotismo e seduzione nella photo trouvée – Collezione Alidem. Dal 15 novembre al 17 dicembre 2017 – Triennale di Milano

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Cosa vogliono le donne dal sesso?

Come sui pacchetti di sigarette, dal primo ottobre in Francia le foto delle modelle corrette con Photoshop devono essere accompagnate dall’inequivocabile scritta: “foto ritoccata”. Pena 37,500 € di multa. Dopo “il fumo invecchia la pelle”, qualcosa come “Photoshop ringiovanisce la pelle”. Ma è giusto e utile tutto ciò?

Da Maggio, è in vigore una legge per cui le modelle sia francesi che europee, devono presentare un certificato medico che attesti la loro salute. Eppure, ultimamente si usa Photoshop per far sembrare più sane le modelle. Infatti, non vengono più snellite ma…armonizzate, proporzionate. Contraffatte. Sane ma magrissime, ed ecco il problema (o meglio il dramma). Le modelle vengono viste come dee da venerare, sono sode e sane ma magrissime. In una società basata sull’apparenza e sul top!, la nostra ambizione ci porta a voler imitare questi meravigliosi angeli. Usando Photoshop vengono nascoste le ossa, i corpi magrissimi diventano sodi e viene eliminata ogni minima imperfezione del corpo e del viso, come smagliature e occhiaie.

Ecco allora che cerchiamo disperatamente su Google il piano alimentare di ogni modella, il tipo di sport che fanno e ci buttiamo a capofitto in una corsa contro il possibile. Si tratta di malattie e le cause non sono solo le riviste, ce ne sono moltissime, come il bullismo o la pura insicurezza personale. Ma, anche noi, in fin dei conti, perché illuderci così? Continuate a modificare le foto, ma fatecelo sapere perché la gente si ammala, psicologicamente e fisicamente, per raggiungere obiettivi impossibili. Va bene contemplare la bellezza e la perfezione. Abbiamo gli strumenti per migliorare le cose ed è giusto usarli. Ma non bisogna approfittarsene, perché solo in Italia oltre la metà della popolazione ha problemi con la bilancia. C’è chi soffre di anoressia, chi di obesità e chi di complessi con il proprio peso.

In Francia 600,000 giovani soffrono di disordine alimentare, 40,000 persone di anoressia. Inoltre, il disturbo alimentare è la seconda causa di morte tra i giovani di 15-24 anni (ovviamente dopo gli incidenti stradali). Capite che si tratta di una vera e propria piaga giovanile e che tra le cause c’è questo bellezza mitologica che porta le giovani a voler diventare come le modelle in copertina.

Sicuramente sapere che c’è il trucco, aiuterà molte ragazze a capire che non è reale aspirare a certe forme e apparenze e ad amare se stesse.

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È scientifico: le funzioni iPhone più utili in assoluto le scopri quando è troppo tardi perché hai già ordinato la versione successiva. Per esempio che Siri, l’assistente più svagata e permalosa, può essere corretta a comando, ma soprattutto che i tasti volume ti possono trasformare in un paparazzo implacabile.

1 Correggere la pronuncia di Siri

Se la tua “assistente digitale” pronuncia qualcosa in modo inappropriato, la puoi correggere dicendo “così non si pronuncia” . A quel punto ti verranno proposte diverse opzioni tra cui scegliere quella corretta. A volte Siri risponde in maniera piccata, ma non fatevi commuovere.

2 Carica la batteria più velocemente in modalità aereo

Uno dei principali vantaggi di adoperare questa modalità è la disattivazione della rete wireless, che permetterà al tuo iPhone di raddoppiare i tempi di ricarica.Chiaramente finché non disabiliterai la modalità aereo non potrai più ricevere chiamate o SMS. Per ora…

3 Puoi scoprire quanti aerei stanno volando su di te

Ecco un’altra funzione iPhone che probabilmente non conoscevi. Se hai Siri prova a chiedere: «Quanti voli ci sono su di me?». A quel punto potrai visualizzare tutti i voli che in quel momento stanno sorvolando la tua zona. Il che, se se uno è sospettoso, può essere pericoloso: occhio a dire che il tuo volo è in ritardo. Per i più infoiati: scarica l’app Flight radar 24.

4 Scuoti l’iPhone per annullare il testo

Hai fatto un errore durante la digitazione di un testo? Nessun problema, l’opzione Agita per annullare (Shake to Undo) è sicuramente abilitata sul tuo smartphone. Scuoti il telefono un paio di volte e visualizzerai la finestra che ti permetterà di cancellare l’ultima azione. Tinovisti goffi avvisati.

5 Scatta foto utilizzando i pulsanti del volume

Ecco una cosa che difficilmente scoprirai digitando su Google “come diventare paparazzo“: Se devi scattare una foto ma ti viene scomodo o sconveniente farlo dal touchscreen, puoi usare direttamente le funzioni iPhone relative ai tasti del volume che vantano una posizione piuttosto comoda durante la modalità fotocamera. Aspettate il più possibile prima di passare a EarPod: anche i pulsanti volume di auricolari con il filo permettono di scattare in modalità “servizi segreti”.

Warning! Rispettate sempre le norme sulla privacy, siate sempre gentlemen al massimo goliardici e mai stalker!

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Auguri alle GIF, l’elemento di cazzeggio più amato dai millennial

Era una tarda primavera del 1987, quindi circa 30 anni fa in questi giorni, quando un programmatore della Compuserve, tale Steve Wilhite, inventò le GIF. Sì, quelle che voi nativi digitali avete visto comparire magicamente nei vostri social network preferiti in questi ultimi anni hanno ben 30 anni, praticamente la stessa età del web stesso. Le GIF sono millennial. E considerando che si fa risalire l’inizio del web tra la fine del 1990 e il 1991, tecnicamente le GIF son più vecchie.

Le GIF di oggi son brevi animazioni in loop ma al tempo della loro invenzione eran il primo tentativo di rappresentare immagini in un formato digitale maggiormente fruibile coi computer di quei tempi. Fino al 1992 infatti il formato attualmente più comune per le immagini, il JPG, ancora non era stato inventato. Mancava quindi uno standard comune e a Compuserve inventarono la GIF, acronimo di Graphics Interchange Format. E con la nascita del queste immagini ebbero immediatamente un grande utilizzo infatti erano perfette per le connessioni super lente dei tempi.

Ma come si è arrivati a concepire il formato come uno fondamentale e spesso essenziale strumento di comunicazione dei giorni nostri? Bisogna tornare alla metà degli anni ’90 quando il JPG cominciava a soppiantare la GIF per rappresentare le immagini, in quanto la qualità del formato è di gran lunga migliore. La GIF però non è morta, come avviene con molta tecnologia superata da tecnologia più avanzata, anzi si è riciclata in qualcosa di diverso. Come detto a metà anni ’90 il web compiva i suoi passi anche tra non accademici, era il tempo delle connessioni a tempo in 56K o per i più fortunati in ISDN, perciò ecco il colpo di genio: le interchange format ebbero il loro secondo boom come mini animazioni, spesso super trash, come la gif dei lavori in corso, onnipresente su qualsiasi pagina web in via di sviluppo. Dai lavori in corso si passò alle prime mini animazioni e ai primi utilizzi simil porno, lo streaming video erano ancora troppo pesanti per le connessioni del tempo. Dal porno alle pubblicità a tutto il resto, incominciarono anche a diffondersi i primi meme in forma di gif, prototipi delle gif dei nostri giorni. Ma poi più o meno agli inizi degli anni 2000 o poco dopo, le GIF piano piano passarono di moda. Il video di qualità stava irrompendo nel web: arrivarono i primi portali video, youtube su tutti (2005) e le GIF vennero soppiantate e dimenticate o perlomeno relegate in angolini poco frequentati del web.

Ma la GIF, si sa, è dura a morire e qualche anno fa, piano piano, ha cominciato a tornare alla ribalta ed ora è parte integrante del nostro modo di comunicare. Meme, mini video in formato interchange sono usati in qualsiasi situazione: azioni sportive, tutorial, reazioni collegate a stati emotivi particolari o anche per rappresentare situazioni politiche o spiegare meglio un evento di qualsiasi tipo. Insomma è un media trasversale ed era invevitabile che finissero nei nostri social network. Ma questa volta son qui per rimanere. Prendiamo quindi esempio dalle GIF, millenial come noi: son state date per spacciate diverse volte e son sempre tornate. Sarebbe una morale bellissima..ma si può anche dire che, come la nostra generazione, è nata con delle grandi aspettative, aspettative che si son perse per strada e quindi si è dovuta adeguare ed adattare ad un mondo che nel frattempo è cambiato e non possiamo far altro che accettarlo.

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