Quando i Mr. Bungle diedero alle stampe il loro primo album omonimo nel 1990 sembrarono quasi una sorta di divertissement, una valvola di sfogo per il poliedrico, versatile e iconoclasta Mike Patton, frontman dei Faith No More, gruppo della bay area in grado in pochi anni di assurgere dallo stato di band di culto a fenomeno alt rock da stadio .

*L’illustrazione in apertura è di Marco Terenziani .

Senza nessuna promozione da parte di Warner Bros, che li considerava superficialmente una sorta di Mothers of Invention moderni e voleva probabilmente capitalizzare la fama che Patton stava ottenendo con l’altro gruppo, i Mr. Bungle hanno pubblicato tre dischi dal ’90 al 2000 cementando nell’ascoltatore l’idea di un ensemble fluido e tecnicamente preparatissimo in grado di incorporare schizofrenicamente i più disparati generi musicali, dal funk al trash metal passando per il folk rumeno in un pastone disomogeneo ma indubbiamente suggestivo. Dal 2000 in poi i vari membri si dedicano ai loro progetti (soprattutto l’iperattivo Patton) e sui Bungle cala il silenzio. Fino a un mese fa, quando a 20 anni dall’ultimo lavoro la Ipecac Records pubblica “The Raging Wrath Of The Easter Bunny Demo”, il “nuovo” lavoro targato Mr. Bungle. Le virgolette sono d’obbligo in quanto non è affatto nuovo, e la sua affascinante genesi merita una digressione.

California Nightmarin’

1985. Quando pensiamo alla California gli stereotipi mentali che affiorano alla mente sono sempre: palme, mare, tettone bionde in bikini, bagnini coi pettorali elettrici, Hollywood, macchinone decappottabili e sole tutto l’anno. Ma se nasci a Eureka gli anni 60, un piccolo centro cittadino a 160 km dal confine con l’Oregon che prospera grazie al commercio di legname e il cui clima è più vicino all’Alaska e all’Irlanda del nord che non al Venezuela, allora è perfettamente comprensibile che un teenager irrequieto accantoni l’idea di diventare un surfista abbronzato e si butti a capofitto nel nascente movimento trash metal della Bay Area.

Trevor Dunn (basso), Trey Spruance (chitarra) e Mike Patton (voce) non sono ancora maggiorenni quando si barricano nel garage dei genitori di Patton e in pochi giorni registrano un demo le cui coordinate sono indubbiamente ascrivibili a quelle di band pionieristiche di San Francisco come Metallica ed Exodus. Una manciata di pezzi (potete ascoltarli qui) incisi con mezzi di fortuna che però mettono già in luce alcune caratteristiche fondamentali dei musicisti come il visionario funambolismo chitarristico di Spruance e l’incisività dei vocalizzi di Patton (sfortunatamente Dunn e il primo batterista Jed Watts sono letteralmente indistinguibili dal fruscio prodotto dalla copia della copia della copia giunta fino a noi). Ma l’aspetto forse più interessante del lavoro è che presenta il seme di quell’ironia dissacrante che sarà un’ingrediente cardine della carriera di tutti i componenti del quartetto.

“E’ una cosa divenuta abbastanza comune in seguito, quella di abbinare humour e death Metal. Ma all’epoca eravamo i primi”, ha dichiarato Spruance nel 1991. La cassettina, dal titolo “The Raging Wrath Of The Easter Bunny”, viene consegnata da Patton a “Puffy” Bordin, il batterista dei Faith No More, al termine di un terribile concerto tenuto dalla band in una pizzeria davanti a un pubblico di sei persone scoglionate incluso Patton e tre suoi amici. Il resto è storia: l’ascolto di quel demo convincerà i membri dei Faith No More a convocare il giovane Patton per l’audizione che lo farà diventare il nuovo vocalist a scapito dell’erratico Chuck Mosley. In pochissimi potevano immaginare che quella cassettina avrebbe cambiato per sempre le sorti della band e di Patton, peraltro abbastanza riluttante a entrare nel nuovo organico.

La riedizione di The Raging Wrath Of The Easter Bunny

Di sicuro nessuno avrebbe mai potuto sognarsi che quasi 35 anni dopo, gli stessi tre ex-ragazzini di Eureka avrebbero riformato i Mr. Bungle reclutando due monumenti del trash metal come Scott Ian degli Anthrax e Dave Lombardo degli Slayer riregistrando fedelmente il demo originale e rendendo finalmente giustizia ai brani. Il risultato, paradossalmente, è tutt’altro che nostalgico o datato.

La band ha un suono organico e supercompatto nel quale le chitarre sembrano mitragliatrici M60 mentre Mike Patton si produce in urla ferine (uno dei suoi infiniti talenti vocali) e Dave Lombardo picchia i tamburi come se gli dovessero dei soldi ma allo stesso tempo con la precisione di un chirurgo di Ginevra. Cambi di tempo, riff taglienti, assoli al fulmicotone: le radici delle 11 tracce che compongono il disco sono saldamente ancorate al punk metal di quattro decenni fa ma l’effetto non è quello triste di una lasagna surgelata riscaldata al microonde. The Raging Wrath Of The Easter Bunny Demo è un atto d’amore nei confronti di un genere e di un’epoca ma è anche una magniloquente e vitale cavalcata all’inferno andando contromano a 300 all’ora su una provinciale. E’ un disco moderno, vibrante, quasi più Slayer degli Slayer. Buona parte del merito si deve indubbiamente a Dave Lombardo, la cui batteria è stata appunto degli Slayer il motore propulsivo. Dotato di una capacità tecnica invidiabile che coniuga inventiva, potenza e velocità oltre i confini dell’umano (in Angel of Death, uno dei brani manifesto del gruppo losangelino, tocca tranquillamente i 210 b.pm.) Lombardo è unanimemente considerato uno dei padrini del metal e pioniere nell’uso estensivo della doppia cassa. Rolling Stone lo colloca al numero 47 della sua lista dei 100 migliori batteristi di sempre.

Le variazioni sul tema di Dave Lombardo

La sua dipartita dagli Slayer in seguito a tensioni e dispute legali è stata un duro colpo per i fan ma per Lombardo ha costituito l’opportunità di deviare dai rigidi binari di un genere fin troppo codificato ed espandere il proprio bagaglio espressivo. Dopo aver formato la band Grip inc., è il solito Mike Patton, all’indomani del crollo dei Faith No More, a chiedergli di partecipare al suo progetto di metal/grindcore avanguardista Fantomas. La collaborazione tra i due prosegue con la band hardcore Dead Cross (alla voce c’è sempre Patton). Nel frattempo Lombardo viene reclutato dalle leggende del crossover Suicidal Tendencies per una serie di tour prima di diventarne un membro effettivo. Il suo telefono squilla ancora nel 2017: i Misfits, un pezzo di storia del punk, lo chiamano per il loro reunion tour. E ora il suo stile inimitabile è al servizio dei Mr. Bungle, una delle formazioni più elusive e imprevedibili di sempre.

Nonostante il suo curriculum impressionante e lo status di culto accetta volentieri di fare una chiacchierata via zoom con il sottoscritto dalla sua casa studio di Los Angeles. Dave sembra decisamente più giovane dei suoi 55 anni e ricorda il classico zio figo perennemente con la birra in mano che incontri ai matrimoni e che ti da le lezioni di vita che un padre e una madre non potrebbero mai. Inizia raccontandomi quello che mi hanno detto tanti amici miei nell’ultimo periodo ed è quasi rassicurante sentirgli dire che non sta socializzando, non vede nessuno ed esce solo per fare la spesa. Uno di noi.

Dave, iniziamo con la domanda di rito. Come sei stato coinvolto nei Mr. Bungle?

Nel 2018 io ero in tour con i Dead Corss, una band hardcore che avevo formato due anni prima, chiedendo a Patton di cantare. Beh, Trevor Dunn, bassista dei Bungle era al concerto. Anche Trey Spruance, il chitarrista dei Mr. Bungle, era al concerto: la sua band Secret Chiefs 3 apriva per noi. Quindi eravamo tutti nel backstage e qualcuno propose di fare una foto: forse ero io, dato che ho alcuni degli scatti. Ci facemmo tutti una foto e Trevor, mentre scattavano, disse: “Sono forse questi i nuovi Mr. Bungle?”. Ridemmo tutti. Lì per lì non capii ma poi qualcuno mi disse che Trevor aveva una mezza idea di registrare di nuovo il demo che i Mr. Bungle avevano prodotto nel 1986. Il seme era stato piantato. Parecchi mesi dopo mandai un messaggio a Trey chiedendo se per caso volesse iniziare a lavorare sulle nuove registrazioni dei pezzi del demo, perché le tracce originali di batteria erano praticamente indistinguibili. Iniziamo a ricreare i pezzi del demo live. Patton era davvero felice, raggiante. I Bungle originali ricrearono ogni parte, ogni dettaglio e, senza neanche accorgercene, vennero subito piazzate alcune date live. Provammo 5 giorni prima della prima data , facemmo un minitour e tornammo a casa a riposare un paio di giorni. Dopodiché siamo entrati in studio, abbiamo registrato i pezzi ed ora abbiamo un album che tutti amano.

Questo è un disco estremamente duro, indubbiamente il più duro per i Mr. Bungle. Eppure, per la rima volta nella loro storia, sono arrivati alla prima posizione della classifica Hard Rock Albums di Bollboard e alla numero 30 della Billboard 200 All-Genre. Come te lo spieghi?

Di sicuro il metal non è mainstream, anche se ormai è molto accessibile. Nei primi anni ’80 era underground, poi grazie ai Metallica, insomma ai Big 4 (Metallica, Anthrax, Megadeth, Slayer) è stato accettato e riconosciuto come genere. Però non me lo spiego.

Come ti sei approcciato al materiale di The Raging Whrath of The Easter Bunny?

Dovevo attenermi ai cambi e alla struttura dei brani. Ovviamente facevo i miei rolls, i miei fills alla batteria. Ma sono stato in grado di essere me stesso. Quando senti il disco, senti che alla batteria c’è Dave Lombardo.

E questo mi spine a chiederti questo: nel thrash metal i batteristi pestano duro, bisogna essere veloci. Non c’è molto tempo per lo swing, per il feel, quando le chitarre sono motoseghe e il vocalist un troll di caverna. Eppure, quando uno sente un pezzo thrash a occhi chiusi, capisce se alla batteria c’è Dave Lombardo. Com’è possibile che il tuo stile sia così riconoscibile?

Hahaha be, banalmente alla batteria ho un feel tutto mio: il modo in cui colpisco i tamburi, i miei pattern… recente ho letto sui social che qualcuno ha detto che la mia riconoscibilità dipende anche dal modo in cui accordo la mia batteria. Io la accordo in un certo modo e credo che se il tecnico del suono nello studio di registrazione vale i soldi che guadagna, sarà in grado di catturare il mio sound. Ci ho messo anni a svilupparlo! Credo sia tutto una combinazione di fattori: anche le bacchette che uso e la marca di batteria: quello tra Tama e Lombardo è un legame molto forte. Tu suoni?

Suono forse è un termine eccessivo, diciamo che “uso” le chitarre. Oltretutto sono già tre anni che non suono in nessuna band ma questo non mi ha impedito di arrivare a possedere 18 chitarre.

hahaha eppure di mani ne hai solo due non 36 giusto?

Si lo so, ho un problema (ecco, l’intervista è diventata un gruppo di auto-aiuto, N.d.A.)

Hahah no no, io ti capisco. E’ come con la batteria. Io suono un pò la chitarra: ho due elettriche e un’acustica. Ognuna di loro è totalmente diversa dalle altre, il feel è diverso, la tastiera, la forma il suono. Quindi è comprensibile averne diverse. Tranquillo che ti capisco.

Incredibilmente la prima volta che ti vidi live non fu con gli Slayer (di cui sono sempre stato fan) ma coi Fantomas. Suonavate in un posto piccolo, il Centro Sociale Conchetta a Milano, era il 2 luglio 2000. L’italia aveva appena perso 2 a 1 contro la Francia agli Europei di calcio. Le persone presenti erano già scocciate per questo, in più si aspettavano da te le tue classiche cavalcate mortali degli Slayer, invece rimasero spiazzate dall’approccio quasi free dei brani (nessuno aveva ancora ascoltato il primo disco dei Fantomas).

I Fantomas furono una grande sfida. Una sfida che amai moltissimo, perché per me, già dopo South Of Heaven (il quarto album degli Slayer prodotto da Rick Rubin e uscito nel 1988) e il seguente tour in Europa iniziai a sentirmi inquieto nel mio guscio, nella mia comfort zone. Nel metal sentivo di aver già raggiunto l’apice e volevo aprirmi al nuovo, alla sperimentazione, volevo crescere. I Fantomas, Vivaldi: The Meeting, registrato a Mantova, non so se te lo ricordi (me lo ricordo si, era un disco assurdo: un incontro musicale basato su improvvisazioni in stile barocco tra Lombardo e un gruppo di musicisti classici di fama internazionale, profondi conoscitori della musica barocca e in particolare di Vivaldi, avvenuto a Mantova il 5, 6, 7 agosto 1998, N.d.A.) con Lorenzo Arruga, anche Dj Spooky, Grip Inc. Furono tutti il mio modo per espandere le mie conoscenze. Ho amato i Fantomas e il modo geniale in cui Mike Patton mise insieme quella band.

Tu e Mike Patton avete alle spalle una lunga e proficua collaborazione.

Si, lavoriamo insieme dal 1999. Diciamo che c’è un’amicizia fraterna: abbiamo una perfetta intesa sia sul palco che fuori. Quando suoniamo insieme, per me almeno, è magia. Lui usa la voce in modo molto percussivo, quasi ritmico. Per lui la voce non è solo un mezzo per veicolare melodie o parole ma un vero strumento. E sente molto la musica, nello stesso modo in cui la sento io. Non canta sulla musica: suona con noi. E io mi considero molto fortunato a poter collaborare con lui. Ogni tanto ci vediamo per improvvisare. Anche qui abbiamo lo stesso approccio all’improvvisazione.

Ho visto recentemente un video in cui Patton dice ad Eric Andre che inizialmente, prima di conoscere te, aveva chiesto a Igor Cavalera dei Sepultura di unirsi ai Fantomas ma dopo qualche tentativo smisero. Patton dice cosi, “perchè non ci capivamo. Con Lombardo invece ci capiamo al volo”.

Si, telepaticamente. Non so da cosa dipende, forse anche dal fatto che siamo totalmente autodidatti entrambi.

Ho due amici batteristi: quando ho detto loro che ti avrei intervistato hanno avuto una piccola sincope cardiaca (Lombardo ride di gusto) Avevano un paio di domande per te. Ecco la prima. Hai dei rimpianti?

Mmmm (ci pensa un attimo) non proprio perché ogni cosa che ho fatto ha contribuito a farmi stare dove sono ora. E non potrei essere più felice di dove sono ora. Sono forte fisicamente, sto ancora suonando, ho 55 anni ma mi sento come se ne avessi 30. A dire la verità mi sento meglio di quando ne avevo 30, allora ero tutto incasinato. Ora ho più fiducia nelle mie capacita, sono circondato da persone grandiose e questo è importante perché ho impiegato tantissimo tempo per eliminare la negatività dalla mia vita (sicuramente sbaglierò ma qui mi sembra di cogliere un riferimento ai suoi ex compagni negli Slayer, N.d.A.) e finalmente ci sono riuscito. Oggi mi sento pienamente appagato come musicista, come marito e padre. Penso che se avessi fatto scelte diverse nel passato non sarei qui adesso. E non ci sono solo Mr. Bungle. Ci sono i Dead Cross, da qualche anno sono un membro dei Suicidal Tendencies e sto suonando coi membri originali dei Misfits: Mike Muir, Glenn Danzig, Jerry Only, Mike Patton… queste sono leggende!

Per me questi sono gli Avengers!

Si hahah! Gli Avengers!

Seconda domanda dei miei amici batteristi: la tua carriera è un monumento alle scelte senza compromessi. In trent’anni non hai mai suonato per esempio con Ariana Grande (Lombardo ride), non che ci sia nulla di male, anzi. Però hai fatto scelte spesso controintuitive. Qual’è il criterio che usi per dire di sì?

Il tuo cuore, le tue budella, il tuo stomaco. Segui il tuo cuore, quello che ti dice. Quando Glenn Danzig mi telefonò dicendomi che i Misfits originali si riunivano per una serie di show e voleva che alla batteria ci fossi io credo di averci messo due secondi, tre, per rispondere e dirgli “si, facciamolo”! Non conoscevo la loro musica così bene quindi anche quella fu una sfida, ma sapevo che sarebbe stato molto speciale per i fan. I Misfits sono una band molto speciale, a partire dal logo. Io seguo il mio cuore (“I go with the flow”).

C’è stato mai un momento in cui hai deciso di mollare tutto? Tipo “basta musica, basta industria musicale, apro un microbirrificio”?

Mmm forse sì… ma non ha funzionato! La musica è semplicemente una parte troppo grande della mia vita. E’ parte della mia anima. Non potrei mai mollare, non potrei mai ritirarmi. Anzi, non mi ritirerò mai, suonerò metal e musica in generale finché il mio corpo ci riuscirà. Finora mi pare stia andando alla grande!

Ricordo bene quando ascoltai per la prima volta gli Slayer. Era il 1988, avevo già consumato Ride The Lightning e …And Justice For All dei Metallica che un amico della montagna mi aveva allungato. Mi sembravano dischi tostissimi. Lo stesso amico un giorno mi disse “ehi dimentica i Metallica e senti questo!” porgendomi una cassetta: era Hell Awaits degli Slayer. I Metallica non li dimenticai mi di colpo mi sembrarono i Beatles. Come fu tornare negli Slayer nel 2001 dopo il tuo primo abbandono nel 1992?

Fu come se non me ne fossi mai andato. Andava tutto alla grande, tanto che Araya disse che avermi alla batteria era come “un vecchio paio di scarpe”. Comunque anche per me i Metallica erano i Beatles e gli Slayer erano i Rolling Stones!

Tu hai anche lavorato alla composizione di musica per la televisione (Dark Nights: Death Metal) e il cinema (Insidious: Chapter 3). Me ne parleresti?

Beh, la tua musica dev’essere un contrappunto alle immagini, un lavoro molto stimolante. Per me è più stimolante che sedermi a scrivere un mio brano. Preferisco quasi comporre piccoli movimenti, ti lascia molta libertà. Molta più che in un brano metal dove devi avere un intro una struttura, un bridge, un cambio, la sezione dell’assolo… Lavorare con le immagini è molto stimolante perché ti spinge a chiederti cosa comunichino quelle immagini, che strumenti usare, che tempo… è un approccio ovviamente molto diverso che stare in una stanza e scrivere con una band ma ugualmente molto gratificante. Mi metto qui, nel mio studio, la mia caverna, e mi rilasso molto.

Un sacco di miei amici batteristi infatti ora, coi concerti fermi, stanno dando lezioni di batteria. Tu ne hai mai date?

No, non mi piace dare lezioni. Faccio qualche clinic e quello è divertente, è una specie di esibizione a cui segue una chiacchierata, ma dare lezioni? nahhh… Credo che ci siano tanti grandisiosi insegnanti di batteria la fuori, che capiscono il linguaggio della musica, la teoria… io non so il linguaggio, sono autodidatta. Non sapendo il linguaggio, non saprei come spiegarlo a degli studenti.

La teoria musicale è importante ma io non la conosco. Alla fine, Alessandro, la cosa che conta è sempre la stessa: divertirti. Io ho raggiunto l’apice della mia carriera da batterista molto presto, ho poi suonato con i Big 4 davanti a 70 mila persone, davanti a 3 mila persone con gli Slayer e, una volta lasciati gli Slayer, davanti a 25 persone con la mia nuova band. Chiedevo ai miei amici di venire a vedermi. La cosa che non è MAI cambiata però, mai, è l’elettricità, il divertimento, la carica che mi da suonare. Uno tende a dimenticarsi di quanto sia bello dopo un po che lo fa professionalmente, ma è fondamentale ricordarsi sempre di quanto sia gratificante. Perché l’industria musicale ti butterà addosso un sacco di cose negative, ostacoli, ma devi superarli pensando che stai facendo qualcosa di meraviglioso. Le cose poi succedono se fai quello che fai con passione. Non posso ancora parlarne ma l’anno prossimo uscirà un feature film, in cui io suono la batteria tutto il tempo… intendo nel film: sarà credo molto popolare perché ci sono nomi grossi. Sto aiutando una band con il loro disco e quando uscirà la gente dirà “ma che cazzo è?”. Il secondo album dei Dead Cross uscirà anche l’anno prossimo. Poi altri cartoni di Batman per i quali sto lavorando… insomma un sacco di cose piccole. Amo quello che sto facendo!

Vale sempre la regola “mai incontrare i propri eroi?”

Dave è un fiume in piena, mi racconta del suo amore per l’Italia, di come si stupisca ogni volta che nei bar gli diano una vera spremuta invece di succo d’arancia industriale nel bric, dei ristoranti e della gente super entusiasta. Noto che abbiamo superato abbondantemente la mezz’ora che concordata per l’intervista e prima di salutarlo gli dico che è bello sapere che non vale sempre la vecchia regola del “mai incontrare i propri eroi”. Lui mi risponde con un sorriso a 36 denti: “Beh, Alessandro, io sono qui proprio per cambiare quella regola!”.

Credo sia passato il giusto tempo per finalmente analizzare con lucidità il profilo Instagram di Achille Lauro. Dovremmo aver recuperato le ore di sonno perse e, alcuni di noi, anche gli anni persi di fronte alle apparizioni fantastiche, quasi surreali, di Lauro de Marinis, in arte Achille Lauro.

Visionario, luminare, screanzato, sciocco, buffone, indecoroso tanti i modi in cui l’abbiamo sentito chiamare.

Il profilo Instagram di Achille Lauro

Col senno di poi, l’unica cosa che mi sento di affermare con certezza è che sciocco non lo è affatto. Sí, perché Lauro sapeva quello che faceva e l’ha sempre saputo, dal primo gradino sceso sul parco dell’Ariston e chissà da quanto altro tempo prima. Basta infatti aprire la pagina Instagram del cantante per comprendere come il suo non sia stato un mero, disperato esibizionismo. Le performance sono state concepite per rimanere coerenti ad un messaggio unico che adesso andremo ad analizzare passo passo per tutti quelli che – come me fino a qualche giorno fa – non sono tra i suoi followers.

Ad ogni giornata di festival corrisponde una carta, simile a quelle dei tarocchi, che solo in contemporanea con l’esibizione verrà girata tramite delle gif e mostrata ai followers. Una campagna teasing perfetta!

Una foto del cantante in abiti di scena – postprodotta in maniera magistrale – ed il nome del personaggio che ha ispirato il look. San Francesco, Ziggi Stardust, Marchesa Casati, Elisabetta I Tudor.

Un frate che si sveste di tutti i suoi averi, l’alterego piú glam Glam Rock, una mecenate che dedicò tutta la sua vita all’arte fino a lasciarsi consumare, una sovrana impertinente pronta a tutto per amor del suo popolo. Tutti reinterpretati con il prezioso supporto di Alessandro Michele, direttore creativo di Gucci, ormai da cinque anni.

Cosa hanno in comune? L’essere delle figure discusse, che hanno segnato, ciascuno nel proprio ambito e nella propria epoca, dei momenti di forte rottura. Tutti personaggi, insomma, che se ne sono fregati, come recita la canzone presentata in gara.

In una lettera scritta a mano e poi condivisa sempre sul suo profilo Instagram ufficiale, Lauro sottolinea come in particolare il suo voler vestire abiti prevalentemente femminili è dettato dalla repulsione verso quella che definisce “l’aria densa di finto testosterone” in cui lui, come tutti noi millennial è cresciuto.

“Rifiutare le convenzioni da cui poi si genera discriminazione e violenza” è questo che afferma di aver voluto fare. Achille Lauro ha scelto un palcoscenico così importante e dei modi così forti, ma la verità miei cari compagni Millennial è che tutti noi siamo cresciuti respirando quella stessa aria e tutti noi, nelle adeguate proporzioni – ma neanche troppo – dovremmo darci una svegliata e iniziare a fare qualcosa.

Perché è un po’ triste leggere di come Valentina Georgia Pegorer, intervistatrice al festival per Billboard e fidanzata di Boss Doms, chitarrista sempre al fianco di Lauro sul palco queste sere, riceva quotidianamente messaggi in cui le si chiede se ritenga consono che il padre di suo figlio porti i capelli blu, le unghia tinte e le labbra truccate. Messaggi a cui lei, quotidianamente, si trovi a rispondere che dovrebbero essere altri i valori che definiscono un buon genitore. L’amore, il rispetto, ad esempio?

Ci sono delle persone che non ce la fanno a stare lontano dai guai, li attirano. Vedi Morgan.

In certi momenti della loro vita questa capacità riescono a gestirla, a sfruttarla come un potere magico e questo le rende ombrosamente attraenti. Camminano sull’abisso del rischio mentre noi mortali tentenniamo in incertezze e menate. Però, in altri momenti, quando viene meno l’equilibrio, questa dote si rivela un disastro. Morgan è l’incarnazione di questa profezia.

La biografia di Morgan è una carrellata di disastri

Sono anni che conquista titoli e prime pagine e fa scalpore, ma sempre con la notizia sbagliata. Da quella storica intervista in cui disse che usava la cocaina come antidepressivo in poi, niente si è più raddrizzato. È troppo tempo che il suo nome è associato a guai, tossicodipendenze, licenziamenti, crisi, lotte con la ex, debiti. Nessuno ha voglia di appassionarsi a questa roba, specie dopo che lo vede alterato in tv a straparlare nei peggio salotti. Lui, che ha scritto “metallo non metallo” e “Canzoni dell’appartamento”, lui che era il più colto e il più intelligente, l’anello di congiunzione tra i fan di Battiato e quelli di Bowie. E invece…

Dopo essersi lagnato per mesi per i suoi problemi legati allo sfratto e aver puntato il dito contro i suoi “colleghi” che non lo aiutavano economicamente è tornato a voler calcare il palco. Che poi da quando gli artisti sono colleghi? Ha fatto un casino. Voleva dirigere l’orchestra ma i musicisti sostengono che non sia in grado. Canta stonando, ormai afono, non ne azzecca una. Di lui si parla sempre cercando di interpretarlo per i gesti che compie, mi sorprende come l’opinione pubblica, la stampa o i programmi tv non chiedano a uno psicologo o psichiatra cosa affligge Morgan. Ragazzi cazzo ma è un tabù parlare di tossicodipendenza, patologie e disagio?

La lite tra Morgan e Bugo

Stando a sentire la sua ricostruzione della lite con Bugo pare che esista un complotto contro di lui, qualcuno che lo sabota. Smascella, straparla, svela tutte le sue paranoie.

Assurdo che nessuno le prenda per quello che sono.

Bugo forse ne è uscito devastato perché deve essere difficile avere dei rapporti con uno come Marco Castoldi.

E nessuno dice che è da troppo tempo che non si parla di questi due artisti per un pezzo nuovo, per un disco che spacca, per qualcosa inerente alla musica. Gli artisti fanno il loro tempo, non possono sfornare capolavori tutta la vita. Bugo stesso forse non ha mai sfornato un capolavoro e deve molta della sua attuale fama alla sua anzianità nella scena indie. Chi è Bugo? È dai tempi di Sentimento Westernato o Dal Lofai al Cisei che non canto più un suo pezzo fatta eccezione per Cosa ne pensi Sergio di qualche anno fa. Poco. Pochino.

Gli artisti a un certo punto devono cambiare mestiere. Smettere di rompere i coglioni a tutti volendo restare sulla breccia e mettersi a fare altro. Se non ti vengono più le canzoni, non scriverle. Idem per i libri, i film, i quadri, tutto. L’arte deve essere un’urgenza, sennò diventa sbarcare il lunario, diventa artigianato. E non c’è niente di male eh, ma chiamatelo col suo nome.

Quest’anno più che mai le cinque giornate di festival sono state una celebrazione della musica italiana. Un motivo, quello del rendere omaggio ai grandi del passato, reso quasi ridondante.

I concorrenti si presentano, per lo più, con canzoni che non si inquadrano in generi precisi, ma tuttalpiù – onorando il carnevale – si travestono con un’aria pretenziosa. Partendo dal presupposto che io di musica, esattamente come lo spettatore medio di Sanremo, non ci capisco niente, mi sento di dire che facciano eccezione un Pelù quanto mai coerente e un Raphael Gualazzi genuino, travolgente. Sono, però, Tosca e Gabbani, due nomi già a tutti ben noti, le vere rivelazioni di questo Sanremo 2020 e ora vi spiego perché.

Ho amato tutto di Tosca

Tosca, con Ho amato tutto, ci fa sfiorare l’idea di un paradosso temporale e di fronte all’eleganza ed alla pienezza delle sue interpretazioni l’autotune sembra scomparire nel dimenticatoio. Una signora del Belcanto, come l’ha definita Savino nella notte fonda dell’AltroFestival, ha dato vita ad esibizioni emozionanti, riuscendo a riempire il palco semplicemente con sguardo e qualche gesto delle mani. Inquadratura a mezzo busto, ferma dietro l’asta, luci ferme, uno scollo contornato di piume sottili firmate Franco Ciambella. La terza serata è stata, per me, pelle d’oca dal primo accordo di pianoforte!

Viceversa di Francesco Gabbani

Le percentuali del televoto eleggono Gabbani, con Viceversa, vincitore. E vestono della medaglia d’argento i Pinguini Tattici Nucleari, lasciando un terzo posto poco luccicante, con parecchi voti di scarto, al caro Diodato. Se per l’emergente e frizzante gruppo bergamasco è senza alcun dubbio stata la freschezza la carta vincente, come spesso accade al festival, con Gabbani la situazione si fa più interessante. La canzone Viceversa presentata a Sanremo 2020 è totalmente diversa da Occidentali’s Karma che l’aveva reso vincitore tre edizioni fa in virtù appunto della spensieratezza di cui sopra.

Viceversa appare come un brano più profondo, ma – e qui il miracolo – straordinariamente leggero, in cui un’emozione viene analizzata con una semplicità sconvolgente, priva di tutta quella retorica e di tutte quelle pretese. Con Gabbani torna finalmente l’immagine del cantante – o più in generale, dell’artista – che si assume l’oneroso compito di provare a spiegare un sentimento, ricercando immagini che permettano di partire dal personale per parlare dell’universale, arrivando, in modo più o meno chiaro, al cuore di tutti.

Ma alla giuria demoscopica ed alla sala stampa il travestimento di molti è piaciuto, in pochi tra loro hanno saputo resistere alla libidinosa tentazione di erigersi ad elettori sofisticati. Ahimè, cari giurati, mi tocca rompere la vostra bolla del disincanto. Diodato è stata – anzi è sempre stata, dal primo istante – la scelta più mainstream di tutte, lì dove per mainstream si intende una banalità antipatica e addirittura un po’ fastidiosa. Sì, perché esiste una banalità brutta e poi ce n’è una bella, che in questo caso appartiene al popolo del televoto. Mai prima d’ora ho abbracciato così tanto l’idea del populismo, che a Sanremo 2020 si è fatto espressione della volontà di ricominciare a dare peso alle cose, partendo proprio da quelle non fisiche, del desiderio di imparare di nuovo – finalmente – a sentire e quale modo migliore per farlo, se non attraverso la musica?

Su 24 concorrenti Big di Sanremo 2020, 15 sono millennial, 6 sono della generazione X e 3 sono anziani Baby Boomer.

Inizia Il Festival di Sanremo 2020: non si capisce bene il perché ma tutti devono parlarne e soprattutto parlare dei concorrenti Big di Sanremo 2020. E quindi come pecore ubriache lo facciamo anche noi. A dire il vero per questo Sanremo 2020 un motivo buono ce l’avremmo: La stragrande maggioranza dei concorrenti Big sono millennial.

Perché è importante? Forse perché testimonia il cambio generazionale, l’ascesa un po’ definitiva anche nel mondo della musica italiana.

Ma noi di millennial siamo autocritici nonostante quello che pensano i sociologi e allora ecco, diamo i voti ai concorrenti Big di Sanremo 2020 e lasciamo fuori le altre generazioni.

Achille Lauro, 29 anni. Lauro De Marinis è nato l’11 luglio 1990 a Verona. Però è cresciuto a a Roma tra Serpentara, Vigne Nuove e Conca d’Oro. A 14 anni va a vivere con il fratello maggiore, producer per la crew Quarto Blocco. Lauro poi approccia il mondo del rap

L’attuale amministratrice dell’agenzia di Lauro, la No Face Agency, è sua mamma. Avere la mamma manager è un elemento in comune con il millennial per eccellenza, Fedez.

Il suo producer è Edoardo Manozzi, in arte Boss Doms. Alle cronache rosa è noto per aver litigato con l’ex starlette Antonella Elia, 

Nel gennaio 2019 ha pubblicato Sono io Amleto, autobiografia pubblicata da Rizzoli.

TESTI 7, VOCE 5, PRESENZA 7

Alberto Urso, 23 anni, messinese, a essere precisi è uno zennial, dato che l’appartenenza generazione dei millennial è quasi da tutti indicata fino al 1996. Deve il suo successo a un certo talento nel belcanto e alla 18ª edizione del programma Amici di Maria De Filippi, che ha vinto.

A maggio 2019 ha pubblicato il primo album in studio Solo, che ha ottenuto il disco d’oro e che è rimasto in prima posizione nella classifica FIMI italiana per due settimane consecutive. Dall’album è stato estratto il singolo Accanto a te.

TESTI: 6, VOCE 7, PRESENZA 6

Anastasio, 22 anni, è originario di Meta vicino a Sorrento. Con il nome d’arte di Nasta, i suoi primi singoli sono pubblicati su YouTube nel 2015. Nel marzo 2018 dedica un brano all’allora allenatore del Napoli: Come Maurizio Sarri. Diventa famoso tra i tifosi del Napoli.

Nel 2018 vince la dodicesima edizione di X Factor.

L’8 febbraio 2019 è a sorpresa al 69º Festival di Sanremo dove, dopo un monologo interpretato da Claudio Bisio, canta in anteprima il nuovo singolo Correre.

TESTI: 7, VOCE 6, PRESENZA 8

Diodato. Anni 38, nato ad Aosta ma pugliese di origine, e romano d’adozione. A Stoccolma ha partecipato a una compilation lounge cantando il brano Libiri (che avrebbe dovuto essere Liberi) con i DJ svedesi Sebastian Ingrosso e Steve Angello, che andranno a formare qualche anno dopo gli Swedish House Mafia. Tornato in Italia, si è laureato al DAMS di Roma.

Grazie al produttore Daniele Tortora (già con Afterhours, Roberto Angelini, Niccolò Fabi e Planet Funk) riceve l’offerta di incidere il disco E forse sono pazzo (2013), che vanta ottime recensioni.

TESTI 7, VOCE 6, PRESENZA 4

Elodie, all’anagrafe Elodie Di Patrizi, è una cantante romana di 29 anni. Classificata seconda alla quindicesima edizione del talent show Amici di Maria De Filippi, ha vinto il premio della critica Vodafone e il premio RTL 102.5.

Ha un padre italiano e una madre francese creola originaria della Guadalupa nelle Antille francesi. Dopo aver tentato la carriera da modella, nei primi anni 10 ha avuto un discreto successo.

TESTI 5, VOCE 8, PRESENZA 8

Enrico Nigiotti è nato a Livorno nel 1987. Grazie al padre Stefano sviluppa una passione per la musica blues. A sedici anni inizia a scrivere canzoni e nel 2008 debutta ufficialmente nella discografia dopo aver ottenuto un contratto con la Sugar Music di Caterina Caselli.

Il debutto è con il singolo Addio, prodotto da Michele Canova e arrangiato nei cori da Elisa.

TESTI 6, VOCE 8, PRESENZA 6

Francesco Gabbani  è di Carrara, dov’è nato il 9 settembre 1982. Ha vinto per due volte il Festival di Sanremo, nel 2016, anno in cui era esordiente nella categoria Nuove Proposte, con il brano Amen (ottenendo anche il Premio “Emanuele Luzzati”, il Premio della Critica “Mia Martini” e il Premio “Sergio Bardotti” per il miglior testo), e nel 2017 nella categoria “Big” con il brano Occidentali’s Karma.

Nel 2017 è stato scelto come rappresentante dell’Italia all’Eurovision Song Contest 2017.

Forse ingiustamente dipinto come creatore seriale di tormentoni estivi a base di giochetti di parole e calembour, è invece un ottimo musicista polistrumentista.

TESTI 7, VOCE 6, PRESENZA 8

Giordana Angi, 26 anni, è nata a a Vannes, in Bretagna, da madre francese, hostess di volo, e padre italiano. Cresce tra Italia e Francia, finché non si trasferisce definitivamente ad Aprilia con la famiglia.

Tornata in Italia prende lezioni di chitarra e di jazz, imparando a suonare anche il pianoforte. È cresciuta con Bob Dylan e i Beatles agli AC/DC, da Edith Piaf a Mina. Ha frequentato il liceo classico.

TESTI 9, VOCE 7, PRESENZA 6

Levante, alias Claudia Lagona è nata il 23 maggio 1987 a Caltagirone. e vive a Palagonia, in Sicilia fino ai 14 anni. Nel 2001, cinque anni dopo la morte del padre, si trasferisce con la madre e i suoi tre fratelli a Torino.

Firma un contratto con l’A&A Recordings Publishing e l’Atollo Records, con il quale registra il brano Troppodiva con il nome di Levante e le Effemeridi, ma successivamente lascia Torino per Leeds, nel Regno Unito. Nel 2013, con l’etichetta INRI, incide il brano Alfonso, certificato disco d’oro nel 2017.

Levante @ SXSW 2015, Hilton Liberty Tavern

TESTI 8, VOCE7, PRESENZA 9

Elettra Miura Lamborghini, 26 anni, bolognese, è la figlia di Luisa Peterlongo e Tonino Lamborghini. C’entra con la dinastia delle auto di lusso? Sì, è nipote di Ferruccio Lamborghini, fondatore della casa automobilistica emiliana.

 Elettra ha cominciato la propria carriera esibendosi nelle discoteche della Lombardia, fino al 2015 quando ha partecipato allo show televisivo Chiambretti Night. Un anno dopo era già protagonista di Super Shore, trasmesso in Spagna e America Latina e sempre nello stesso anno è nel docu-reality di MTV #Riccanza, posando per le pagine di Playboy Italia.

TESTI 4, VOCE 5, PRESENZA 8

Junior Cally. L’artista rap italiano Antonio Signore, romano, classe 1991 con il suo nome d’arte, omaggia il famoso cantante reggae giamaicano Junior Kelly.

Ha scritto un libro, Il principe. È meglio essere temuto che amato dove racconta di aver avuto una sospetta leucemia. Poi si è scoperto che non lo era, ma nel frattempo lui sostiene che è in quel periodo che è nato il suo DOC (disturbo ossessivo-compulsivo, altra tipica piaga millennial).

TESTI 7, VOCE 5, PRESENZA 7

I pinguini tattici nucleari. Complesso millennial 100% composto da: Simone Pagani (Bergamo, 4 luglio 1991), Matteo Locati (Treviglio, 26 febbraio 1991), Lorenzo Pasini (Alzano Lombardo, 28 maggio 1994), Elio Biffi (Seriate, 8 maggio 1994), Nicola Buttafuoco (Bergamo, 21 ottobre 1994), Riccardo Zanotti (Alzano Lombardo, 16 settembre 1994.

Il gruppo nasce nel 2010 in provincia di Bergamo. Il nome è tratto da quello della birra Tactical Nuclear Penguin, prodotta dal 2009 dal birrificio britannico BrewDog.

Il loro primo EP autoprodotto contenente cinque brani dal titolo Cartoni Animali è del 2012. Il primo album risale al 2014: Il re è nudo. A fine 2015 pubblicano il secondo album Diamo un calcio all’Aldilà.

In aprile 2019 è pubblicato l’album Fuori dall’hype, anticipato dal singolo Verdura. Poco dopo esce Faber nostrum, album tributo per Fabrizio De André, contenente una rivisitazione di Fiume Sand Creek.

TESTI 8 e mezzo, VOCE 7, PRESENZA 8

Raphael-Raffaele Gualazzi è nato a Urbino nel 1981 sotto il segno dello Scorpione e della musica d’autore (è figlio di Velio Gualazzi). Compositore e pianista italiano vincitore della categoria Giovani del Festival di Sanremo 2011 con Follia d’amore.

Sempre nel 2011 arriva secondo all’Eurovision Song Contest, e conquista la seconda posizione anche al Festival di Sanremo 2014 con Liberi o no in collaborazione con The Bloody Beetroots.

TESTI 8, VOCE 7 e mezzo, PRESENZA 5 e mezzo

Riki, pseudonimo di Riccardo Marcuzzo, è nato a Segrate (Milano) nel febbraio del 1992.

Avvezzo ai casting per i Talent show fin da bambino, Marcuzzo subisce l’imprinting di Amici di Maria De Filippi, dove ha dichiarato che il primo brano da lui composto si intitolava Una calza sì una calza no.

Dopo gli studi di recitazione e di canto si diploma all’Istituto Europeo di Design a Milano, grazie al titolo di studio apre un atelier di design, ma poi ritorna da Maria De Filippi per iniziare un nuovo percorso ad Amici.

TESTI 6, VOCE 6, PRESENZA 7

Un po’ ci siamo esposti, è chiaro per chi tifiamo? Ai postsanremisti l’ardua sentenza.

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Potente, introspettivo, con una carica emotiva infinita. Vasco Barbieri si presenta al pubblico con questa splendida ballad fatta di momenti molto intimi alternati ad altri estremamente energetici grazie anche a un arrangiamento di grandissimo livello.

Il mondo corre attorno a lui, le vite che lo circondano trasudano energia in ogni respiro e il suo cuore batte forte perché anche lui si sente parte di questo grande gioco che è la vita.

Convert è il classico esempio di una canzone fatta con il cuore e suonata dalla prima all’ultima nota.

Fraseggi di pianoforte accompagnano tutta la traccia creando un’atmosfera di grandissima classe mentre un mix di tappeti ed effetti di tastiera colora tutto l’assieme.

Il drumming risulta intrigante ed al contempo bello tosto grazie ad un gioco di accenti che alterna momenti delicati ad altri, come nei ritornelli, di grande potenza ed impatto con l’eleganza del giro di basso che risulta sì al servizio del pezzo, ma con fraseggi di assoluta classe pensati per donare ulteriore eleganza al mood.

Decisamente interessante l’elemento chitarristico il quale, senza mai risultare fuori dalle righe, ci mette di fronte a ritmiche e rif in distorsione, con una parte solistica molto bella sul finale, mentre proprio nello stop and go ultimo, ecco apparire quella ritmica di acustica che apre ulteriormente il sound!

La performance di Vasco è intensa, carica di emozione e ti perfora l’anima per intensità e coinvolgimento!

Da gustare a volumi importanti con un buon drink a portata di mano!

La storia

Il videoclip di “CONVERT” (scritto e diretto da Sibilla Barbieri con la collaborazione di Andrés Arce Maldonado) è ambientato nella suggestiva isola di Lanzarote e segue una sorta di evoluzione del cantautore, a rappresentare metaforicamente un ritorno alla vita. Dall’acqua Vasco Barbieri risale il buio di una grotta procedendo verso la luce, attraversa territori deserti,  vulcani, spiagge e finalmente corre libero verso un nuovo sé e un nuovo futuro.

«Ho scritto “CONVERT” in un periodo in cui facevo meditazione ogni giorno – racconta Vasco – Proprio mentre avevo gli occhi chiusi ed ero concentrato sulle mie sensazioni, ho avvertito la sensazione di essere un ingranaggio di questo mondo, di farne realmente parte. Quando ho riaperto gli occhi mi sono seduto d’istinto al pianoforte ed è nata questa canzone, che esprimeva la voglia di trasformarmi e di lasciare andare il passato, la vecchia immagine che avevo di me. Ogni volta che suono questa canzone rivivo quella stessa vertigine, il bisogno di lasciarmi andare: “CONVERT” è la mia occasione per ricominciare».

In “CONVERT” i tratti soft voce e pianoforte, con influenze elettroniche, si alternano ad energiche esplosioni rock. È un viaggio interiore alla scoperta di se stessi, un inno al cambiamento per trovare il proprio posto nel mondo.  Il brano è scritto e composto da Vasco Barbieri, prodotto da Sibilla Barbieri per Maqueta Records con la Direzione Artistica di Fernando Alba, arrangiato e mixato da Francesco Santalucia e masterizzato da Emanuele Bossi.

Leggi la storia di Vasco!

Era più o meno il 2009 quando cominciarono a trapelare le prime notizie relative a una serie animata ideata da Adriano Celentano, un vero e proprio anime italiano. Il sottoscritto, come altri all’epoca, era elettrizzato all’idea. Ma poi…

L’antefatto

Il Molleggiato, nell’arco degli anni precedenti, aveva condotto una serie di programmi di successo, quindi era quasi naturale provare una simile fibrillazione per questo progetto, all’epoca così avanguardistico. Ci sarebbe anche da dire che a quei tempi andava di moda abbreviare “non” con “nn” e scrivere “ke” al posto di “che”, quindi è probabile che i gusti popolari di quel periodo fossero discutibili.

I rumors, però, rimangono tali finché, ad inizio 2019, vengono mandati in onda i primi spot che mostrano questo Lochness del panorama televisivo nostrano. Adrian è stato presentato come una distopia futuristica, affidata al tratto distintivo di Manara, alla voce di un Celentano invecchiato di parecchi anni e alle musiche di Nicola Piovani su cui, al netto del contenuto di questo articolo, non c’è proprio nulla di negativo da dire.

L’ultimo spot mostra Adriano Celentano cantare in playback davanti allo specchio, mentre la sua versione animata si avvicina sempre di più. Il tutto a un volume altissimo, scelta di marketing che attira subito le prime critiche.

Il primo episodio

Finalmente, il 21 Gennaio 2019 arriva il primo episodio del cartone, preceduto da un live chiamato Aspettando Adrian…. Il nome del pre-show si fa letterale: dopo i primi forfait di alcuni vip che mollano lo spettacolo, Celentano si trasforma in novello Godot. Lascia il palco a un Natalino Balasso in grande spolvero populista, mentre Nino Frassica e Francesco Scali sono intenti a portare avanti uno sketch metaforico sulla salvezza dell’umanità. Al termine dello spettacolo, finalmente, comincia il cartone. Nessuno però era preparato a quanto è avvenuto sullo schermo. L’episodio, esemplificativo di tutta la serie, mostra dialoghi terrificanti, animazioni a volte perfette, a volte con un massimo di tre frame al secondo e soprattutto la “Mafia international”, azienda malavitosa situata (ovviamente) a Napoli.
E questa è solo la prima puntata.

Il resto è storia

Dalla seconda puntata la trama prende una piega folle, con Celentano che assume l’identità de “La Volpe”, un simil-zorro che soccorre le vittime di soprusi di vario genere a colpi di rime, tango e tanti scappellotti, riuscendo anche a fare dell’onesto victim blaming durante la sua prima apparizione. Il genio però non si ferma qui. Nelle puntate successive abbiamo un altro cambio d’identità, con Adrian che assume le sembianze di tale Darian (sì, avete capito bene) detto “La Befana”, fino ad arrivare agli ecomostri parlanti portati in vita con una grafica da PS1.

I critici televisivi si avventano sul prodotto come avvoltoi su una carcassa, distruggono il progetto sul nascere. Il pubblico, inutile a dirsi, seguì a ruota, in barba alla retorica sui professoroni. La verità è che queste persone non hanno capito niente: Celentano è un genio.

Adrian, infatti, è il più puro esempio di trash che la televisione italiana abbia mai visto, almeno nell’ultimo decennio. Ma cos’è il trash? Perché si abusa così tanto di questo termine? Il pubblico italiano del Duemila è abituato a siparietti d’ursiani, a reality show pieni di aspiranti parassiti del jet set che sperano di guadagnarsi un posto al sole coprendosi di ridicolo. Pertanto, si scambia il grottesco per trash. Laddove il primo è un surrogato della “Locura” della serie TV Boris, un fenomeno da baraccone guardato a distanza per sentirsi un po’ meno scemi in un mondo che si instupidisce gradualmente. Mentre il secondo è un concetto un po’ più complesso.

Tommaso Labranca, in Andy Warhol era un coatto. Vivere e capire il trash (Castelvecchi, 1994) individua i pilastri di un’opera trash: la libertà di espressione del proprio gusto, la contaminazione di più culture, incongruità e massimalismo nel rifarsi a un modello e, soprattutto, l’emulazione fallita. Alla base di questi pilastri vi è una formula matematica che permette di “calcolare” il trash.

Intenzione – Risultato = Trash

In questi termini, è evidente come la Serie Evento rispecchi perfettamente gli aspetti appena illustrati. Celentano esprime liberamente tutte le sue idee e le sue ossessioni, senza preoccuparsi di filtrare tali convinzioni in modo da renderle più fruibili a un pubblico vasto. Dagli OGM alla speculazione edilizia, dalla religione all’arte, Adrian è un manifesto puro e schietto della visione che Celentano ha della società odierna. Il risultato è un impasto dalle mille sfaccettature, un futuro distopico contaminato dalle sue esperienze.

L’Italia del 2068 immaginata dallo showman è sia un inferno pseudo-cyberpunk fatto di corporazioni, inquinamento e nichilismo morbido di un’umanità rassegnata a “non godere più della bellezza”, sia un rifugio neorealista in cui l’autore rivive la sua infanzia nelle strade di una città sotterranea rimasta agli usi e costumi del secolo precedente e proposta come un novello Eden verso il quale fare ritorno. La contaminazione è palpabile anche nella scelta dei modelli cui fare riferimento. Nel giro di poche scene, Adrian spazia da combattimenti quasi caricaturali (che potrebbero ricordare JoJo’s Bizarre Adventure), a scene da commedia sexy all’italiana che ruotano intorno alla love story tra Gilda e l’Orologiaio, senza rinunciare a invettive (retoriche) e sotterfugi da dramma politico impegnato.

Preso dalla foga di esprimere quel che vuole dire, Celentano non si cura minimamente di rendere credibile la narrazione. Predilige il significato al significante. La distanza tra i due elementi è abissale. Perché se pure è vero che i principi su cui si fonda Adrian sono “universali” (l’auspicato ritorno a uno stile di vita più sano non è un concetto nuovo alla narrazione italica), è anche vero che essi vengono sviscerati senza coerenza o grazia, senza soddisfare le esigenze narrative richieste dal medium adoperato. Celentano si affida molto (inconsciamente o no) alla sospensione dell’incredulità da parte dello spettatore. Che è costretto a soprassedere ai numerosi buchi di trama e alle incongruenze logiche e dialogiche.

Sono Adrian e faccio un po’ quel catxo che mi pare

In un episodio, la facciata del Duomo di Milano – coperta per decenni da una moltitudine di cartelloni pubblicitari – viene liberata del fardello consumista proprio da Adrian, che non fa altro che schiacciare un evidentissimo bottone con l’etichetta “PREMERE QUI PER DISATTIVARE LA COPERTURA PUBBLICITARIA”. Per quanto potremmo credere che questa scena non sia altro che una metafora per descrivere l’indifferenza degli italiani, talmente ciechi da non riuscire a compiere un’azione così semplice, non possiamo fare a meno di notare quanto sia sbrigativa e sciocca una soluzione del genere.

O, ancora, pensiamo alla terribile forza di Polizia del Potere. Un corpo armato presentato come para-nazista e pseudo-orwelliano, in grado di controllare col pugno di ferro ogni aspetto della società italiana. Che però abbandona ingenuamente un evento sportivo di importanza nazionale solo per inseguire un ex popstar finita in malora e, in questo modo, fornisce ad Adrian l’ennesima ghiotta occasione per raccogliere proseliti. D’altro canto, parliamo della stessa psicopolizia che ha permesso al Nemico Pubblico n. 1 di evadere senza nessun problema da un carcere di massima sicurezza. Insomma, non esiste buco di trama così grande e profondo da esaurire la foga dello showman milanese.

L’emulazione fallita

L’ultimo punto, probabilmente anche il più importante a determinare il valore trash dell’opera, è il concetto, già espresso, di emulazione fallita. Anche in questo caso Celentano riesce a distinguersi da tutti gli altri. Lory del Santo, mentre scriveva quel capolavoro trash della prima stagione di The Lady, pensava in cuor suo di star girando il Twin Peaks italiano. Adrian, invece, non necessita di modelli esterni da emulare in malo modo (al netto delle influenze già citate, che rimangono appunto influenze). Celentano voleva fare di Adrian una sorta di “specchio” in grado di riflettere il proprio ego artistico per mostrarlo a un pubblico più giovane, che non ha potuto vivere gli anni d’oro della sua carriera.

Riprendendo la formula matematica Intenzione – Risultato = Trash, possiamo dire che il risultato non è minimamente paragonabile alle intenzioni dell’artista. Le già citate pessime animazioni, le sceneggiature alla Occhi del cuore, le argomentazioni grossolane e banalizzate hanno reso Adrian quel che è. Un’intensa avventura emotiva nell’immaginario di un anziano che, volente o nolente, è stato protagonista della cultura popolare italiana e ora ragiona sul tempo che passa, sulla sua carriera e sul mondo che lascerà ai suoi eredi. Alla fine della fiera, Adrian non è un prodotto da dimenticare ma, piuttosto, un probabile futuro cult.

E la solita, vecchia soluzione dei Millennial

Insomma, è facile fare TV spazzatura con ignorantoni, bonazze e tradimenti, molto più difficile è portare avanti un progetto ormai anacronistico ricco di buone intenzioni, ma espresse nella maniera peggiore che più si addice ad un uomo di 80 anni. Celentano ci parla della società odierna con un candore quasi tenero, con un insieme di tematiche da sempre appartenenti al suo portfolio artistico, identificando quindi la modernità col male assoluto. Ma se molti miei colleghi accolgono questo messaggio con articoli riassumibili nel simpaticissimo e per nulla scontato meme “ok boomer”, io accolgo a braccia aperte il messaggio del ragazzo della via Gluck. Perché, signori miei, tra una pessima animazione ed un ingenuo razzismo di fondo, Celentano ha ragione. Il mondo sta andando a rotoli, l’inquinamento ci ucciderà tutti e l’umanità tutta sta lentamente sprofondando in un vortice di cattiveria non necessaria. Insomma, è ora che si faccia qualcosa per cambiare. Peccato che, come molti suoi coetanei, Adriano dia soluzioni sciocche e superficiali, quasi da cantiere.

Cosa ci resta da fare allora? Seguire i consigli di un vecchio cantante? No, da buoni Millennial non ci resta che goderci lo spettacolo decadente che si dipana davanti a noi facendo battute sagaci, ed urlando “ok boomer”. Questo sì che romperà i maroni alla direzione. *

*Questo articolo è stato scritto a quattro mani con Giovanni Lopriore

Fabio Volo è un caxxone. Non nel senso cattivo del termine, ma nel senso affettuoso. Credo che si auto-definirebbe anche lui così senza prenderla troppo sul serio. Ha costruito un personaggio, negli anni, che prima tutti adoravano e che adesso tutti snobbano. Quel personaggio era il classico eterno ragazzo scapolo malato di pheega del nord che vuole divertirsi, stare con gli amici, sparare caxxate. Ma ieri, le sue parole su Ariana Grande, sono state accolte con la serietà di un’enciclica.

Non un luminare, piuttosto uno che in un viaggio in pullman attacca bottone e rende la conversazione appena sopra il livello della noia. Il tipo di italiano che ha pensieri terra terra, non segue la politica ma è presumibilmente più vicino alla destra che alla sinistra (anche se Volo a un certo punto sembrava un paladino della sinistra), sempre leggero. L’unica cosa che gli piace è la pheega. Parla solo di quello. Oddio ci son tanti uomini così, non è che sia per forza una cosa negativa.

Ieri Fabio Volo nel suo programma in cui fa il caxxone ha detto delle caxxonate su Ariana Grande. Apriti cielo. L’apocalisse. Nemmeno avesse pronunciato un discorso serio in Chiesa o al Parlamento Europeo, nemmeno avesse firmato un editoriale sul Corriere…

Come mai non sappiamo più leggere il contesto?

Leggo gli articoli indignati di Noisey e i commenti online, la presa di distanza degli artisti, la condanna dei quotidiani. Gesù ragazzi! È Fabio Volo! Non è il Papa. Come fate realmente a scandalizzarvi per quello che ha detto? È tutta la vita che dice queste robe. Lo pagano per dire queste robe. Sono tutte cazzate.

Non c’è bisogno che le femministe si arrabbino per un pensiero così privo di sostanza come quello espresso da Fabio Volo, non è maschilismo. Sono caxxate.

Ci rendiamo conto che passiamo la maggior parte della giornata ad ascoltare gente che parla solo per parlare? Non facciamo che passare la vita a commentare ciò che dicono i famosi. Fabio Volo rientra nella categoria e quindi occupa il suo sposto all’interno dell’opinione pubblica. Io vorrei sapere a chi frega realmente qualcosa di cosa dice Fabio Volo…su Ariana Grande.

Non ci sto a moralizzarlo, a dire che chi fa un lavoro del genere ha delle responsabilità e bla bla bla. Non è vero. L’intero sistema dello spettacolo è corrotto, misogino, omofobo, eterofobo, classista e riempie la gente di insicurezze e paranoie, la fa ammalare.

A un certo punto dobbiamo parlare anche delle nostre responsabilità, di come mai ci interessa tanto ciò che dicono/pensano i protagonisti dello Spettacolo. Presupponendo che è tutto spettacolo, dalla politica alla tv, dall’opinionismo alla cultura. A occuparci di ciò che dice Volo sembriamo tutti degli wannabe, dei potenziali concorrenti di un grande reality a cui speriamo di esser presi: quello della celebrità. Ci mettiamo al loro pari, ci eleviamo o abbassiamo, a seconda dei punti di vista, vorremmo duettare testa testa con questa gente che di professione fa i like. Ma al mattino abbiamo una vita normale: figli, lavoro, tangenziali, uffici. Ragazzi ,torniamo a terra. Fabio Volo è solo una parte dell’ingranaggio, non lo si può contestare senza contestare tutto il sistema.

Ho rovinato un’intera conversazione con un ragazzo quando mi ha detto che la sua canzone preferita era Hallelujah. Quella del film di Shrek.

Quando una persona non capisce una suga di musica cresce in me un’intolleranza degna di un nazi in tempo di guerra, è una reazione incontrollabile, mi vien voglia di prendere tutti a palate sulla testa. Questo perché i miei genitori mi hanno cresciuta con l’ansia di indovinare titolo, cantante e data di ogni canzone che passava in radio, su un disco o in televisione: “Chi sono questi?” , “….. …. ….” , “Catzo, sono i Rolling Stones, non puoi non saperlo, non esiste che tu non riconosca la voce di Mick Jagger”.

Seguito da un indelebile sguardo di delusione e rassegnazione, che oggi rigetto involontariamente sugli altri. Mentre penso alle palate in testa.

“Hallelujah di Leonard Cohen o la versione di Buckley?” Ho risposto con un velo di speranza negli occhi, perché in fin dei conti lui era anche carino.

“Non so, l’ho sentita nel film di Shrek”. MORTE, PALATE, E’ FINITA, ADDIOOO, MI FAI SCHIFO.

Questo raptus mi ha portato, successivamente, a riflettere su una delle più belle canzoni mai scritte, ma allo stesso tempo più inflazionate nella storia della musica: Hallelujah, il testo scritto da Leonard Cohen nel 1984.

Pensate un attimo al detto: “dare perle ai porci”. Perché basterebbe per sintetizzare la tristissima storia che ha portato alla rovina un pezzo meraviglioso.

Un lavoraccio, apparentemente inutile

Si dice che Leonard Cohen confessò all’amico Bob Dylan di aver impiegato più di due anni a scrivere il testo di Hallelujah. Mentì, in realtà ci mise più tempo, ma si vergognava ad ammetterlo. Scrisse più di 80 strofe, infatti il testo cambia a seconda delle versioni. Uno sforzo clamoroso per una canzone che, agli inizi, si rivelò un vero e proprio flop commerciale.

D’altronde il significato del testo di questa canzone rimane ancora oggi un mistero. Le immagini bibliche: “I’ve heard there was a secret chord, that David played, and it pleased the Lord”, si mischiano a scenari sessuali: “You saw her bathing on the roof, Her beauty and the moonlight overthrew you”, per poi concludersi con quell’Hallelujah, che è allo stesso tempo un grido di disperazione e gioia: “the holy or the broken”.

Sicuramente si tratta di una canzone che riflette sulla condizione umana, racconta la nostra intimità più profonda attraverso suggestioni e immagini mistiche. La voce di Cohen è calma e riflessiva ed entra in contrasto col ritornello corale, angelicato.

Je so’ pazzo?

Le case discografiche lo ritennero pazzo per questo pezzo contorto, ma come al solito si sbagliarono, perché divenne una delle composizioni più durature della musica pop, un grande classicone.

Ma esiste poco di Cohen nella canzone che oggi conosciamo e sicuramente non è stata la linea melodica a renderla famosa. Il vero successo arrivò nel 1994, quando Jeff Buckley inserì la sua versione nell’album Grace, regalandoci l’Hallelujah che noi tutti amiamo.

Da quel momento il testo, raggiunse una saturazione pop-culturale che più comunemente associamo ad artisti come Jennifer Lopez. Non esiste molta differenza tra Taylor Swift e il testo di Hallelujah entrambi vanno forte in tutti i programmi commerciali. Il motivo? Probabilmente con la morte di Jeff Buckley tutti si interessarono al suo unico album, e Hallelujah, nella sua versione, è sicuramente un pezzo di grande impatto.

…E poi è diventato un testo bottana industriale

Il testo di Hallelujah è stato riproposto e reinventato da così tanti artisti che si è trasformato in un inno secolare, un pilastro della musica pop. Celine Dion, Bono, Alicia Keys, Bon Jovi sono solo alcuni nomi che hanno reinterpretato il pezzo, sgualcendolo sempre di più.

Poi c’è stato il colpo grosso per la generazione Millennial quando la canzone è stata inserita in una delle scene più traumatizzanti nella storia della televisione: la morte di Marissa in OC, che l’ha direttamente portata nell’olimpo dei brani storici e indimenticabili.

Ora, sicuramente, da qualche parte del mondo ci sarà qualcuno che la sta utilizzando per un funerale, un battesimo o un matrimonio… così a caso, perché percepisce che è un po’ religiosa e un po’ romantica, perché è un grande classicone.

Purtroppo si è perso tutto. Ogni briciolo di questa poesia, che ha impiegato più di due anni a nascere, svanisce ogni volta che una 16 enne fa la sua cover ad X Factor ammettendo che: “tutto ciò che ho imparato dall’amore è come sparare a chi è stato più lesto di te”. Parole profonde che svaniscono in un totale non sense appena il giudice si complimenta per la sua intonazione e lei torna dietro le quinte soddisfatta.

Non dico che oggi il testo di Hallelujah non sia bello, ma non ha più la bellezza complicata e immersa nella tristezza delle versioni originali di Cohen e Buckley. Dico che Shrek e i suoi compagni non ci hanno capito nulla, trasformando una poesia sulla fragilità umana, in una gara canora o in un bel sottofondo per un film. QUANTE PALATE!

Hallelujah testo

Now I’ve heard there was a secret chord

That David played, and it pleased the Lord

But you don’t really care for music, do you?

It goes like this

The fourth, the fifth

The minor fall, the major lift

The baffled king composing Hallelujah

Hallelujah (x4)

Your faith was strong but you needed proof

You saw her bathing on the roof

Her beauty and the moonlight overthrew you

She tied you

To a kitchen chair

She broke your throne, and she cut your hair

And from your lips she drew the Hallelujah

Hallelujah (x4)

Baby, I’ve been here before.

I know this room, I’ve walked this floor.

I used to live alone before I knew you.

I’ve seen your flag on the marble arch,

But (listen) love is not some kind of victory march,

No, it’s a cold and it’s a very broken Hallelujah!

Hallelujah (x4)

There was a time you let me know

What’s really going on below

But now you never show it to me, do you?

I remember when I moved in you,

And the holy dove she was moving too,

And every single breath that we drew was Hallelujah!

Hallelujah (x4)

Maybe there’s a God above,

As for me, all I’ve ever seemed to learn from love

Is how to shoot at someone who outdrew you.

Yeah but it’s not a complaint that you hear tonight,

It’s not the laughter of someone who claims to have seen the light

No it’s a cold and it’s a very lonely Hallelujah

Hallelujah traduzione

Ho sentito di un accordo segreto
Suonato da David e gradito al Signore (1)
Ma a te della musica non importa poi molto, vero? (2)
Beh, fa così:
Il quarto, il quinto
Il minore scende, il maggiore sale
Il re perplesso compone l’Alleluja (3)

Alleluja (x4)

La tua fede era salda ma avevi bisogno di una prova
La vedesti fare il bagno dalla terrazza (4)
La sua bellezza e il chiaro di luna ti vinsero
Lei ti legò
Alla sedia della cucina
Ti spaccò il trono, ti rase i capelli (5)
E dalle labbra ti strappò l’Alleluja. (6)

Alleluja (x4)

Dici che ho pronunciato il Nome invano
Ma se non lo conosco nemmeno il Nome
Ma anche se fosse, a te poi cosa importa? (7)
C’è un’esplosione di luce
In ogni parola
E non importa se tu abbia sentito
La sacra o la disperata Alleluja (8)

Alleluja (x4)

Ho fatto del mio meglio, non era granché
Non provavo nulla, così ho provato a toccare (9)
Ho detto il vero, non sono venuto per prenderti in giro (10)
E anche se
è andato tutto storto
Mi ergerò davanti al Dio della Canzone
E dalle mie labbra altro non uscirà che Alleluja (11)

Alleluja…

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Millennial, noi di eroi non ne abbiamo mai avuti tanti, ma di sicuro i Radiohead li possiamo inserire in lista. Prima band di ragazzi TUTTI brutti, prima band a fare musica coltissima e portarla al numero uno, prima band kafkiana/leopardiana a farci gasare, prima band a capire internet, prima band considerata arte contemporanea. Almeno dal 1993 al 2003, decennio di grazia in cui sono usciti Ok Computer, The Bends, Kid A, Amnesiac. A oggi quella band è purtroppo un ricordo.

Li amiamo tutti per quello che hanno rappresentato, la gente va ai loro concerti per sentire i vecchi pezzi, ma loro si ostinano a propinarci roba inascoltabile. Domani esce Anima, il nuovo disco solista di Thom Yorke e si preannuncia fedele alla linea degli ultimi suoi lavori. Parla di “anti-musica”, di “rumore”. Gesù santo… Da In Rainbows in poi Thom sembra intenzionato a propinarci solo lagne inascoltabili, incantabili e incomprensibili, come se volesse sfidarci.

La più grande recensione si di loro è in un tweet di Liam Gallagher: “Mi piace pensare che ciò che facciamo venga fatto bene e loro scrivono una canzone su un fottuto albero? Ma per favore, un albero di mille anni? Fottetevi”. Loro sono di Oxford e sono molto educati, Liam è un ex muratore di Manchester ed è un molesto bevitore, ma come dargli torto?

Anima, il nuovo album solista di Thom Yorke, era stato inizialmente diffuso su un sito web e si poteva ascoltare chiamando un numero verde. Dai, sembra un’operazioncina di arte contemporanea degna di un artista locale di cinquant’anni, un giovane underground.

Non ho ancora sentito nemmeno una nota ma so già cosa aspettarmi. Una roba noisissima. Mi consolo su Youtube, cercando i video dei vecchi live, quelli in cui Jonny Greenwood fa urlare i pickup della Telecaster saltando con due piedi sui pedali, o l’intro di Everything in its right place. Mi ricordo la prima volta che misi il cd dello stereo. Fu un momento rivelatore, sentì che era uno spartiacque. Ero gasato. Era come aver assistito alla nascita del Dadaismo, era come aver fatto parte di qualcosa.

Le grandi band di solito vanno nel dimenticatoio e a fine carriera si regalano tour commemorativi in cui reinterpretano vecchi pezzi. Fanno il pienone. La gente si gasa. Thom Yorke domani se ne esce con sta nuova menata, speriamo gli passi presto. Così come gli osceni progetti paralleli tipo Atoms for Peace (ma che nome orrendo è?). Speriamo che i Radiohead e lui smettano di rompere i cocciglioni al mondo e riportino in tour Ok Computer suonato dall’inizio alla fine. Per il resto, menate e disperazione, possono pagarsi lo psicologo invece che infliggere una pena ai loro fan.

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Sta per uscire il nuovo album di Madonna Madame X, il 14 giugno, che seguirà un fenomenale tour mondiale. Per adesso possiamo goderci I Rise testo, secondo brano estratto del disco, che ci spiega come rialzarci dalle difficoltà… che novità, vero? Ma forse Madonna è l’unica a cui possiamo concedere di farsi testimone di questo messaggio di rinascita.

In Rise testo, Madonna canta: “I can’t break down now, I can’t take that now, Died a thousand times, Managed to survive”. Probabilmente questa è la frase che si ripete nella testa prima di andare a dormire ogni sera: “Sono morta mille volte, ma sono riuscita a sopravvivere”, ovvero la breve sintesi della vita di una pop star eterna come Madonna. Onnipotente, misteriosa, sempre sexy nonostante i suoi 60 anni.

In In Rise testo ci mostra l’immagine di una donna che non ha per nulla voglia di cedere o lasciarsi andare “I Rise up above it”. D’altronde, perché andare in pensione se posso ancora brillare su un palco? Ha ragione, in fin dei conti.

Sessismo?

Esiste comunque un detto che sostiene che le donne non siano più sensuali in età avanzata e Lady Ciccone ha dovuto rispondere a diverse critiche e insulti prima dell’uscita del disco: “La crisi di mezza età dovrebbe essere finita, smettila di ballare in modo così provocatorio, sei anziana ormai”. Ma per una donna è normale sopportare il peso delle critiche, e mentre Mick Jagger e Rod Stewart cantano ancora nonostante i loro denti si stacchino dalle gengive, a lei viene chiesto di rinunciare ai look trasandati, nel rispetto della sua vecchiaia.

Il conduttore televisivo Piers Morgan fece finta di vomitare in un secchio guardando una delle sue ultime esibizioni. Ma puoi parlare in questo modo di una mezza divinità come Madonna? Lei risponde con I Rise testo, dimostrandosi ancora una volta al di là di ogni possibile provocazione: “No one can hurt you now unless you want them to”.

Ma d’altronde come può abbassarsi se lei stessa è provocazione e sfida costante, fa parte da sempre del suo personaggio. Madonna fa discutere semplicemente perché è pronta ad osare, ieri cantando Like a Virgin, oggi dimostrando di essere una donna molto adulta che esibisce la sua sensualità. Criticarla è quasi un paradosso, dato che è molto più in forma di molte di noi, ha sfidato persino i segni fisici dell’invecchiamento. Con I Rise testo cerca di mettere definitivamente fine a quel sessismo che gira intorno allo Star System, facendosi promotrice della sua personale rinascita.

Madame X

L’abbiamo sempre vista tornare in vita come una fenice dalle sue ceneri, ogni volta con un nuovo aspetto, una nuova identità, ci ha mostrato le mille sfaccettature di una donna libera e sensuale, maestra della perenne trasformazione. Ora il suo nuovo ruolo è quello di Madame X, come il titolo dell’album:

“Madame x un agente segreto che viaggia in giro per il mondo, cambiando identità, lottando per la libertà, portando la luce in luoghi bui. E’ una ballerina, una professoressa, un capo di stato, una governante, un’amazzone, una prigioniera, una studentessa, una madre, una bambina, un’insegnante, una suora, una cantante, una santa, una puttana”. Ha rivelato Madonna.

 Ha molte identità, Madame X, non la si può catalogare, eppure ognuna la descrive perfettamente. Sono le diverse sfaccettature di un’artista che ha dentro di sé l’esperienza dovuta alla bellezza della sua età. Il cambiamento non è tragico, aggrappati alla magia che ne deriva “I know you see the tragic in it, Just hold on to the little bit of magic in it”. I Rise testo è da prendere come l’ennesimo insegnamento di vita a tutti noi fedeli di Madonna.

I rise testo

I’m goin’ through it, yeah 
I know you see the tragic in it 
Just hold on to the little bit of magic in it 
I can’t break down now 
I can’t take that now 
Died a thousand times 
Managed to survive 
I can’t break down now 
I can’t take that (I can’t take that)

I rise, I rise 
I rise up above it, up above it 
I rise, I rise 
I rise up above it all

There’s nothin’ you can do to me that hasn’t been done 
Not bulletproof, shouldn’t have to run from a gun 
River of tears ran dry, let ’em run 
No game that you can play with me, I ain’t one

‘Cause I’m goin’ through it, yeah 
I know you see the tragic in it (Alright) 
Just hold on to the little bit of magic in it (Yeah) 
I can’t break down now 
I can’t take that now (I can’t take that now) 
Died a thousand times 
Managed to survive (I managed to survive) 
I can’t break down now 
I can’t take that (I can’t take that)

 
(I rise) I rise, I rise 
(Rise) I rise up above it, up above it 
(I rise) I rise, I rise 
(Rise) I rise up above it all

[Bridge5] 
I managed to survive 
(B.S.) 
Freedom’s what you choose to do with what’s been done to you 
No one can hurt you now unless you want them to 
(Unless you want) 
No one can hurt you now unless you love ’em too (B.S.) 
Unless you love ’em too

‘Cause I’m going through it 
Yeah, I know you see the tragic in it 
Just hold on to the little bit of magic in it (Magic in it) 
I can’t break down now 
I can’t take that (I can’t take that)

(I rise) I rise, I rise 
(Rise) I rise up above it, up above it 
(I rise) I rise, I rise 
(Rise) I rise up above it all

Yeah, we gonna rise up 
Yeah, we gonna rise up 
Yeah, we gonna get up 
Yeah, we gonna get up 
Yeah, we gonna get up 
Yes, we can, we can get it together 
We’ll rise up, we can get it together 
Yeah, we gonna rise up 
Yeah, we gonna rise up 
Yeah, we gonna get up 
Yeah, we gonna get up 
Yeah, we gonna get up 
Yes, we can, we can get it together 
We’ll rise up, we can get it together

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Noel Gallagher: vaffanculo. Non so come altro dirtelo, non ho la lucidità per dirtelo meglio. Ho lasciato passare dei giorni dal concerto del Primo Maggio giusto per vedere se la rabbia mi scendeva invece mi è solo salita. Sei impresentabile in questa nuova versione finto psichedelica. Hai anche suonato All you need is love, sei alla canna del gas.

Tolto il fatto che la Fender Jazzmaster non è una chitarra adatta a te. Ti calza male, ti fa più secco di come sei e ti ci muovi dietro come un chitarristino indie qualunque. Sembri uno che suona nei Killers.

E poi la chitarra non si sente, giustamente non si sente… non va bene per quella roba, non ha nemmeno la spinta giusta. Sei abituato a suonare accordi pieni e assoli sulle pentatoniche, ti servono le Gibson e le Epiphone. La gente non sa niente di chitarre, pensa che siano tutte uguali invece sono un mondo, uno stile, una scelta precisa.

Tu con la Jazzmaster… la metti solo per darti un tono, ma non sei Lee Ranaldo dei Sonic Youth o uno dei The Ventures e non fai musica surf. Quella brodaglia che suoni ora è un impasto venuto male di roba per stronzi in palestra con smanie di yoga e musichina di sottofondo. Roba da playlist di Spotify messe a caso dal parrucchiere. Oltretutto sei in ritardo di anni su questo filone in cui non hai niente da dire. Ha ragione tuo fratello a prenderti per il culo e a dire che mangi solo tofu.

Sei un razionale, sei tu che dici sempre le cose in faccia. Beh, te lo dico anche io: a nessuno frega un cazzo della tua nuova musica psichedelica. Fa schifo. Ti sminuisce. Tu al mondo hai dato gli Oasis e hai creato gioia e amore per milioni di persone, pezzi eterni, pura esaltazione di massa. Sei un condottiero, la gente per te ha riempito gli stadi, hai fatto Knebworth. La gente ti caga minimamente e ti puoi permettere di andare in giro per il mondo solo per quello. Questi dischi che fai, Holy Mountain, la tipa con le forbici, le faccette da fenomeno con arie di superiorità invece sono uno scivolone.

Smettila prima che ci rimangiamo gli anni ’90

Non tutti gli artisti sono in grado di produrre roba grandiosa fino alla fine e non lo accettano. Ma, cazzo, non sono tutti Bowie. Tu al momento, non hai niente da dire con la musica, stai solo legittimando uno status che hai paura di perdere e sei sul filo del rasoio.

Suoni in dei posti del cazzo, tipo il Primo Maggio a Roma e il Pistoia Blues, e credo che nessuno abbia voglia di vedere gli High Flying Birds in un palazzetto perché quella roba, da cantare, non fa godere. L’unico momento in cui godi tu è quando canti Don’t look back in anger e hai pure il  coraggio di averla storpiata fino a renderla patetica.

Tuo fratello ti rompe le palle ed è pazzo, ma giustamente ti chiede di risuonare con gli Oasis. Capisco che per te non abbia più senso perché magari è il tuo passato, ma non stai andando avanti con questa merdosa musica che tu stesso hai definito cosmic pop e che non conta niente. Smettila, ti prego. Che vuoi fare come i Radiohead che è da Amenesiac che ci ammorbano con dischi orrendi?

Poi per cosa? Per non darla vinta a tuo fratello? Si vede che ti manca il palco sennò non andresti in giro a fare queste figure patetiche. Uno con un minimo di dignità sta a casa. Dice: ok non ci suono con gli Oasis, ma ma non suono nemmeno Holy Mountain o questo merdoso singolo nuovo che non so nemmeno come si chiami so solo che è una M E R D A ripiena di altra merda.

Se tu fossi un mio amico forse te lo direi. Mi piacerebbe anche finire davanti a te come quello che stalkerava Emma Marrone e gliel’hanno fatta incontrare. Solo che lui è andato li a frignare e ritrattare, io se ti vedessi ti ci manderei senza problemi. Perché per me sei importante.

E cambia chitarra.

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Amo Rolls Royce e Achille Lauro. Ho cantato a squarciagola il pezzo durante il Festival e mi sono gasato per i paragoni con il primo Vasco. Ma c’è un dato di fatto: il singolo è ok, l’album no.

Lauro è perfetto per i nostri tempi, contamina il mondo della moda, dell’intrattenimento, del cool. Ma, cazzo, è negato a cantare. Questo va detto con onestà. Lo reggi per due pezzi, ma per dieci nemmeno se ti legano. 

Un singolo è la sua misura, un album non ha senso. I pezzi sono messi assieme forzatamente, senza gusto o con poca spinta. Spesso la voce è brutta, eccessivamente da patata in bocca e romanesca, biascicante. Tranne un paio di canzoni manca l’atmosfera. Mi piacciono i testi monosillabici ma dovrebbero essere applicati su pochi singoli, solo il salvabile, un po’ come ha fatto Liberato.

Noel Gallagher diceva: <fanculo il tuo doppio cd, oggi nessuno ha tempo di ascoltarlo>. Questo pochi anni fa, ormai la misura giusta per un cantante è il singolo. Cinque minuti.

Perché ascoltare 1969 e i suoi dieci brani? Sminuisce il personaggio, lo rende uguale a tutti gli altri e nonostante la ricerca abbozzata in pezzi come Zucchero non ne esce bene.

Lauro è comunque un fuoriclasse e Cadillac e Delinquente lo dimostrano. Fosse un disco tutto così spaccherebbe. Lui deve sberciare questo pop finto punk, così funziona! C’ha un che dei Prozac+ ma con stile. “Figlio di un dio figlio d’un bar, non mi far litigare” è una frase da stampare sulle magliette. 

Buone anche le intuizioni anni 80, vaporwave e sognanti come Sexy Ugly.

lo dice lo stesso Lauro: la trap sparirà e con lei i cantanti stonati come Sfera, Gemitaiz e compagnia bella. Gente che non si può sentire. Per questo lui usa le chitarre, si rende conto che serve l’armonia per emozionare la gente.

Non è questione di demonizzarli o non capirli questi trap boys: il fatto è che sono scarsi. Poi che abbiano una valenza antropologica è chiaro, che siano uno specchio dei nostri tempi pure. Ma chi cavolo la canta quella merda sotto la doccia? I decenni passati sono inzuppati di robaccia kitsch e barocca ma anche il più scarso dei cantanti doveva essere intonato, il che rendeva semplice l’ascolto.

Lauro stona anche con l’autotune, è così imbarazzante che perde di credibilità nonostante i testi siano buoni e poetici. Ma lo senti che blatera esatonalmente…e cambi pezzo. 

E nonostante tutto mi piace. Ripeto: Cadillac e Delinquente valgono l’ascolto.

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Come funziona tik tok

Due sono le grandi notizie sul tema ambiente di questi giorni: la proposta di vietare il fumo in spiaggia e Messner che si incazza con Jovanotti per il concerto a tremila metri di altezza, ovvero Jovanotti contro Messner.

Partiamo dalla prima. Era ora. In spiaggia la gente dovrebbe accedere dopo un esame di rispetto dell’ambiente. Tanto i buzzurri non ce la fanno. Ci sforziamo di elargire fiducia al genere umano, ma le regole sono meglio. Paletti ci vogliono. Inutile avere le nostre coste, menarla col turismo, poi dare libero accesso a ogni becero che non rispetta le regole, in quello che dovrebbe essere il nostro tesoretto naturale.

Ci siete mai stati in spiaggia a Ischia? Sembra un portacenere. Ed è così più o meno ovunque. A me fa schifo.

L’estate la passo con Marti in un posto speciale, un tratto di roccia tra Livorno e Castiglioncello meta di decine di fricchettoni del cazzo che arrivano coi loro rasta e le panze flosce e passano la giornata a dire stronzate sul governo e a fumare.

Portano i loro sudici panini, le loro lattine e bivaccano. Fumano tutto, si fumerebbero anche il culo se potessero. Spippano cannoni impuniti e già questo mi urta, ma niente quanto il fatto che sono tutti compagni, tutti amanti della Natura a parole, ma si lasciano dietro una scia di merda che la metà basta. Ed è così in ogni spiaggia da nord a sud. Fricchettoni, ambientalisti, sudici.

Al mare? Ma non rompere i coglioni e fai il bagno. Quale cazzo di sigaretta? Te la fumi a casa, la sigaretta, che tanto se la fumi al mare la imboschi sotto la sabbia. Li vedi che spengono il mozzicone spiaccicandolo bene bene e poi, sicuri di non essere visti, si girano altrove. Perché ci sono 40 gradi, gli sudano le palle, la sabbia scotta ed è pieno di stronzi, quindi quasi nessuno va al bar per gettarla.

Qualcuno col senso di colpa la appallottola in un fazzoletto ma poi lo lascia lì. Il massimo della stronzaggine sono quelli che la lasciano nella bottiglia di birra mezza vuota. Sogno vigili urbani che invece di andare a fare verbali per le soste in doppia fila iniziano a staccare contravvensioni per i fumatori che sono tutti dei maleducati. Ma non succederà mai, perché verrebbero linciati.

La gente va a sfilare con Greta, ma se gli tocchi la siga in spiaggia secondo me viene giù il mondo.

Stiamo sempre a menarla col turismo ma poi pretendiamo che la gente abbia voglia di venire in spiagge tugurio come quelle romagnole o la Versilia. Io me lo ricordo il Salento prima del Turismo, sembrava il Messico, adesso è devastato.

Jovanotti contro Messner

Idem per i concerti sulla spiaggia. Peggio ancora se di Jovanotti che si è inventato un tour evento tutto in spiaggia. Ottimo per il marketing ma un disastro per l’ambiente.

Messner si è permesso poverino di criticare Jovanotti (che dopo il Papa e il calcio è il terzo vate italiano) e giù critiche. Messner ha fatto notare che la montagna è un luogo di pace, che non è adatta a un concerto.

Jova ha risposto che il suo pubblico è sensibile all’ambiente, che il concerto è fatto con tutti i crismi per la tutela dell’ambiente. Sì, certo. Perché sono tutti santi quelli che vanno a vedere Jova.

Quelli che impesteranno spiagge e montagne, luoghi delicati e già maltrattati, sfruttati durante la stagione e dimenticati in inverno, quando i volontari o le associazioni vanno a ripulire, a sensibilizzare le scolaresche, a fare volontariato per un territorio che è di tutti ma che tanto le pulizie le fanno sempre in pochi.

La verità è che Jova fa il suo gioco e si inventa eventi per il suo tornaconto. Oggi l’unico modo che un cantante ha per fare cassa sono i live, visto che i dischi non li vende più nessuno. Allora ti vendono l’esperienza.

Vieni a sentire le canzoni stonate di Jova a tremila metri di altezza, limona con la tipa in riva al mare mentre Lorenzo bela Seranata rap.

Già vent’anni fa si inventava i concerti in cui spruzzava gli odori con i diffusori. Così torni a casa che hai fatto l’esperienza. Sai che cazzo gliene frega a Jova dell’ambiente… quello fa il live poi va in barca a vela con Soldini o scrive una canzone nella foresta amazzonica ed è convinto di aver salvato il mondo.

Italiani cazzo, protestate per tutto tranne che per le cause giuste. Lasciamo stare spiaggia e montagne, ci sono i teatri, gli stadi, i palazzetti. Vanno bene quelli.

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Si chiama Drew House ed è la nuova linea di abbigliamento disegnata da Justin Bieber, uscita la settimana scorsa. Vestiti streetwear: pantaloncini, t-shirt, felpe beige-color liquame. Tutti capi decorati con l’epocale simbolo dello Smile, o Smiley. Ecco, ma voi ve la ricordate la gloriosa e pazza storia dello Smile?

Ma prima di parlare nel dettaglio della nuova linea di abbigliamento di Justin Bieber Drew House, occorre fare un salto indietro nel tempo: siamo nel 1986 a Chicago, dove DJ Pierre, un famoso disc jockey locale, inizia a comporre tracce di musica house-elettronica che verranno successivamente categorizzate sotto il genere di acid house.

Da Chicago la corrente dell’acid house spopola in tutta l’America, fino ad arrivare in Europa dove i principali dj di fine anni ’80, iniziano a proporre questo genere nei principali club di Ibiza. E’ proprio in quegli anni che la discoteca Amnesia diventa un luogo “sacro” per gli amanti della house music con il suo resident storico, dj Alfredo.

La corrente dell’acid house arriva infine a Londra, con Danny Rampling che, sedotto dall’atmosfera notturna dell’isla blanca, decise di riproporre lo stesso stile nella propria città. Fonda così lo Shoom, che diventerà in breve tempo il club acid house più famoso al mondo. La nuova ondata musicale fu accolta con incredibile entusiasmo da parte dei giovani di tutto il mondo e lo smile, quando non solo la linea Drew House ma nemmeno Justin Bieber (classe ’94) era ancora nato, divenne il simbolo ufficiale di questa corrente musicale.

In fondo lo smile rappresentava tutto quello che l’acid music cercava di trasmettere: positività e felicità, proprio come nei club di Ibiza. In brevissimo tempo la faccina sorridente era ovunque, sulle magliette dei ragazzi, sui volantini dei club. Velocemente l’acid music diventa mainstream e la faccina sorridente riempie i negozi di souvenir e gli oggetti di consumo, di fianco alle tazze con la regina Elisabetta. Persino il tabloid inglese The Sun iniziò a vendere le magliette “acide” con il famoso simbolo.

Dopo un anno, i londinesi si accorgono che in realtà le serate dell’acid house non erano nient’altro che un ritrovo di sballati che ingoiavano pastiglie di Ecstasy come acqua -anch’essedecorate con la famosa faccina… è da lì che infondo deriva tutta la loro simbologia.

Dopo una serie di morti collegate alla droga psichedelica, verso la fine del 1988 seguì il panico a livello nazionale: l’acid house diventa un genere musicale immorale e le magliette con lo smile escono dal commercio.

Ecco, oggi è successo che Justin Bieber si è appropriato della simbologia di questa sub-cultura trasformandola nel suo marchio di fabbrica: dall’acid house siamo passati alla Drew House, dall’ecstasy alla stipsi. I vestiti sono anni ’80 e ricordano quelli dei raver, lo smile è presente in ogni capo della collezione.

Non so se la scelta di Justin Bieber sia stata ragionata oppure totalmente casuale, d’altronde sul sito del brand si legge: “Drew House è un posto in cui puoi essere te stesso, blah blah blah blah blahjsjdlsaihshshofoe, vestiti come se non ti importasse di nulla, rilassati.” Concetto simile alle correnti di fine secolo scorso, ma totalmente rovinato dal “blah blah blah blahsajdalkjdlka”.

Ma il succo sta proprio in quella faccina sorridente che è in grado di rendere tutto un incredibile controsenso: a fine anni ’80 lo smile apparteneva alla corrente musicale acid house, nel 1991 è diventato il simbolo dei Nirvana che ne deformarono le sembianze trasformandolo in un sorriso distorto, e nel 2019 diventa il simbolo di Justin Bieber, la più commerciale tra le pop star della Storia. Non vi pare molto assurdo?

Allora penso a tutti quei ragazzi che cambiavano la loro vita, lasciavano addirittura il lavoro in onore di quella cultura edonistica che era lo Shoom e l’acid house. Un movimento giovanile che divenne rivoluzione e sfida all’autorità sotto la bandiera della faccina sorridente.

Gente impasticcata di ecstasy che percepiva l’aura dei propri vicini, che entrava in mondi altri, che forse riusciva addirittura a vedere il futuro e… Justin Bieber con le loro magliette e di conseguenza moriva.

Allora oggi credo che tutte queste persone siano morte invano e si stiano rivoltando nella tomba. Ma vi immaginate se un tizio dell’acid house dovesse tornare in vita oggi?

Sicuramente vorrebbe riprovare quello sballo così potente che, ahimè, lo ha portato alla morte, e quindi seguirebbe quel gruppo di persone con le felpe Drew House con lo smile che stanno andando ad un concerto: “Ecco i miei simili, sono ancora vivi, ancora lottano per i giusti ideali” penserebbe.

Ma al concerto troverà solo ragazzine urlanti, un cantante che al posto di cantare balla, circondato da effetti speciali. Tutti hanno le mani al cielo, sì, ma per sorreggere lo smartphone, e la musica è tutto ciò che non è musica, l’impianto fa schifo ma nessuno se ne accorge perché, alla fine, l’età media è 12 anni.

Eppure tutti indossano quelle magliette e quella faccina felice con orgoglio. Sicuramente sarebbe il peggior trip che gli sia mai capitato. R.I.P.

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Sarò sincera: da quando negli ultimi anni si è costruito questo personaggio di 50enne super giovanile ed eccentrico, da quanto ha iniziato a essere venerato e idolatrato come un santone, Jovanotti io non me lo filo proprio. Se proprio devo, piuttosto, ascolto Bella o Serenata Rap. Una cosa che riconosco, però, è che Jovanotti vanta un team di creativi degno di nota. Dimostrazione? Il Jova Beach Party annunciato per l’estate 2019.

Creativi che, seppur estremamente conformi a tutto lo scenario pop italiano contemporaneo, un po’ banali e smielati nei contenuti, hanno impacchettato gli ultimi progetti discografici in modo esemplare. E col Jova Beach Party si sono davvero superati. Con questo format innovativo ed entusiasmante Lorenzo Cherubini vuole portarci “nel vero ombelico del mondo”.

Un progetto nuovo che porta sul suolo italiano l’atmosfera di festival internazionali come il Sziget e il Coachella, arricchendola di un valore aggiunto dal potenziale pazzesco: il mare. Il Jova Beach Party non potrà infatti vantare guest artist del calibro di Foo Fighters, Eminem e Beyoncé, ma offrirà l’imparagonabile possibilità di ballare in spiaggia, con un cocktail fresco in mano e un tramonto mozzafiato a fare da sfondo.

Un tour per l’estate 2019, 15 date in giro per le spiagge più belle d’Italia – da Lignano Sabbiadoro a Rimini, Barletta, Albenga, Viareggio – una line up ricca e sempre diversa, ospiti e artisti inattesi, punti di ristoro, giochi, drink, un campo da beach volley e persino un’area bambini: il Jova Beach party si propone come un’esperienza immersiva da vivere all’insegna del divertimento sano e della buona musica.

Il villaggio itinerante verrà realizzato con materiali di recupero e sarà assolutamente eco-friendly, anche grazie alla partnership con WWF. Si tratta di un progetto complesso, che prevede una progettazione meticolosa e dei costi inevitabilmente elevati, ma il cantante assicura di aver mantenuto i biglietti al prezzo: 52 euro, come per il parterre nei palasport, e ingresso gratuito per bambini fino agli 8 anni. Durante la diretta Facebook di presentazione del progetto, Jovanotti ha detto di voler semplicemente andar in giro a portar festa, perché è quello che sa fare bene, dice, e perché in fondo “l’estate è la grande invenzione degli italiani” e quindi chi, meglio di noi, potrebbe accogliere una proposta simile?

E questa volta gli crediamo, perché nel dirlo appare convinto ed emozionato, non riesce a star fermo e sembra un po’ il Jova fresco e spensierato degli anni ’90. Quindi non rimane altro che aspettare con ansia l’apertura delle vendite e iniziare a scegliere il copricostume più bello.

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Gli anni 90 dei Dirotta su Cuba stanno lì a dimostrare che il periodo era di grande fervore musicale. E le radio proponevano musica di livello eccellente.

I Dirotta su Cuba rappresentarono, forse, una delle proposte musicali più interessanti ed originali visto che negli anni 90 si presentarono con una cifra musicale fuori dal comune per il mercato italiano.

Nati nel 1989, i Dirotta su Cuba hanno fatto una gavettadi live nei locali con tanta voglia di esprimersi e ancora oggi, sono la dimostrazione di come proprio l’inizio dai livelli più bassi possa portare alla realizzazione di un sogno che possiamo chiamare semplicemente musica di qualità per chi la fa e per chi l’ascolta.

1994 – Esplode il fenomeno Gelosia

…Gelosia, è come la pazzia, vive di fantasia, non ti fa più dormire. Gelosia è come una bugia, cresce come un’idea non ti fa più dormire…

La band capitanata da Simona Bencini, Rossano Gentili e Stefano De Donato irrompe,  sulla scena proponendo un mood fatto di grande groove e di energia pura importando quello che allora era chiamato acid jazz con contaminazioni funky che risultarono completamente innovative per l’Italia.

L’energia della band si diffuse a macchia d’olio e l’anno successivo ecco arrivare il primo disco dal titolo Dirotta su Cuba che raccoglie al suo interno un’incredibile numero di perle. Pezzi che diventano tutti delle vere e proprie hit e che catapultano i Dirotta su Cuba in cima a tutte le classifiche italiane.

Liberi di, liberi da: un messaggio ancora attuale

…Liberi di liberi da, da te c’è spazio andiamo via di qua, salti nel buio non se ne fanno più, molliamo tutto e ciao!

Anche i testi che fanno parte di questo progetto musicale colpiscono a fondo chi li ascolta anche oggi. In un panorama così particolare, risultano più attuali che mai dimostrando quanta forza avesse il progetto stesso.

I Dirotta su Cuba si presentano sui palchi italiani con una situazione musicale pazzesca e il connubio tra la voce di Simona, unita a una presenza scenica importante, e una band composta da musicisti talentuosi regalano alla band soddisfazioni enormi tanto da farli entrare di diritto nella storia musicale di quegli anni.

1996 – Nonostante tutto e l’anno della consacrazione totale

…Finalmente ti ho capito, non sai più guardarmi dentro l’anima, mi fa male il tuo sorriso mentre cerco di spiegarti cosa non mi va…

Il secondo disco, Nonostante tutto si presenta con tutti i crismi del successo, e il primo singolo, Sensibilità, dimostra come le previsioni della vigilia non siano campate in aria.

Ormai i Dirotta su Cuba rappresentano una sicurezza e ogni singolo proposto al pubblico è consacrato come hit. Anche le collaborazioni eccellenti presenti nell’album dimostrano quanto siano diventati credibili questi ragazzi tutto groove ed energia.

1997 – Tra l’Ariston e Jesael.

È innegabile che, proprio in quegli anni, la vetrina del festival di Sanremo risultava essere uno step obbligato per chi aveva riscosso consenso di pubblico. Il gruppo toscano non si è sottratto.

…È andata così, ma fa male, questa voglia che ho di te. E’ andata così, lo so, prevedibile se ognuno pensa a sè. Ma tu giri in testa e non te ne vai; chi si è amato per davvero non se ne va mai…

È andata così fu il pezzo presentato sul palco dell’Ariston di Sanremo e, nonostante le regole non scritte che vigono per i brani che si vogliono presentare al festival, i Dirotta su Cuba non vollero snaturare la loro caratteristica principale legata al ritmo ed alla qualità musicale dalle tinte internazionali.

Il dodicesimo posto ottenuto non scalfì l’impatto sul pubblico. Quell’estate fu tuttta con il vento in poppa per il gruppo, che uscì con la cover dei Delirium di Ivano Fossati, Jesael, con la quale furono padroni delle classifiche italiane.

Il nuovo millennio e il ritorno in grande stile di questi ultimi anni

Con l’arrivo del nuovo millennio le strade dei componenti storici dei Dirotta su Cuba iniziarono a separarsi. Il primo a prendersi una pausa fu il bassista Stefano De Donato, seguito, 2 anni dopo, da Simona Bencini. Il progetto continuò con una grande attività live e una nuova formazione. Poi i ritorni: De Donato nel 2004 e la Bencini nel 2009, per celebrare i 20 anni della band.

Il rientro sulla scena

Dopo questi gli scossoni, gli allontanamenti e i rientri, i Dirotta su Cuba hanno ripreso a pieno regime l’attività, fino al grande ritorno di oggi con l’ultimo disco: Studio Session Vol. 1.

Il disco ripropone i grandi successi del primo album del gruppo, con partecipazioni eccellenti come quella di Mario Biondi, e 6 pezzi inediti che fanno presagire come la voglia di bella musica sia sempre forte in un manipolo di musicisti veri. Sono tutti della X generation, dunque alla vigilia del mezzo secolo d’età e non smettono di entusiasmareil loro pubblico, mantenendo una dimensione molto autentica e dalla qualità ineccepibile.

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Parole Parole di Mina è una canzone scritta nel 1972 ma in realtà attualissima perché parla di una tipica storia d’amore tra due fidanzati Millennial.

Mina è tornata: non di persona ovviamente, è ancora lì in Svizzera a continuare il suo esilio. Ma il suo spirito e le sue canzoni sono sempre presenti in mezzo a noi.

Con un disco uscito quest’anno, e l’intero numero di Ottobre di Vogue dedicato a lei, Mina si riconferma l’ icona intramontabile e la musa raffinata che tutto il mondo ama.

Per festeggiare i suoi 60 anni di carriera e i 40 anni di addio alle scene anche noi Millennial, che non abbiamo vissuto i suoi anni d’oro, vogliamo renderle tributo, con il nostro pezzo preferito: Parole Parole.

Il brano è stato scritto nel 1972, in pratica quando il romanticismo esisteva ancora e per i fidanzati era normale sussurrarsi parole dolci al chiaro di luna. Ma se contestualizzassimo Parole Parole ai giorni d’oggi, il risultato sarebbe un pochino diverso.

Togliamo per un attimo le smancerie a cui non siamo più abituati, è molto evidente di cosa parla Parole Parole: due fidanzati passano la serata assieme, una cena fuori e poi di nuovo a casa. Stanchi si siedono sul balcone, lui fa su una canna e insieme la fumano. Inizia a fare subito effetto, così tanto che quando lui guarda la sua ragazza gli sembra di vederla per la prima volta:

Parole parole parole testo:

“Cara, cosa mi succede stasera, 

ti guardo ed è come la prima volta.” 

La trova più bella, più giovane, più simpatica. E’ evidentemente strafatto, ma lei ancora di più. Addirittura lo vede trasformato e quindi gli chiede:

“Che cosa sei, che cosa sei, che cosa sei”

“Non vorrei parlare.” Risponde lui in Parole, Parole di Mina, ed in effetti chi ha voglia di parlare dopo aver fumato? è uno sforzo mentale troppo impegnativo.

“Cosa sei?” Lei ancora non riesce a distinguere la sua figura, tutto gira. Prova ad avvicinarsi, gli tocca la faccia, tenta di tracciare i contorni del suo viso con le dita: “Ok quello è un naso, quella è una bocca”. La situazione è un po’ imbarazzante, “Chi cavolo mi ha venduto questo fumo schifoso”, pensa lui. In ogni caso deve dire qualcosa, se vuole concludere, non può tornare a casa in bianco. Di colpo si ricorda della frase che ha letto sui Baci Perugina quella mattina, la tira fuori dal taschino e cerca di leggerla senza farsi notare, oltre ad essere strafatto è anche un idiota:

“Tu sei la frase d’amore cominciata e mai finita.”

Lei d’un tratto ritorna in sé – le donne hanno la speciale capacità di tornare lucidissime quando è il momento di rompere le palle a qualcuno. Gli strappa il foglietto dalle mani, guardandolo schifata: “Non cambi mai, non cambi mai, non cambi mai, proprio mai. “

Comunque lui cerca di farle capire che può essere un poeta anche senza l’aiuto dei Baci Perugina, insomma prova il tutto per tutto.

Parole parole parole testo:

“Tu sei il mio ieri, il mio oggi, Il mio sempre, inquietudine”.

Quest’ultima parola gli scappa, perché è evidentemente sotto pressione per lo sguardo minaccioso di lei. Ma da bravo temerario riattacca:

“Tu sei come il vento che porta i violini e le rose”

“Caramelle non ne voglio più” Con questa frase lei cerca di fargli capire non solo che ormai la fame chimica non le viene più, ma anche che non è più una bambina, che i tempi in cui si faceva ammaliare con parole dolci sono finiti, ora sa quello che vuole e ha capito che lui non è in grado di darglielo. E’ in dubbio perché non sa se continuare questa storia oppure farla finta, tutti i suoi errori le passano davanti agli occhi.

“Certe volte non ti capisco” Lui in tutto ciò sta pensando che è totalmente pazza e che mai, nemmeno una volta, le ha comprato delle fottute caramelle, perché la fame chimica l’avevano sempre sedata con le patatine, lei si sta inventando di tutto pur di non passare la notte con lui. Ma lei continua imperterrita nel suo monologo solitario e inizia a blaterare cose senza senso sui violini e sulle rose:

Parole parole parole testo:

“Le rose e i violini 

questa sera raccontali a un’altra –tipica frase che usiamo per ingannare i nostri fidanzati-

violini e rose li posso sentire 

quando la cosa mi va, se mi va 

quando è il momento 

e dopo si vedrà”    

“Una parola ancora”. Lui ci spera di poter salvare la situazione ma ormai è troppo tardi la paranoia ha preso il sopravvento su di lei. Qualsiasi cosa verrà usata contro di lui. Ma, poi.. per cosa? Non ha fatto nulla di grave, ma noi donne siamo così: se se ne va lo accuserà di averla lasciata sola, se rimane gli griderà di andarsene, se sta zitto lo accuserà di non avere personalità, se parla, le sue parole, non saranno mai quelle che vuole realmente sentire.

Parole parole parole testo:

“Parole, parole, parole 

Parole, parole, parole 

Parole, parole, parole 

Parole, parole, parole, parole, 

parole, soltanto parole 

parole tra noi.”

Insomma alla fine di questa storia possiamo dedurre che quel fumo faceva proprio cagare.

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Intenso, carico di energia e con una storia tutta da raccontare… Io e Te è il primo singolo di Alex Cadili. Fa da apripista a un progetto di ampio respiro di cui sentirete certamente parlare.

Il tramonto ha lasciato spazio alla sera, le barche vengono cullate dal movimento delle onde mentre le stelle nel cielo punteggiano l’acqua di gemme preziose…
I suoi occhi si perdono lontano mentre la brezza marittima gli accarezza i capelli…

Il brano di Alex Cadili si sviluppa attorno ad un drumming, quello di Adriano Molinari, di ineguagliabile potenza che mantiene costante il ritmo grazie a una cassa potente e precisa per poi scaricare tutti i cavalli del suo groove nei ritornelli.

Di grande efficacia e classe il giro di basso di un Roberto Drovandi in grande spolvero, grazie al quale il tutto viene sostenuto con quella classe che solo i musicisti veri possono mettere in campo.

Graffiante più che mai l’elettrica di Roberto Priori  che esalta l’anima rock di Alex Cadili.

Spruzzi di archi e sinth punteggiano l’assieme mentre il piano dello stesso Cadili ricama frasi gustosissime durante tutto l’incedere della canzone per regalare nell’inciso centrale, un assolo che non ti aspetti e che mette in campo tutta la classe ed il gusto di un musicista che ha alle spalle anni di studio e gavetta!

Da gustare ripetutamente a volumi importanti!

La storia

Si intitola Io e te il primo singolo di Alex Cadili, musicista non vedente genovese, che non è Millennial per un a manciata di anni, classe 1979, alla sua prima uscita ufficiale; un brano carico di energia e pieno di voglia di vivere.

“Io e te rappresenta un messaggio – racconta Alex – che vuole contribuire ad alzare il volume del bene. Perché fare musica con il cuore significa proprio questo”.

Il progetto musicale dell’artista ligure, quindi, non è soltanto un semplice pezzo da ascoltare: incarna il modus vivendi di un musicista che, attraverso i suoi testi ed il suo pianoforte, racconta la sua vita.

“Scrivo e faccio musica dal 1992 e mi sono dedicato a tempo pieno a quest’attività da quando ho perso la vista e da quando Dio mi ha regalato la possibilità di approcciare tutto ciò che mi circonda attraverso un nuovo modo di vedere le cose”.

I testi di Alex vengono ulteriormente impreziositi da partecipazioni eccellenti. Adriano Molinari con la sua batteria regala un groove inconfondibile, sostenuto dal basso di Roberto Drovandi e dalla chitarra di Roberto Priori, inarrivabile nelle ritmiche super rockeggianti che graffiano momenti di adrenalina pura.

Questa uscita rappresenta il primo step di un percorso artistico che porterà, entro questo 2018, anche all’uscita di un album: un racconto di vita vissuta tutta da “condivivere”.

Io e te incarna perfettamente ciò che Alex sostiene da sempre:
“Vivi ogni attimo come se fosse il primo, l’ultimo, l’unico!”

Credits Single: Io e Te Alex Cadili

Produced & Arranged by: Roberto Drovandi

– Piano & Lead Vocals: Alex Cadili
– Drums: Adriano Molinari
– Bass, Acustic Guitars, Hammond, Keyboards & Programming :Roberto Drovandi
– Electric Guitars : Roberto Priori
– Backing Vocals: Alex Cadili, Giovanna “Gio” Arena

– Mix & Mastering: Roberto Barillari

– Recording Drums, Piano Solo & Vox at Cambusa Wave by: Roberto Barillari
– Studio Assistant : Nicolò Romani
– Recording Bass, Keyboard e Programming at Bonsai Studio by: Dro
– Recording Electric Guitars at Pri Studio by: Roberto Priori
– Recording Piano e Background Vocale at BM’s by: Marco Biggi

– Photo & Artwork by: Loredana Ginocchio

Press office: Vainer Broccoli

℗ © 2018 Twins104 under exclusive license from Alex Cadili

Leggi la scheda di Alex!

Acquista Io e Te su Itunes!

Carico di ritmo, denso di sonorità westcoast, Giuseppe Calini propone l’ennesimo album pieno di rock e di grande energia: Verso l’Alabama.

Il giubbotto di jeans sul braccio, il portachiavi in mano, la sua cabrio rosso fiammante è sotto casa che lo aspetta, ma ancor di più, lei lo sta attendendo per un’estate che sarà davvero bollente…
Take it easy, la vita è sempre bella!

Il pezzo Take it easy si articola attorno ad una linea ritmica composta da un drumming molto lineare ancorché raffinato dove, nel più tipico degli standard rock, rullante e cassa mantengono un timing assolutamente adrenalinico mentre, sul finale, rullatine con i tom ad arricchire il tutto, ricamano tratti di pura energia.
La linea di basso rinforza il tutto mantenendosi sempre precisa sul battere.
Estremamente raffinate le parti di percussioni che, seppur restando defilate, garantiscono una pienezza davvero gradevole.

Immancabili le varie parti di chitarra. Per la parte ritmica, compongono tappeti molto brillanti e puliti mentre, nei punti nevralgici, ecco che i rif con una leggera distorsione caricano di groove il brano.

Solari, in stile weastcoast, le parti solistiche, sul finale, che vanno ad impastarsi perfettamente con la linea vocale.

Molto calda la linea di canto che non fa altro che rispettare il mood della traccia; da notare i cori, sempre sul finale, i quali, giocando sul più tipico dei passaggi tra left e right, aprono alla grande tutto l’assieme.

Da gustare a volume alto con un buon drink a portata di mano.

La storia

Musicista completo, Giuseppe Calini canta, suona chitarra, basso, pianoforte e batteria, riuscendo così a comunicare alla perfezione con tutti gli strumentisti che negli anni hanno collaborato alla sua feconda produzione discografica.

Puro rock: Calini il rock ce l’ha nel Dna. Sono rimasti in pochi, duri e puri, quelli che non si cambiano per salire sul palco, quelli che sanno vivere in una dimensione di divertimento, sempre. Perché questo è il rock per chi lo vive. Non lo fa per moda o interesse, semplicemente perché è il suo stile di vita. Che sia nella sua Legnano, nel suo locale storico, La luna nel pozzo, al suo hotel, o dietro alla sua Telecaster, Giuseppe Calini è sempre lo stesso, con la battuta pronta e una voglia di vivere con passione qualsiasi cosa faccia. “Verso l’Alabama” è una raccolta di brani rock, include il singolo Take it easy supportato da un video che la dice lunga sul modo di vivere scanzonato di Calini. Chitarre, riff, rullate si susseguono in un infinito emozionarsi. Dalle ballate di Una lunga strada da casa, Quando gira male (dedicata a un suo Bulldog), Peter Pan al rock di Sangue nervoso con il rock sudista di “Verso l’Alabama”, inimmaginabile per un musicista italiano, il disco percorre 30 anni di carriera. Immancabili Il rock degli anni 70, Rock’n’roll,  Tu sei qui. Sulle ali del rock’n’roll, da ascoltare ad alto volume, per tornare ai tempi in cui si suonava davvero. Per chi non vuole cedere all’elettronica. Non è mai troppo tardi.

Leggi la scheda di Giuseppe!

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Il fervore musicale del ventennio ’80/’90 ha regalato alle folle diversi nomi di spicco che però, nel tempo, si sono un po’ persi. O, come in questo caso, si sono orientati verso altre attività artistiche per poi ritornare al primo vero grande amore, la musica. Leda Battisti proprio nel periodo che va dall’inizio del 1990 fino al 1999 è stata una figura di riferimento per il panorama musicale italiano grazie a una voce incredibile, un background musicale di assoluto livello e – il che non guasta – una presenza scenica che non passava inosservata.

Tante piccole produzioni poi il magico 1998

Il 1998 e L’acqua al deserto

“…Del male che mi fai tu che ne sai?
Del vuoto che io sento che ne sai?…
…Come l’acqua al deserto manchi in me, come pioggia ad agosto manchi in me…”

L’acqua al deserto rappresenta, senza dubbio, il cosiddetto primo vero grande successo di Leda che però resta, qualitativamente parlando, su livelli sempre altissimi…

Un bit molto sensuale, chitarra flamenca, voce calda e che tocca le vette più alte, sono le peculiarità dell’artista umbra.

Altre perle caratterizzano il percorso artistico della Battisti (Un fiume in piena, Tu l’amore e il sesso, etc) e fanno presagire una carriera brillante. Ma poi?

Gli anni 2000 e l’ultimo festival

“…Senza me ti pentirai, ma sicuramente non lo ammetterai; è per questo che non so se negli altri cercherò di trovare gli occhi tuoi…”

Le ultime tracce di Leda, in quegli anni, risalgono al festival di Sanremo del 2007 dove si presenta con un pezzo che parla sempre di un amore finito in salsa latina e che, vista anche la sua complessità a livello musicale, non eguaglia il successo degli anni ’90. Poi, almeno per il grande pubblico, tutto sembra cadere nell’oblio.

La verità, per fortuna, non è questa. Andando un po’ a vedere come stanno le cose, ecco che troviamo Leda Battisti nelle piazze dei paesi, soprattutto del sud, dove le sagre sono ancora una realtà molto attiva, e dove l’artista riesce sempre a mantenere un contatto vero con i suoi fan.

Doppiaggi in film d’animazione, alcune collaborazioni. Attività sottotraccia rispetto ai palcoscenici più importanti del mercato musicale italiano. Che stava mutando radicalmente nelle modalità di fruizione e di produzione.

“…Credetemi, non sono stata mai ferma perché, oltre ad un mio percorso di crescita musicale, non ho mai trascurato i live dal momento che non posso fare a meno del contatto di chi mi ha sempre seguito…”

Così Leda risponde a chi le chiede del periodo che non l’ha vista al centro della scena musicale dei primi anni 2000 e, con gli ultimi 2 anni, eccola ripartire alla grande con un nuovo progetto più maturo, ma con una carica emotiva forse ancora più intensa rispetto agli esordi.

Il 2017 ed il ritorno a tutto social

“…questo amore è una partita, una scena mai finita come un cerchio che non si può più spezzare…”

copertina del singolo che ha segnato il ritorno di Leda Battisti

Il testo di Seconda notte, il suo ritorno, è una riflessione su come certi amori non finiscano mai e proprio con questo messaggio l’artista di Poggio Bustone fa capire come anche la sua voglia di musica non abbia mai smesso di scorrere nelle sue vene. Questa carica di energia si trasmette alla sua gente. Che la premia con un’interazione diretta e costante sui social.

“Beh, direi che potrei dire, abbastanza banalmente, che le emozioni sono fresche quanto quelle di un esordio vero e proprio.
Mi sto rimettendo in gioco in un mondo della musica totalmente diverso da quello che ho lasciato nel 2007, dopo Sanremo, quindi l’avventura si configura come un’esperienza completamente nuova!” ha detto.

Leda Battisti tra la primavera 2017 e l’estate 2018 lancia, proprio sfruttando quella rete che tantissimi addetti ai lavori dipingono come la tomba del mercato musicale, 4 nuovi singoli e un album (di prossima uscita).

Welcome back mrs. Battisti!

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Yoko Ono oggi è un nome poco noto e principalmente collegato a quello del suo defunto e celebre marito, John Lennon. Eppure Yoko Ono è un’artista, una musicista e cantautrice giapponese. Merita di essere conosciuta non per la sua storia d’amore ma per la sua arte concettuale provocativa, per il suo spirito di ribellione e per la sua travolgente energia.

“Per sopravvivere bisogna credere in se stessi”

Come ogni persona dotata d’ingegno e creatività è stata molto criticata sia sul piano privato sia su quello lavorativo. Ma l’artista non demorde e continua a offrirci perle di vita. Una sua grande lezione è basata sulla possibilità: di dire ciò che si vuole e di fare ciò in cui si crede. Se vuoi, puoi.

Nella sua arte concettuale, Yoko coinvolge gli spettatori a completare i suoi lavori: perché ognuno può farlo. Cut Piece (1964) fu la prima performance artistica femminista in cui, offrendo il suo corpo al pubblico, li invitava a tagliuzzare i vestiti da lei indossati.  Spiegando il valore del dare e ricevere, ha lasciato al pubblico la libertà di scegliere cosa tagliare e cosa prendere.

“Sono innamorata della vita, del mondo, in ogni istante”

Le sue opere vogliono spostare l’attenzione sulle idee, piuttosto che sulle apparenze. Ecco il significato di Ceiling Painting/ YES Painting (1966): la sofferta e difficile scalata verso l’affermazione e la speranza. Bisogna rendere positivo anche il negativo, bisogna svegliarsi la mattina e sorridersi allo specchio. Nessuno ha una vita perfetta, ognuno ha le proprie battaglie da combattere. Dovremmo solo contare le nostre stelle fortunate, piuttosto che lamentarci. Come la “bambina dell’oceano” (traduzione italiana di Yoko Ono) disse: “fate ogni giorno qualcosa che faccia ridere il vostro cuore”. Bisogna essere energia positiva.

“Immagina che la gente viva il presente, viva la propria vita in pace.

Immagina un mondo senza possessi, senza necessità di avidità o fame.

Una fratellanza di uomini”

Attivista e femminista, Yoko Ono oggi è ormai ufficialmente riconosciuta come coautrice di Imagine, quel brano-poesia che scrisse insieme a suo marito John. La canzone rispecchia la sua filosofia di vita e il suo messaggio pacifista.

Quando le chiedono quale sia la cosa più importante nella vita, Yoko Ono oggi risponde: “respirare”. Se smettessimo di giudicare e criticare gli altri, per 3 giorni, 45 giorni e poi per 3 mesi vedremmo cosa succederebbe nella nostra vita. E allo stesso tempo, dovremmo smettere di pianificare, controllare le cose o scervellarsi sui se e sui ma: “è una perdita di tempo pensare cosa sarebbe stato se avessi dipinto quel quadro di rosso invece che di nero”.

https://www.instagram.com/p/BVsWT6LHMtL/?taken-by=yokoonoofficial

Bisogna lottare per ciò in cui si crede, non bisogna mai smettere di sperare e di sognare.

P.S Bisogna sapere che Yoko Ono, sin dalla sua infanzia, non ha affatto avuto una vita facile e spensierata. Perciò chapeau bambina dell’oceano per la tua incredibile positività e voglia di vivere!

Come il buon John Lennon la definì “è l’artista sconosciuta piú famosa del mondo: tutti la conoscono di nome, ma nessuno sa quello che fa”.

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Stasera inizierà Sanremo 68, un numero che ricorda rivoluzione e gioventù. Ma anche quest’anno vediamo riesumare vecchi soprammobili che si sfideranno su e giù per le scale musicali brandendo giri di do. E i millennial? Be’, ecco a voi una panoramica (e a voi il giudizio) su: Sanremo 2018 partecipanti millennial.

Nella sezione dei “Campioni”, anche nota come sezione “Giurassica” vista l’età media dei partecipanti, potremo vedere spuntare, tra dentiere e cateteri, qualche volto Millennial con l’effetto fungo.

Ma chi sono i funghetti di quest’anno che hanno oziato tutto l’anno per tornare puntuali nel mese di Febbraio? Chi potrà vivere di rendita fino al Febbraio 2019 grazie ad un… se non tormentone, quantomeno tormentino? che dire, insomma, a proposito del tema: Sanremo 2018 partecipanti millennial?

Lo Stato Sociale

Dopo anni di indie-pendenza hanno deciso di buttarsi nel mare delle major passando per Sanremo. Lo Stato Sociale è un gruppo elettropop dalle origini bolognesi e, a quanto pare, è amato da ragazzi con la barba lunga e ragazze con le Birkenstock. Viste le loro origini, dovrebbero mantenere una costanza musicale durante tutti i 365 giorni dell’anno anche se non vinceranno e anche se non sarà un Sanremo di “rose e fiori”.

Giovanni Caccamo

Dopo aver vinto Sanremo Giovani nel 2015, la vita del giovane Caccamo è stata condizionata dal fatto di dover partecipare tutti gli anni a Sanremo, per ordine di sua maestà Battiato in persona. Anche voi quando avete sentito Caccamo avete immaginato il personaggio reso noto da Teo Teocoli?

Renzo Rubino

Non si tratta dello pseudonimo italiano del produttore Rick Rubin. Renzo Rubino ha vinto la medaglia di bronzo a Sanremo 2013, è tornato nel 2014 ed è tornato nell’underground fino ad oggi. Rubino potrebbe esordire sul palco dell’Aristo con una frase del tipo “Mo ce ripigliamm tutt chell ch’è o’nuost”.

The Kolors

Dopo 4 dischi di platino, una pubblicità della Vodafone e un featuring con Gucci Mane, i The Kolors sono tornati passando per il palco dell’Ariston. Ce la farà questa giovane boy band italiana ad accaparrarsi il titolo più ambito dai cantanti italiani?

Annalisa

Medaglia di argento ad Amici di Maria De Filippi nel 2011, la sua vita è stata un susseguirsi di tentativi falliti al Festival di Sanremo e milioni di visualizzazioni su YouTube. Sarà l’anno buono o anche quest’anno non convicerà il pubblico dell’Ariston?

Ma dopo questi incredibili volti Millennial che hanno deciso di mostrarsi valorosamente in mezzo ad una schiera di vecchi perchè non pensiamo a chi si è categoricamente rifiutato di partecipare oppure non ha passato le selezioni?

Tommy Paradiso

E’ appena uscito il suo nuovo singolo con Elisa e il duo di produttori Takagi & Ketra, ma perchè il giovane frontman dei Thegiornalisti ha deciso di non partecipare a Sanremo 2018? Ragazzi, a lui piacciono le sbarbine, mica le tardone.

Coez

Coez dice “Ti vorrei viziare”, non “Ti vorrei regalare i fiori di Sanremo”, probabilmente anche lui pensa che a tutto ci sia un limite, ma poi con un singolo multiplatino chissene frega del palco dell’Ariston no?

Carl Brave x Franco126

Probabilmente il duo romano non è ancora conosciuto troppo nel mainstream (Millennial esclusi), ma tanto meglio così perchè la loro musica vera e genuina a noi piace ancora così e a Sanremo non puoi raccontare che “le ciocie si squagliano sui sanpietrini”.

Liberato

Non è ancora stata svelata l’identità di questo giovane cantante neo-rap-elettronico-melodico e neanche al Festival di Sanremo 2018 verrà svelato l’arcano. Chi li raccoglieva i femori che si staccavano mentre si ballava la sua hit sanremese?

Chi avreste voluto vedere al Centro Anziani Ariston quest’anno? Soprattutto quale  tormentino dei partecipanti Sanremo 2018 ballicchieremo quest’anno sulle migliori spiagge d’Italia?

E dopo aver approfondito Sanremo 2018 partecipanti millennial, LEGGI ANCHE: Cristina D’Avena e i suoi duetti: quando i rapper millennial si sottomettono a LEI

Ay, ay, ay, ay

Canta y no llores

Porque cantando se alegran

Cielito lindo, los corazones

Cantando si allegrano i cuori. Parola di mariachi. Per chi (verosimilmente molto pochi, dopo la trilogia di Robert Rodriguez), ancora non sapesse chi sono i mariachi, questa è forse la loro canzone più famosa. Almeno in Italia. Ma la tradizione dei mariachi, cioè dei musicisti tradizionali messicani, ha più di 300 anni di storia e un repertorio sterminato. Ora qualcosa sta cambiando: la professione si sta aprendo anche alle donne.

Donne vestite con abiti messicani tradizionali e grossi sombreri in testa. Se il XXI secolo è delle donne, beh anche i mariachi ne sono una prova. Dopo tre secoli di totale esclusione del genere femminile da questo mestiere oggi è facile trovare donne che cantano in gruppo o anche con altri uomini, soprattutto negli Stati Uniti del sud ovest.

Le donne mariachi sono soprattutto a San Antonio, in Texas, dove il mese scorso si è svolto il Mariachi USA festival. Secondo il proprietario di un negozio di abiti tradizionali le vendite di capi femminili sono in aumento perché aumentano le richieste da parte di giovani ragazze nelle scuole di canto.

Fino agli Novanta non ne esistevano, poi le donne hanno cominciato a fare piccole comparse durante gli spettacoli per un paio di canzoni e ora invece si mettono d’accordo tra di loro, formano dei gruppi e organizzano spettacoli in autonomia.

La mariachi più famosa è Alina Lozano, nata in Messico e trasferitasi negli Stati Uniti a 6 anni dove ha sempre studiato musica, fino ad appassionarsi al genere tanto da voler diventare una professionista. Alina canta nel gruppo Mariachi Azul de San Antonio, anche se è più famosa per aver fatto parte di Mariachi Entertainment System che riproduceva le canzoni dei videogames alla maniera mariachi.

E dopo aver scoperto chi sono i mariachi oggi, LEGGI ANCHE: Messico e nuvole. Cosa berrete nel 2018? Tequila e mezcal!